Category Archives: Drama

Night Moves

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Crítica – Night Moves

Dakota Fanning está no Rio para promover seu novo filme, este Night Moves. Pena que o filme é fraco…

Três ecoterroristas planejam explodir uma represa. Mas parece que não estão preparados para aguentar as consequências dos seus atos.

Não conheço o trabalho da diretora Kelly Reichardt. Li coisas boas sobre seus filmes anteriores. Mas, apenas por Night Moves, admito que não me empolguei. O ritmo do filme é leeento, muito pouca coisa acontece em uma hora e cinquenta e dois minutos. Toda a história do filme poderia se resumir em um curta de 15 minutos.

E, pra piorar, o grande evento do filme, a explosão da represa, não aparece. Falam da explosão durante toda a primeira parte do filme, e na hora H não mostra nada. Sei que é um filme independente, mas já vi filmes com orçamentos minúsculos com efeitos especiais interessantes (alguém aí viu Monstros?). Mas aqui, a gente só ouve o barulho da explosão enquanto olha pra cara dos atores. Frustrante, não?

Outra coisa: acho que a diretora se perdeu no objetivo do seu filme. Porque se era pra gente simpatizar com a causa ecológica, deu errado. O próprio patrão do protagonista concorda que a explosão da represa não serviu pra nada.

Tem mais: parece que Jesse Eisenberg nunca mais vai se desligar do papel de Mark Zuckerberg. Imagine um Zuckerberg trabalhando numa fazenda? Tá lá no filme… E Dakota Fanning, apesar da pouca idade, é uma veterana de talento, mas isso não é o suficiente pra salvar o filme.

Enfim, dispensável.

p.s.: Tem outro filme homônimo, de 1975, do Arthur Penn, com o Gene Hackman. Não vi o outro, não sei se um tem a ver com o outro.

Spring Breakers – Garotas Perigosas

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Crítica – Spring Breakers – Garotas Perigosas

Quando Spring Breakers – Garotas Perigosas foi divulgado, passou a impressão de ser mais uma comédia besta. Mas aí ele apareceu na programação do Festival do Rio, e ainda teve elogios de um dos críticos d’O Globo. Como diria Calvin Candie, personagem de Leonardo DiCaprio em Django Livre, “you had my curiosity, but now you have my atention”. Fui ver qualé.

Quatro amigas saem de férias no feriado Spring Break, que acontece nos EUA, mas acabam presas. Um traficante as solta e elas conhecem o efêmero glamour da vida do crime.

Spring Breakers – Garotas Perigosas visto, entendi porque está no Festival. Não é uma comédia, mas sim um filme pretensioso. E tem muito filme pretensioso pela programação…

Só depois de ver é que fui verificar quem era o diretor. Harmony Korine ganhou fama como o roteirista de Kids, aquele filme polêmico (e chato) que passou nos cinemas nos anos 90. Spring Breakers – Garotas Perigosas parece uma nova versão de Kids, segue a mesma estrutura: polêmica em cima de imagens estilosas e quase nada de roteiro.

Temos que admitir que Korine tem talento para criar imagens bonitas – provavelmente vem daí os elogios da crítica. Algumas seqüências de Spring Breakers – Garotas Perigosas são graficamente muito interessantes. Mas isso não sustenta um longa metragem. O cara deve ser bom para fazer videoclipes de três ou quatro minutos…

A polêmica de Kids era com sexo entre adolescentes; agora temos um filme com nudez e drogas estrelado por duas ex-estrelas Disney (Vanessa Hudgens e Selena Gomez) e uma atriz com longo currículo na tv (Ashley Benson). Mas, vamos com calma: são quatro atrizes principais – três delas conhecidas, mais uma que ninguém tinha ouvido falar (Rachel Korine, a esposa do diretor). Adivinha qual é a única que mostra alguma nudez?

(Fora Rachel Korine, algumas anônimas “pagam peitinho” em cenas de festas de spring break. Ou seja, se for pela nudez, Spring Breakers – Garotas Perigosas fica devendo.)

Aliás, preciso fazer um comentário sobre os figurinos. Desde que começa a viagem das meninas, elas aparecem o tempo todo de biquíni. Todas as cenas! Será que ninguém da produção se tocou como ficou ridículo quatro meninas de biquíni na frente de um juiz?

Nada a acrescentar sobre o elenco. James Franco está caricato, mas o papel pede isso. E as quatro meninas funcionam para o que foram contratadas: ficar passeando de biquíni durante o filme quase inteiro.

No fim, o resultado é um filme com algumas belas imagens. Mas um filme vazio. E muito chato.

Rush – No Limite da Emoção

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Crítica – Rush – No Limite da Emoção

Cinebiografia que mostra a história (real) da rivalidade, nos anos 70, entre dois grandes corredores de estilos completamente diferentes: Niki Lauda e James Hunt – desde as corridas  de menor expressão, até a Fórmula 1, onde ambos tiveram carreiras vitoriosas.

Nasci em 71, só acompanhei a Fórmula 1 dos anos 80, me lembro de Lauda como rival de Nelson Piquet. Não me lembrava de detalhes sobre o campeonato de 1976. Mas vou falar que, se tudo aconteceu como no filme, 76 foi um ano eletrizante na F1.

O tempo de tela é bem dividido entre os dois protagonistas. De um lado, Lauda, metódico e cerebral; do outro, Hunt, mulherengo e fanfarrão. Literalmente, razão vs emoção.

Dois personagens principais, dois atores principais. Chris Hemsworth teve menos trabalho, seu James Hunt é parecido com os personagens que costuma fazer, a gente vê o Thor pilotando. Já Daniel Brühl (Bastardos Inglórios) ganhou um papel mais complexo – seu Niki Lauda, genial e antipático, está impressionante – e ele ainda usa uma prótese nos dentes para ficar mais parecido com o piloto austríaco. Ah, as melhores tiradas do filme vêm de Lauda, como, por exemplo, a sua reação ao dirigir uma Ferrari pela primeira vez.

O diretor é Ron Howard, dono de um excelente e vasto currículo como diretor, produtor e ator, que inclusive conta com dois Oscars, por Uma Mente Brilhante (melhor diretor e melhor filme). Rush – No Limite da Emoção traz algumas semelhanças com outra boa cinebiografia dirigida por Howard: Apollo XIII. Ambos os filmes foram baseados em histórias reais que são excepcionais

Aqui, Howard pega a história original, que já era muito boa, e a conta de maneira ainda mais interessante. Não me lembro de ter visto corridas de Fórmula 1 tão bem filmadas como aqui. E Rush – No Limite da Emoção ainda tem alguns trunfos, como uma excelente reconstituição de época e a boa trilha sonora de Hans Zimmer.

Além de Hemsworth e Brühl, o elenco ainda conta com Olivia Wilde, que, na minha humilde opinião, não ficou bem loura. Ainda no elenco, Alexandra Maria Lara, Natalie Dormer e Pierfrancesco Favino.

Confesso que, como brasileiro, senti uma certa frustração por não ter visto o Emerson Fittipaldi. Ele é citado, Hunt pegou a sua vaga na McLaren quando o piloto brasileiro, então bicampeão mundial, resolveu criar a Copersucar. Mas ele não aparece…

(Fatos históricos pra quem não acompanhou: Fittipaldi foi campeão em 1974 pela McLaren, mas largou a escuderia no ano seguinte para investir no projeto Copersucar, um carro de corrida brasileiro. Pena que o carro não era competitivo, Fittipaldi nunca mais ganhou uma prova de F1…)

Outro fato histórico: qualquer um que já se interessou por F1 sabe que Niki Lauda se envolveu em um grave acidente – Lauda não se aposentou depois do acidente, e continuou correndo mesmo com o rosto deformado pelas queimaduras. Curiosamente, o acidente em si acontece de maneira rápida na tela. Achei que veríamos com mais detalhes. A recuperação de Lauda e todo o pós acidente têm maior foco no roteiro.

Heu não me lembrava do campeonato de 76, o que foi bom, porque a parte final do filme é eletrizante, e não sei se teria a mesma graça se heu já soubesse o fim da história. Para quem não acompanhou, recomendo não ler sobre quem ganhou!

Oldboy

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Crítica – Oldboy

Parece que este ano teremos a refilmagem do Oldboy coreano, dirigida por Spike Lee. Tenho dois pés atrás com esta refilmagem – primeiro por não achar necessária uma refilmagem; depois por achar que o estilo de Spike Lee não tem nada a ver com o filme. Bem, independente do filme novo, é hora de rever o original.

Oh Dae-su é sequestrado e preso por 15 anos, sem que lhe seja dada justificativa alguma sobre o ato. Depois da libertação, Dae-su agora quer vingança, e para isso precisa descobrir quem o prendeu e o por que.

Na minha humilde opinião, Oldboy é o melhor filme de vingança da história do cinema. Sou fã dos dois Kill Bill, mas reconheço que a vingança de Oldboy é muito mais elaborada, e MUITO mais cruel.

Baseado no mangá japonês de mesmo nome escrita por Nobuaki Minegishi e Garon Tsuchiya, Oldboy foi o primeiro filme de Chan-wook Park a entrar em circuito aqui no Brasil – hoje seu nome é conhecido entre cinéfilos.

Além da boa história e do bom roteiro, Oldboy tem uma parte visual forte e muito bem construída. Temos várias imagens com muita violência gráfica e alguma escatologia, e pelo menos um plano-sequência genial, onde Dae-su, armado apenas com um martelo, briga com uns vinte inimigos em um corredor.

Oldboy é o segundo filme da “trilogia da vingança”, do diretor Chan-wook Park. Mas os outros dois são bem mais fracos – Mr. Vingança, de 2002, é meio tosco; Lady Vingança, de 2005, parece uma cópia barata de Kill Bill. Os dois filmes até são legais, mas Oldboy é infinitamente melhor.

Como é um filme sul-coreano, admito que não conhecia ninguém no elenco. Os atores seguem o estilo oriental de interpretação, algo mais intenso, mais exagerado do que estamos acostumados no cinema ocidental. Min-sik Choi, o protagonista, está impressionante, vai do zero a 100 por hora em segundos.

Oldboy é de 2003, mas só foi lançado aqui no Brasil em 2005 – e esteve presente em várias listas de melhores daquele ano. E, revisto hoje em 2013, continua um filme excelente.

Antes da Meia Noite

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Crítica – Antes da Meia Noite

Olha o casal Jesse e Celine de volta!

Nove anos depois, reencontramos Jesse e Celine, agora casados e com duas filhas, passando férias na Grécia. Mas o clima romântico de outrora agora dá lugar às discussões do dia-a-dia.

Antes da Meia Noite (Before Midnight, no original) não é um filme para qualquer um. Quem não viu os outros filmes (Antes do Amanhecer, de 1995, e Antes do Por do Sol, de 2004) talvez ache um filme longo e arrastado, onde ficamos quase o tempo todo vendo um casal conversar. Mas acho que tem muitos fãs dos outros dois filmes por aí, esses vão gostar.

Antes da Meia Noite segue a mesma linha verborrágica dos filmes anteriores. Não só é dirigido pelo mesmo Richard Linklater e estrelado pelos mesmos Ethan Hawke e Julie Delpy, como o roteiro foi escrito pelos três (como aconteceu no segundo filme). Isso mostra que que o trio tem uma boa sintonia, e essa sintonia é vista na tela.

Na verdade, pouca coisa acontece, passamos boa parte da projeção vendo uma “DR” estendida – talvez seja esta a grande diferença entre este é os outros dois filmes, aqui tem mais briga e menos romantismo. Mas, por incrível que pareça, o filme é leve e agradável – acredito que a boa química entre o diretor e os protagonistas ajude nesse fator. Digo mais: achei a longa discussão no hotel com um ritmo perfeito – diferente da cena inicial, dentro do carro, longa demais, talvez o único momento do filme com “gordura”.

Enfim, não é pra qualquer público. Mas acho que os fãs dos primeiros filmes não vão se decepcionar.

Por enquanto, podemos considerar uma trilogia fechada. Mas não vou me surpreender se daqui a nove anos tivermos mais um “Antes de alguma coisa”…

A Fuga

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Crítica – A Fuga

Depois de ganhar o Oscar de melhor filme estrangeiro por Os Falsários, o diretor austríaco Stefan Ruzowitzky foi convidado pra o seu primeiro projeto hollywoodiano, este A Fuga (Deadfall, no original).

Um casal de irmãos foge com o dinheiro de um golpe em um cassino, ao mesmo tempo que um ex-boxeador está a caminho da casa dos seus pais para passar o Dia de Ação de Graças com a família. Quando os caminhos se cruzam, as coisas podem dar errado.

A Fuga é um eficiente thriller com uma trama bem construída, que se baseia em conflitos familiares em vez de reviravoltas no roteiro. O filme não tem nada de Spielberg, mas são três famílias, todas com problemas com a figura paterna…

O elenco é uma das melhores coisas de A Fuga. Eric Bana, inspirado, faz um vilão excelente. E Olivia Wilde, além de boa atriz, é uma das mulheres mais bonitas da Hollywood contemporânea. Ainda no elenco, Sissy Spacek, Kate Mara, Treat Williams, Kris Kristofferson e Charlie Hunnam.

A Fuga é bem violento, mais do que o padrão hollywoodiano, mas nada que atrapalhe. A violência gráfica contrasta com as belas paisagens geladas, bem utilizadas pela fotografia do filme. A parte final é previsível, mas a cena é bem conduzida. Não gostei do fim, mas não chegou a estragar o filme.

A Fuga não é nenhuma obra prima, mas pode funcionar em um dia sem melhores opções.

Indomável Sonhadora

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Crítica – Indomável Sonhadora

Atrasado, fui ver mais um dos filmes do Oscar.

Hushpuppy é uma menina de 6 anos de idade que vive na “Banheira”, uma comunidade miserável isolada às margens de um rio. Seu pai, alcoólatra e doente, se recusa a procurar ajuda médica.

Dirigido pelo estreante Benh Zeitlin, Indomável Sonhadora tem um problema gravíssimo: a câmera parece operada por uma pessoa que sofre o Mal de Parkinson. É mais ou menos como se o Michael Bay resolvesse fazer um drama. É realmente difícil encarar o filme, chega a dar náuseas.

A câmera trêmula parece que quer dar a Indomável Sonhadora um ar cool de cinema independente. Ou seja, só pretensão mesmo.

Quem conseguir sobreviver à câmera trêmula, vai encontrar o problema seguinte, o problema moral. É difícil criar alguma empatia com personagens tão “errados”. A comunidade da “Banheira” deveria sair de lá, mas não só todos insistem em ficar como ainda tentam explodir a represa, como se isso fosse ajudá-los. Pra piorar, parece que todos na comunidade têm problemas com alcoolismo. E Wink, o pai da menina, além de ser alcoólatra e egoísta, bate na filha, a trata mal e ainda a oferece bebida alcoólica.

A “estética Sebastião Salgado” da fotografia do filme não ajuda – só vemos gente feia, miséria e pobreza ao longo da projeção. Talvez isso tudo seja para a gente ter pena da protagonista Hushpuppy, e assim ela ter o nosso apoio. Mas não funcionou.

A história dá uma pincelada no realismo fantástico, com as tais “bestas do sul selvagem” do título original (Beasts of the Southern Wild). Mas é outra coisa que não funciona: fica tudo solto no ar, sem nenhuma função na trama.

Bem, tem muita gente falando bem da atuação da pequena de nome impronunciável, Quvenzhané Wallis. Realmente, a menina manda bem e merece todos os elogios. Mas nada adianta se o filme não ajuda.

Apesar de todas as falhas, tem muita gente falando bem do filme, que recebeu inacreditáveis quatro indicações ao Oscar, incluindo melhor filme (!), roteiro (!!) e direção (!!!). Mas, na minha humilde opinião, é só o hype do cinema independente.

Não vale nem pela menina que ninguém consegue chamar pelo nome…

O Dobro Ou Nada

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Crítica – O Dobro Ou Nada

Filme novo do Stephen Frears, estrelado por Bruce Willis, Rebeca Hall e Catherine Zeta-Jones? Pode ser legal.

Beth trabalha como stripper, mas ao ter contato com um cliente perigoso, resolve ir para Las Vegas. Lá, começa a trabalhar com apostas, na empresa Dink Inc. Boa com números, tem problemas ao se apaixonar pelo patrão.

Pode ser legal? Podia, mas não é. O Dobro Ou Nada (Lay the Favorite, no original) é uma grande decepção. O filme é sem graça e não leva a lugar algum. Mas o pior é a grande quantidade de personagens mal construídos.

Os personagens são péssimos! Beth, a protagonista, interpretada por Rebecca Hall, passa o filme inteiro andando de shortinho e enrolando o cacho do cabelo, como se fosse uma adolescente, algo incoerente com sua postura profissional. Tulip, a personagem de Catherine Zeta-Jones, primeiro posa de esposa ciumenta, pra depois ficar amiguinha da mulher que tentou seu marido. Vince Vaughn nem é uma das piores coisas aqui, mas o seu exagerado Rosie chega a irritar, sorte que pouco aparece. Joshua Jackson parece perdido com o seu sub aproveitado Jeremy. Acho que o único que se salva é Bruce Willis, seu Dink não é um grande personagem, mas pelo menos não está mal.

E o pior de tudo é constatar que o roteirista é D.V. DeVincentis, o mesmo do excelente Alta Fidelidade, também dirigido por Frears. Ambos os roteiros são baseados em livros, desconfio que um dos livros deve ser bem melhor que o outro…

Enfim, desnecessário…

 

Dogma do Amor

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Crítica – Dogma do Amor

Outro dia, uma amiga mandou um e-mail me perguntando sobre um filme com a seguinte descrição: “O plot é mais ou menos assim: tem duas patinadoras no gelo, gêmeas. As pessoas começam a morrer do nada. Desfalecem na rua, mas aquilo vira normal e as outras passam por cima, como se nada tivesse acontecido. Lá pelas tantas o planeta começa a congelar. E o protagonista tá num avião que não pousa e vai ficar voando até… Que filme é esse?“. Caramba, não conhecia, mas precisava ver um filme assim!

Na verdade, Dogma do Amor (It’s All About Love, no original), lançado em 2003, fala sobre um casal e suas tentativas para salvar seu relacionamento num futuro próximo onde o planeta está à beira de um colapso cósmico. E as dicas dadas pela minha amiga estavam parcialmente incorretas. Não são patinadoras gêmeas, mas aparecem quatro patinadoras iguais; e não é o protagonista quem está no avião que não pode pousar. Mesmo assim, ainda parecia ser um filme interessante.

Gosto de filmes com sinopses bizarras – fiz até um Top 10 sobre isso. Não acho que tudo tem que ser explicado, fico satisfeito mesmo quando coisas são deixadas no ar sem explicação. Mas o filme precisa ser bom. E isso não acontece com Dogma do Amor.

Aparentemente, as situações bizarras só estão na trama pra chamar a atenção. São subtramas que não tem nenhuma importância na história, e que são muito pouco exploradas – tem um lance de pessoas sem gravidade em Uganda, que só aparece na última cena, solto, sem nenhuma relação com o resto do filme.

O diretor é Thomas Vinterberg, que ficou famoso com Festa de Família, o menos ruim dentre os filmes do Dogma 95, movimento picareta inventado por ele mesmo ao lado de Lars Von Trier pra chamar a atenção, e que não trouxe nada de qualidade para o cinema. Mas, se o Dogma 95 pregava uma produção cinematográfica espartana (câmera na mão, sem trilha sonora nem iluminação artificial, atores não profissionais, etc.), aqui Vinterberg deixou tudo isso de lado e resolveu abusar dos efeitos especiais – tem até efeito onde não precisa, como a cena desnecessária dos africanos sem gravidade.

(Aliás, o nome brasileiro do filme tenta pegar carona no movimento. “É Tudo Sobre o Amor” virou “Dogma do Amor“…)

O problema é que se você tirar as bizarrices do roteiro, o filme fica vazio e sem graça. Os personagens não são interessantes, a trama não é envolvente, o roteiro tem um monte de furos (por que eles foram parar na neve, no meio do nada, perto do fim do filme?), e tudo fica enfadonho e arrastado.

No elenco, Joaquin Phoenix parece perdido. Claire Danes está um pouco melhor, seu personagem é o único interessante no filme (e tem o lance das cópias). E Sean Penn deve ter ganhado o cachê mais fácil de sua vida: aparece por alguns segundos, falando sozinho ao celular, dentro de um avião. Mais ninguém interessante no elenco.

Enfim, boa sinopse, desperdiçada num filme mal desenvolvido.

Lincoln

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Crítica – Lincoln

Quando soube da existência deste filme, nem me empolguei pra assistí-lo, parecia que seria apenas mais uma patriotada norte-americana. Mas o diretor é Steven Spielberg, então a gente tem que ver, né?

Abraham Lincoln, o presidente dos EUA, recém eleito para o segundo mandato, tem que administrar a Guerra da Secessão enquanto briga nos bastidores para aprovar a emenda constitucional que libertaria os escravos.

O forte do diretor Spielberg são os filmes pop. Não é qualquer um que tem no currículo títulos como Contatos Imediatos do Terceiro Grau, E.T., Tubarão, Parque dos Dinossauros, Tintim e os quatro Indiana Jones. Mas não é novidade que ele de vez em quando faz um filme “sério”. Já foram vários, como A Cor Púrpura, Amistad, A Lista de Schindler e Cavalo de Guerra. Seus filmes sérios são bons. Mas, na minha humilde opinião, são bem inferiores àqueles onde ele se preocupa primeiro com a diversão.

Lincoln confirma que Spielberg é melhor quando pensa na diversão. Tecnicamente, o filme é perfeito. Mas é looongo. E chaaato…

Acho que só os fanáticos pela história dos EUA vão curtir o filme. A longa duração atrapalha – são intermináveis duas horas e meia de muito falatório e pouca ação. Tem uma cena que ilustra a falta de paciência: Lincoln começa a contar mais uma história, e um personagem se retira do ambiente, falando “eu não acredito que possa suportar ouvir outra de suas histórias nesse momento!”. Olha, sou fã do Spielberg, reconheço as qualidades do filme, mas concordo com este personagem…

Tem outro problema, este previsível. Spielberg quase sempre coloca problemas de relacionamento entre pais e filhos em seus filmes. A trama paralela com o filho de Lincoln que quer ir para a guerra é completamente dispensável. E o pior: um bom ator (Joseph Gordon-Levitt) é sub aproveitado.

O melhor de Lincoln é sem dúvida o seu protagonista. Lembro de Daniel Day-Lewis em filmes como O Último dos Moicanos, Gangues de Nova York e Em Nome do Pai. E posso afirmar: não consegui ver o ator na tela do cinema, só via o personagem. Acho que desde o Jim Morrison de Val Kilmer em The Doors não vejo um ator incorporar tão bem seu papel que apenas conseguimos ver o personagem na tela.

O resto do elenco também está bem. Claro, ninguém tão impressionante quanto Daniel Day-Lewis, mas temos muitos bons atores, todos bem – desde Tommy Lee Jones, também indicado ao Oscar; até Sally Field, um pouco mais velha do que o papel pedia, mas mesmo assim confortável como a sra. Lincoln. Ainda no elenco, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, Jackie Earle Haley, Tim Blake Nelson, James Spader, Hal Holbrook, Jared Harris e Michael Stuhlbarg.

Sobre o Oscar, que será entregue no domingo, arrisco meus palpites. Daniel Day-Lewis é barbada, seu Lincoln provavelmente será o seu terceiro Oscar de melhor ator. O mesmo digo sobre Spielberg, que também deve levar sua terceira estatueta – ele tem a seu favor a não indicação de Quentin Tarantino, Kathryn Bigelow e Ben Affleck, a concorrência ficou mais fácil. Sobre melhor filme, arrisco entre este e Argo, sobre melhor ator coadjuvante, fico entre o Tommy Lee Jones daqui e o Christoph Walz de Django Livre. Não acho que Sally Field leva (estou entre Jessica Chastain e Jennifer Lawrence); já o roteiro de Tony Kushner tem boas chances. Lincoln ainda concorre a trilha sonora, fotografia, figurino, edição, direção de arte e mixagem de som.