Category Archives: Musical

Emilia Pérez

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Crítica – Emilia Pérez

Sinopse (imdb): No México, uma advogada recebe uma oferta inesperada para ajudar um temido chefe de cartel a se aposentar de seus negócios e desaparecer para sempre, tornando-se a mulher que ele sempre sonhou ser.

Filme de abertura do Festival do Rio, Emilia Pérez traz uma advogada que é levada à presença de um chefe de cartel que deseja se transformar em uma mulher e precisa de ajuda para conseguir o seu objetivo. E, um detalhe importante: é um musical. Sim, mistura a brutalidade do tráfico de drogas com a leveza de um musical.

O filme co-escrito e dirigido por Jacques Audiard ganhou dois prêmios em Cannes: prêmio do júri, e um prêmio conjunto de melhor atriz, dividido entre Zoe Saldaña, Selena Gomez, Karla Sofía Gascón e Adriana Paz. Todas estão bem, mas, na minha humilde opinião, Zoe Saldaña é a que mais se destaca. Ela canta, dança, faz coreografias, interpreta em espanhol, ela realmente está impressionante.

(Aliás, achei curioso ver que o filme é quase todo em espanhol, e duas das três atrizes principais têm ascendência latina, mas nasceram nos EUA. Zoe Saldaña fala espanhol fluente, mas Selena Gomez de vez em quando soltava algumas frases em inglês. Segundo o imdb, Selena disse em entrevistas que não é fluente e que não estava satisfeita com o seu espanhol.)

O melhor de Emilia Pérez é a parte musical. Outro dia falei mal de Coringa Delírio A Dois, onde as músicas não empolgavam; aqui foi o oposto. Não sou fã do estilo das músicas, mas mesmo assim saí do cinema com vontade de procurar a trilha sonora. E as cenas de dança e coreografia são impressionantes e contribuem significativamente para a narrativa visual do filme. Isso sim é um musical de verdade!

Teve um detalhe que não gostei muito: achei que a personagem título muda de personalidade muito rapidamente. Era uma pessoa violenta, de repente vira uma santa, de repente volta a ser violenta… Ok, o filme nos mostra fatos que teriam gerado essas mudanças de comportamento, mas mesmo assim achei as mudanças muito abruptas.

Filmão, saí da sala com vontade de rever. Pena que, como acontece de vez em quando no Festival do Rio, Emilia Pérez vai ser um daqueles filmes que vou falar sozinho por um tempo. Segundo o imdb, só estreia aqui no Brasil em fevereiro de 2025…

Coringa: Delírio a Dois

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Crítica – Coringa: Delírio a Dois

Sinopse (imdb): O comediante fracassado Arthur Fleck conhece o amor de sua vida, Harley Quinn, enquanto está encarcerado no Arkham State Hospital. Os dois embarcam em uma desventura romântica condenada.

2019 tivemos Coringa, que parecia uma ideia arriscada: um filme do Coringa mas sem o Batman. Ideia arriscada, mas que deu muito certo: foi um sucesso de público e de crítica, e ainda ganhou dois Oscars entre onze indicações.

Cinco anos depois, o mesmo diretor Todd Phillips apresenta a continuação, Coringa: Delírio a Dois (Joker: Folie à Deux, no original), desta vez um musical, e com a Lady Gaga como Arlequina.

E ver o segundo filme dá vontade de rever o primeiro e esquecer que fizeram uma continuação…

Vamos começar pela parte musical. Não tenho nada contra musicais, sou fã de vários. Mas sempre que lembro de musicais, lembro de músicas e de cenas “pra cima”, sempre alto astral – Pequena Lojas dos Horrores, Rock of Ages, Hairspray, Hair, La La Land, Across The Universe, The Rocky Horror Picture Show, O Rei do Show, heu sempre saio do filme empolgado pelas músicas e coreografias. Mesmo quando o tema do filme é barra pesada, como Rent, a parte musical é empolgante. Os Miseráveis, que não gostei por achar longo e cansativo, tem músicas em momentos tensos, mas mesmo assim são cenas memoráveis. E aqui não, todos os momentos musicais são “pra baixo”, e acabam sendo números chatos. E ainda tem um agravante: as músicas usadas são conhecidas, são standards clássicos, de gente como Frank Sinatra e Burt Bacharach. E mesmo com músicas conhecidas, os arranjos ficaram quase todos ruins.

Provavelmente não foi o primeiro “musical deprê” da história, mas isso pra mim foi um ponto negativo. A ponto de, em determinado momento do filme, quando ia começar uma música, heu pensava “não, de novo não!”

Vamos para outro problema, que é o protagonista. O Coringa é um personagem fascinante porque é desequilibrado e imprevisível. E aqui ele está apático. Joaquin Phoenix está bem, mas o personagem não está. Não vou nem comparar com outras versões, como o Coringa do Heath Ledger, estou falando do próprio Joaquin Phoenix. Depois da sessão de imprensa, ouvi um amigo crítico que falou uma frase que resume isso: “em determinado momento de filme, eu estava vendo o filme do Coringa há duas horas, e estava há duas horas esperando o Coringa aparecer”.

Pra “fechar a tampa”, a Arlequina da Lady Gaga não é boa. Duvido que alguém veja o filme e pense na Arlequina, todos vão ver a Lady Gaga na tela.

Agora, apesar disso tudo, Coringa: Delírio a Dois não é exatamente ruim. Tecnicamente falando, é muito bem feito. A reconstituição de época é perfeita. A fotografia enche os olhos, são várias cenas belíssimas. A trilha sonora da parte “não musical” é muito boa, mais uma vez a cargo de Hildur Guðnadóttir (que ganhou o Oscar pela trilha do primeiro filme). E tem um plano sequência sensacional na parte final do filme.

Mas, repito, é um filme longo demais, e essa proposta cansou. São duas horas e dezoito minutos. Talvez se o filme tivesse meia hora a menos (meia hora de músicas a menos!), acho que a galera ia curtir bem mais.

Por fim, não tem cena pós créditos, mas tem um desenho animado na abertura. O desenho não é engraçado e não se conecta com o filme. Pra que esse desenho? Não sei. Por mim, deveria ser cortado do filme.

Meu Sangue Ferve Por Você

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Crítica – Meu Sangue Ferve Por Você

Sinopse (imdb): Em 1979, Magal, um dos artistas mais populares do Brasil, conhece a deslumbrante Magali e se apaixona. Para conquistá-la, ele precisará vencer a resistência do empresário, além da desconfiança da família, dos amigos e da própria amada.

Antes de tudo, preciso falar que não curto as músicas do Sidney Magal. Nada contra, mas não é o meu estilo. Só conheço duas, uma delas conheço porque toco numa banda de karaokê; a outra só conheço o refrão. Mas, nada contra ver um filme sobre o cara.

Dirigido por Paulo Machline, Meu Sangue Ferve Por Você tem duas coisas que o tiram do lugar comum. Uma delas é um formato que é um musical, mas ao mesmo tempo não é um musical. Explico: não é um musical clássico daqueles que o roteiro usa diálogos cantados. Mas por outro lado, o filme tem vários números musicais com coreografias, usando as músicas do Sidney Magal. Ou seja, tem elementos de um musical, mas não é exatamente um.

A outra coisa é que não é uma “biografia do Sidney Magal”. Antes de começar o filme, aparece na tela que esta e uma “fabula magalesca”. Ou seja, o filme não tem nenhuma obrigação de ser fiel à realidade. Sabe quando vemos uma cinebiografia e ficamos na dúvida se aquilo realmente aconteceu? Bem, aqui, aquilo não necessariamente aconteceu, o filme já avisa logo de cara.

Digo mais: o filme não fala sobre a carreira do Sidney Magal, e sim sobre o relacionamento do casal Magal e Magali (que segundo o texto pós filme, realmente se conheceram em 1979, se casaram e estão juntos até hoje). Não sabemos como foi o início da carreira de Magal, e qual foi sua trajetória até o sucesso. O filme só mostra o recorte de como o casal se conheceu e ficou junto.

No elenco, Filipe Bragança manda bem como Sidney Magal. Li na wikipedia que ele é mais conhecido por ter feito Chiquititas, mas me lembro dele em Dom. Giovana Cordeiro faz a Magali (que, se bobear, tem mais tempo de tela que o próprio Magal). Também no elenco, Caco Ciocler, Emanuelle Araújo e Sidney Santiago.

Por fim, tem uma cena no meio dos créditos, onde a Emanuelle Araújo, que interpreta a mãe da Magali, canta “Meu Sangue Ferve por Você” em versão piano e voz. Ok, mas… Pra que essa cena? Ela não se conecta com nada no filme! O que ficou parecendo é que, como Emanuelle é cantora, quiseram colocá-la pra cantar uma música, mas não combinava com a personagem, então improvisaram algo pros créditos. Não ficou ruim, mas ficou esquisito.

Stop Making Sense

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Crítica – Stop Making Sense

Sinopse (imdb): Considerado pela crítica como o maior filme-concerto de todos os tempos, a performance foi gravada ao longo de três noites no Pantages Theatre de Hollywood, em dezembro de 1983, e apresenta as canções mais memoráveis do Talking Heads.

Um amigo me convidou pra uma sessão especial de Stop Making Sense, versão remasterizada, comemorando 40 anos do lançamento, no Estação Botafogo. Já tinha visto, mas achei que seria um bom programa. Vou comentar o filme, depois comento a sessão.

Antes de começar o filme, temos um recado do próprio David Byrne comentando essa nova versão. Detalhe: ele gravou o recado para o público brasileiro!

A direção é de Jonathan Demme, que fez uns filmes simpáticos nos anos 80 (De Caso com a Máfia, Totalmente Selvagem) e em 1991 conseguiu um feito poucas vezes visto no cinema: dirigiu um filme que ganhou os cinco principais Oscar (filme, diretor, roteiro, ator e atriz): O Silêncio dos Inocentes.

Mas não vejo muito do estilo do diretor aqui. Stop Making Sense é o registro do show do Talking Heads, e a genialidade aqui está na concepção do show. Demme apenas teve que posicionar suas câmeras e registrar o que acontecia no palco.

O show começa com um palco vazio. Apenas um microfone num pedestal. David Byrne entra no palco, sozinho com um violão, e toca e canta uma música. Depois a baixista Tina Weymouth entra no palco e tocam a segunda música. Perto do fim, uma bateria é colocada no palco e a terceira música já tem Chris Frantz na bateria. Jerry Harrison, o outro guitarrista, entra na quarta música. Depois entram um percussionista e duas backing vocal. Depois um tecladista e um outro guitarrista. Depois que já temos nove músicos no palco, começam a colocar painéis e iluminação. Ao fim do show, o palco está completo.

Mesmo com toda essa movimentação, o show flui perfeitamente. E a gente ainda tem que se lembrar que era início dos anos 80, quase tudo no palco tem que ser cabeado (tem um momento que quase que uma das backing vocals tropeça no cabo do baixo da Tina Weymouth).

Jonathan Demme filmou 3 noites seguidas do show. As câmeras foram bem posicionadas, porque vemos vários closes e vários takes abertos, e não reparei em nenhum câmera! Segundo o imdb, em cada noite ele posicionava os câmeras em posições estratégicas, assim nenhum “vazava”,

Ah, Demme queria filmar alguns takes extras em estúdio, simulando o palco do teatro, mas a banda se recusou, dizendo que a resposta do público era algo essencial para a energia do palco. E que energia! David Byrne não pára em nenhum momento do show! O cara canta, toca, dança, pula, corre, é impressionante!

Pros mais novos que devem estar se perguntando “mas afinal o que é esse tal de Talking Heads?”, tem pelo menos duas coisas que acho que estão fortes na cultura pop até hoje. Uma é a música Psycho KIller, que não foi feita para o filme, mas é a música que abre o show. A outra é o terno gigante usado pelo David Byrne no fim do show, que é citado de vez em quando por aí (como no filme O Homem dos Sonhos, com Nicolas Cage).

Sobre a sessão no Estação: quando me convidaram, achei, ok, vamos lá, já vi o filme, tenho dvd, mas pode ser um programa diferente ver na tela grande. E para minha surpresa, uma boa notícia: o Estação estava lotado! Nenhuma poltrona vazia! Impressionante, um filme velho, que todo mundo já viu, numa quarta à noite, com lotação esgotada! Algumas pessoas se empolgaram e levantaram das suas cadeiras para dançar. E ao fim do filme, na última música, várias pessoas foram dançar debaixo da tela. O cinema vive!

A Noite que Mudou o Pop

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Crítica – A Noite que Mudou o Pop

Sinopse (Google): Em uma noite de janeiro de 1985, as maiores estrelas da música se reuniram para gravar “We Are the World”. O documentário se aprofunda nos bastidores do evento para descobrir como tantos artistas se juntaram para fazer algo histórico.

Um documentário sobre a histórica gravação de We Are the World!

Uma contextualização pra quem não era nascido na época. No fim de 1984, um grupo de músicos ingleses se reuniu para uma gravação beneficente. A banda se chamava “Band Aid” e tinha gente como Bono, Sting, George Michael, Simon LeBon, Boy George e Phil Collins, entre outros, e a música falava do Natal: “Do They Know it’s Christmas”. Inspirados por essa gravação, um grupo de músicos americanos resolveu fazer exatamente igual (inclusive convidaram Bob Geldof, idealizador do projeto inglês, para participar da gravação), e criaram o USA For Africa, para arrecadar fundos contra a fome na África. Heu particularmente gostava mais da música inglesa (heu tinha o compacto!), mas sempre tive a impressão de que a versão americana tinha mais sucesso.

(Chegou a ter uma versão brasileira, “Chega de Mágoa”, contra a seca no Nordeste, que reuniu gente como Rita Lee, Tim Maia, Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Chico Buarque, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Simone, Roger, Paula Toller e vários outros.)

A Noite que Mudou o Pop (The Greatest Night in Pop, no original) é um documentário que conta a história dessa gravação, contando com ricas imagens de arquivo e alguns depoimentos atuais de pessoas envolvidas.

(Só achei o nome nacional errado, se existiu uma “noite que mudou o pop”, deveria ser a versão inglesa, que veio antes…)

Já tinha visto esse videoclipe centenas de vezes, mas nunca tinha parado pra pensar como deve ter sido difícil pra juntar toda essa galera num estúdio, por causa de questões de ego e de agenda. O filme aborda isso, eles falam, por exemplo, que era pra ter o Van Halen, mas estavam em turnê; o filme também cita que Quincy Jones colocou um aviso na entrada do estúdio dizendo “deixem seus egos fora” – era muita gente, então os artistas tinham que entrar sozinhos, deixando assessores e auxiliares de fora.

A música foi composta por Michael Jackson e Lionel Ritchie. Era pra ter colaboração do Stevie Wonder, mas ele não respondeu as mensagens a tempo, quando respondeu a música já estava pronta. E eles aproveitaram a noite da premiação American Music Awards, que aconteceria em Los Angeles e contaria com boa parte dos músicos participantes do projeto. Pensa só: chegaram no estúdio 10 horas da noite, para só então começarem a gravação!

Uma coisa curiosa é a gente se situar na época. Era janeiro de 1985 – mesmo mês do primeiro Rock in Rio! Al Jarreau participou de ambos, mas acho que foi o único.

O documentário traz algumas histórias muito boas. Prince era pra ter participado, mas rolava uma briga de egos entre ele e o Michael Jackson. Sheila E, então namorada do Prince, foi usada pra tentar convencer o Prince a vir. Quando ela se tocou que era esse o motivo do convite, saiu fora.

Um dos momentos mais engraçados é quando vemos Bob Dylan perdido no meio da galera. Todos o reverenciavam como um nome importante na música, mas ele estava muito deslocado. Também foi divertido ver Diana Ross tietando Daryl Hall e começando uma onda de caça a autógrafos.

Stevie Wonder, um dos músicos mais completos presentes no estúdio, tem cara de ser muito boa praça, e também protagoniza alguns momentos bem divertidos. Ele é um dos primeiros a gravar o solo, e erra de propósito só pra quebrar o gelo para os menos experientes.

Vemos depoimentos atuais de gente como Lionel Ritchie, Bruce Springsteen, Huey Lewis, Cyndi Lauper, misturados com imagens da gravação naquela longa noite. Uma bela história que felizmente foi muito bem documentada.

A Noite que Mudou o Pop não é perfeito, senti falta de mostrar um pouco mais de alguns dos protagonistas, como Billy Joel e Tina Turner. Mesmo assim, achei muito bom.

Agora, A Noite que Mudou o Pop reforçou o que normalmente penso sobre documentários: um documentário só é bom se você se interessa pelo assunto abordado. Heu curti muito porque vivi aquela época, e me lembro das carreiras de cada um que aparece. Além disso, ver Kenny Loggins, Steve Perry, Daryl Hall e Huey Lewis juntos me lembra a minha banda Elemento Surpresa, a gente tocava Footloose, Don’t Stop Believin, Kiss on My List e Power of Love. Agora, será que alguém dá geração dos meus filhos vai curtir?

Deu vontade de ver um documentário parecido sobre a versão inglesa. Será que existe material de arquivo suficiente?

A Era de Ouro

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Crítica – A Era de Ouro

Sinopse (imdb): Cinebiografia de Neil Bogart, o produtor musical que ajudou a fundar a Casablanca Records e lançou nomes como Donna Summer, Village People e Kiss.

Preciso admitir que heu nunca tinha ouvido falar de Neil Bogart – assim como o próprio personagem comenta em determinado momento do filme, ele nunca foi um nome famoso, sempre viveu nos bastidores. Aparentemente seus filhos querem mudar isso. Timothy Scott Bogart, seu filho mais velho, escreveu, dirigiu e co-produziu; seu irmão Evan Bogart co-produziu e trabalhou na parte musical do filme.

Nos últimos anos a gente tem tido algumas cinebiografias musicais, mas sempre focando no artista. Era de Ouro (Spinning Gold, no original) é diferente, foca no produtor. É uma ideia legal, mas fica no ar a dúvida de até que ponto podemos acreditar em tudo o que vemos na tela, sabendo que foi a família quem produziu, e também sabendo que algumas coisas foram alteradas, como por exemplo a maquiagem dos membros do Kiss. A história do Neil Bogart é realmente muito boa, mas não sabemos se tudo aquilo aconteceu daquele modo.

Verdade ou invenção, o filme traz alguns momentos bem legais, como o modo que Bogart modificou a voz da Donna Summer, puxando pelo lado sexual. As cenas com George Clinton também são bem divertidas.

Um comentário sobre defeitos técnicos: heu entendo que um filme desses precise usar tela verde e chroma key, principalmente nas cenas de shows. Mas alguns chroma keys aqui passaram do limite da tosqueira. Uma cena em particular, com Bogart conversando com seu pai antes de uma corrida de cavalos, me lembrou o chroma key de Olhos Famintos 4.

Dei uma pesquisada no imdb, mas tem poucas informações. A produção passou por vários problemas e demorou anos para ser concluída. Pelo que li, inicialmente Spike Lee seria o diretor e Samuel L. Jackson faria o papel de George Clinton. Mas no fim, ficou só galera menos conhecida.

Pelo que entendi, a produção não conseguiu licenciamento sobre algumas coisas, e é por isso, por exemplo, que a maquiagem do Kiss está alterada. Não sei se por isso ou se foi por uma falha de roteiro, mas o Village People, que era um dos artistas mais famosos da Casablanca Records, pouco aparece no filme. Parece ser apenas um “p.s.” ao fim do filme. Digo mais: segundo a wikipedia, Cher também lançou disco pela Casablanca, e ela foi completamente ignorada pelo filme.

(Não sei se lá fora Bill Withers foi um nome grande, mas acredito que pelo menos aqui no Brasil, Village People foi muito maior.)

O roteiro tem suas falhas – talvez fosse melhor o Bogart filho se unir a um roteirista mais experiente. Não só alguns artistas importantes foram jogados para escanteio, como o filme tem sérios problemas de ritmo, e, com duas horas e dezessete minutos, é um programa cansativo. Talvez fosse melhor contar essas histórias todas em uma minissérie, com cada capítulo focando em um dos artistas.

Heu não gostei das caracterizações de um modo geral. Olhei no imdb, tem várias pessoas reclamando das perucas e figurinos. Não sei se por isso ou por usar atores bem diferentes das personalidades que estavam representando – você olha os atores que fazem Gene Simmons e Paul Stanley, e nada lembram os originais. O ponto é: o elenco não é o ideal.

Roteiro mal estruturado, elenco fraco, o que salva Era de Ouro são os números musicais. Não por serem bem filmados, mas sim pela qualidade das músicas. Os artistas da Casablanca Records tinham muitas músicas boas! E no fim, logo antes dos créditos, tem uma música muito boa que me parece que foi composta para o filme, onde rola um pot-pourri usando trechos de outras músicas. Pelo menos o filme termina com o astral pra cima.

A Pequena Sereia (2023)

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A Pequena Sereia (2023)

Sinopse (imdb): A filha do rei Tritão, Ariel, se apaixona loucamente por um príncipe que salvou de um naufrágio. Ela decide ir procurá-lo em terra firme e pede ajuda à bruxa do mar, Úrsula.

Mais um live action da Disney. Se quase todos até agora furam ruins, a expectativa era zero. (Acho que só gostei de Cruella, os outros todos variam entre “sofrível” e “ruim de doer”: Pinóquio, Rei Leão, Aladdin, Dumbo, Christopher Robin, A Bela e a Fera… – nenhum desses a gente pode afirmar que é bom. Cheguei a gravar dois Podcrastinadores comentando alguns dos títulos.)

Dirigido por Rob Marshall (Chicago, Caminhos da Floresta, O Retorno de Mary Poppins), A Pequena Sereia (The Little Mermaid no original) mantém a tradição “live action desnecessário da Disney”. Ok, não é um dos piores, mas está bem longe de ser um bom filme. Vamulá.

O filme segue basicamente a mesma história do desenho de 1989. Uma pequena alteração aqui, outra ali, nada muito significativo. Mas não vou comparar as duas obras, porque faz tempo que não revejo o original.

Uma coisa que funcionou foi o cgi do fundo do mar. Temos belas imagens debaixo d’água – aliás, tem uma sequência logo no início do filme onde a “câmera” faz um passeio entre peixes e plantas, que tem a maior cara de sequência pra vender o filme em 3D. E gostei da sequência musical de Under The Sea, grandiosa, cheia de cores e elementos.

Por outro lado, o cgi nos bichos atrapalhou. Exatamente como aconteceu em O Rei Leão, os bichos são realistas – e portanto não têm expressões. Assim você tem um personagem que é um peixe, que deveria ser o principal coadjuvante, mas que tem exatamente a mesma cara ao longo de todo o filme. Deve ser por isso que o Linguado tem um papel menor no filme do que tinha no desenho. Os outros dois, Sebastian e Sabidão (que virou Sabidona), por serem animais mais articulados, têm uma participação maior.

Tenho outra reclamação, mas admito que é mimimi. O filme abre com a frase de Hans Christian Andersen: “Mas uma sereia não tem lágrimas, e, portanto, ela sofre muito mais… “. Ok. Mas, se não tem lágrimas, também não deveria piscar o olho, certo? Por que sereias debaixo d’água piscam o olho? Detalhe: só reparei nesse detalhe por causa da frase que abre o filme. Se não fosse por isso, nem repararia nos olhos piscando.

Sobre o elenco, achei uma forçação de barra enorme postar duas vezes na trivia do imdb que pessoas “choraram ao ouvir a voz da Halle Bailey”. Ok, a menina canta bem, mas canta igual a dezenas (centenas?) de boas cantoras por aí. Uma pessoa que chora de emoção ao ouvir alguém cantando bem precisa trocar a playlist do spotify, porque está ouvindo as músicas erradas.

Dito isso, o casal Halle Bailey e Jonah Hauer-king funciona pro que o filme pede. Javier Bardem está bem (como sempre); Melissa McCarthy está caricata, mas, caramba, é uma vilã da Disney, claro que precisa ser caricata. Agora, preciso dizer que gostei muito da Sabidona da Awkwafina. Já falei mal da Awkwafina outras vezes, tipo no recente Renfield, onde o tipo de humor da atriz não encaixou no filme. Mas aqui admito: ela está perfeita como a ave desengonçada e estabanada, tanto nos gestos quanto nas falas. Digo mais: curti a música que ela canta. Pela primeira vez, posso dizer que entendi o motivo do grande fã clube que a atriz tem. Também no elenco, Jacob Tremblay, Daveed Diggs, Art Malik e Noma Dumezweni.

Agora, IMHO, o principal problema é que é um filme longo demais. O original tem uma hora e vinte e três minutos, esta nova versão tem duas horas e quinze! São cinquenta e dois minutos a mais, e não tem uma nova história que precise desse acréscimo todo. Aí o filme fica cansativo.

Sobre a polêmica. Desde que a Disney anunciou que a Ariel seria interpretada por uma negra, isso virou uma guerra na internet. Por um lado, uns defendiam que a sereias não existem, e por isso tanto faz a cor da pele. Ok, bom argumento. Por outro lado, outros defendiam que sereias não existem, mas a personagem Ariel existe. Seria como trocar a etnia do Batman, ou do Thor, ou do Pantera Negra, ou sei lá, ter um Mario que não é italiano. Ok, outro bom argumento. E qual e a minha opinião? Heu digo que a Disney acertou, porque o objetivo nunca foi promover diversidade e inclusão, e sim gerar buzz pra vender ingressos. E essa polêmica gerou um buzz enorme! Muita gente quer ver o filme pra defender ou atacar! Objetivo alcançado!

E por que digo que a Disney nunca quis promover diversidade e inclusão? Ora, existe uma princesa negra: a Tiana, de A Princesa e o Sapo, de 2009. Uma princesa que nem todos conhecem, afinal as outras são muito mais badaladas – Cinderela, Bela, Branca de Neve, Rapunzel, Aurora, Elsa e Ana, a galera lembra até da Mulan e da Moana. Mas ninguém se lembra da Tiana, o que é uma pena, porque o desenho dela é bem legal. E por que a Disney não promove a Tiana, ou faz uma continuação, ou melhor ainda, um live action? Porque isso não geraria um trending topics no twitter. Um live action da Tiana ia ter 100 pessoas comentando. Um live action da Pequena Sereia mudando a etnia da personagem vai ter 100 mil pessoas comentando. É, a Disney acertou. Polêmica vende.

(E nem vou entrar na próxima polêmica, que vai ser uma Branca de Neve estrelada por uma latina. Sim, Branca de Neve, aquela que é descrita como “lábios vermelhos como sangue, cabelo negro como ébano e pele branca como a neve”.)

Daisy Jones & The Six

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Crítica – Daisy Jones & The Six

Sinopse (imdb): Siga o sucesso da banda de rock Daisy Jones e The Six através da cena musical de Los Angeles da década de 1970 em sua busca para se tornar um ícone global.

Há umas semanas, atrás me indicaram lá no grupo de apoiadores do Podcrastinadores uma nova série musical: Daisy Jones and The Six, da Amazon Prime, que mostra uma banda fictícia dos anos 70 que estava no auge do sucesso, quando algo aconteceu durante uma turnê e a banda se separou e nunca mais fizeram nada. Anos depois, eles estão sendo entrevistados (separadamente), para contar o que aconteceu. A série alterna momentos dessa entrevista com flashbacks, num formato que parece uma mistura de This is Spinal Tap com Quase Famosos.

A reconstituição de época está perfeita, e a parte musical é muito boa. A banda é inspirada no Fleetwood Mac, banda que conheço pouco. Tenho um grande elogio e um mimimi pra fazer sobre a parte musical. O elogio é que poucas vezes vi um filme ou série com músicos tão bem representados. Sou chato e presto atenção no ator interpretando um músico – ele não precisa tocar, mas precisa fingir bem que toca (caso do De Volta para o Futuro) (um ator interpretando um cirurgião não precisa fazer a cirurgia, apenas precisa convencer no seu fingimento). E, tirando um detalhe aqui, outro detalhe ali, aqui os atores estão excelentes! Inclusive, segundo o imdb, eles chegaram a fazer um show como se fossem uma banda de verdade, como laboratório! Digo mais: em mais de um momento ao longo da série, a gente vê uma música sendo executada num estúdio ou num palco, e o volume dos instrumentos varia conforme a câmera anda – o que aconteceria na vida real.

Agora, posso fazer um mimimi? Todos os atores convencem (inclusive Riley Keough quando toca violão meio sem jeito enquanto compõe – ela não domina o violão, mas toca os acordes pra apresentar a música para os companheiros de banda), menos a Suki Waterhouse como tecladista. Ok, um tecladista ou pianista pode interpretar bem sem mostrar as mãos, mas, teve uma cena em particular onde parece que ela está usando pick up de DJ, enquanto mexe em drawbars de um órgão Hammond!

A série é baseada no livro “Daisy Jones and The Six, Uma história de amor e música”, da escritora Taylor Jenkins Reid. Não li o livro, não sei se a série é fiel, mas tenho algumas críticas. A história da banda é muito boa, mas tem uma história paralela sobre a Simone, amiga da protagonista Daisy Jones, que tenta carreira como cantora disco. E essa história paralela é bem mais fraca que a história principal. Digo mais: o episódio onde Daisy vai pra Grécia e se casa é completamente dispensável. Podia ter um episódio a menos, e quando ela aparecesse com o marido, era só apresentá-lo.

Sobre o elenco, tem um problema recorrente em Hollywood, que é a idade dos atores. Sam Claffin tem 36 anos, e precisa convencer como um jovem recém saído da escola no início da banda. E como temos todo o elenco em diferentes épocas, esse problema acontece com todos. Mas, se a gente relevar esse detalhe, o elenco está bem.

Riley Keough é filha de Lisa Marie Presley e neta de Elvis Presley, e nunca tinha interpretado uma cantora (ela estava no filme The Runaways, mas interpretava a irmã da vocalista). Ela convence aqui como um dos dois principais nomes, e ela funciona bem ao lado de Sam Claffin, que também está bem. Sobre o resto da banda, tive um problema com Will Harrison e Josh Whitehouse, que fazem o guitarrista e o baixista, porque achei os personagens muito parecidos (só consegui diferenciar um do outro no décimo episódio!). Completam a banda Suki Waterhouse e Sebastian Chacon, o baterista, que é um dos melhores personagens. Um nome relativamente conhecido num papel menor é Timothy Olyphant, como um empresário que ajuda a banda. Ainda no elenco, Camila Morrone, Tom Wright e Nabiyah Be.

O último episódio traz um plot twist que achei bem legal, mas não contarei por aqui porque não gosto de spoilers.

Areias Escaldantes

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Crítica – Areias Escaldantes

Sinopse (wikipedia): Num futuro próximo (1990), no país fictício de Kali, um grupo de jovens terroristas executa roubos, sequestros e assassinatos sob as ordens de um misterioso chefão conhecido como “Entidade” e são perseguidos pela pomposa e ineficiente Polícia Especial.

Às vezes é melhor deixar as memórias lá no passado. Lembro que este Areias Escaldantes foi um filme marcante na minha vida, e nunca tinha revisto. Devia ter continuado sem rever…

Escrito e dirigido por Francisco de Paula, Areias Escaldantes parece um videoclipe. Imagens desconexas, atuações caricatas, tudo meio nonsense. Agora, o problema é que temos um videoclipe longa metragem. Cansa.

O roteiro é um lixo. Vou citar só dois exemplos pra mostrar como é um roteiro tosco. Um é que o filme deveria se passar na fictícia província de Kali. Mas tem um momento onde o personagem precisa ir até o Maracanã, num jogo Flamengo x Vasco! Se é pra termos um local fictício, qual é o sentido de usar um clássico no estádio mais famoso do Brasil? O outro exemplo é o Lobão, que tem um personagem policial, e que de repente aparece cantando e tocando guitarra. A gente entende ter um momento musical do Lobão (que era produtor musical do filme), mas não desse jeito à moda bangu!

Emendando os momentos musicais, a gente tem umas esquetes bem bobinhas. E como o elenco tem Luis Fernando Guimarães, Diogo Vilela e Regina Casé, impossível não lembrar de TV Pirata. Só que um TV Pirata bem mais bobo que o que a gente conhece. Também no elenco, Cristina Aché, Lobão, Jards Macaé, Guará Rodrigues, Eduardo Poly, Sérgio Bezerra e o Neville De Almeida fazendo um espião que é um dos papéis mais desperdiçados da história do cinema – ele aparece ao longo do filme como um cara misterioso, mas que não era ninguém importante no final, e ainda fala ao elenco e ao espectador que não está entendendo nada.

Pensando no personagem do Neville, a gente vê que o roteiro tinha potencial para ir longe. Existe uma tentativa de se criar um futuro distópico com uma espécie de polícia totalitária (apesar do filme se passar em 1990, apenas 5 anos no futuro). Mas essa tentativa falha miseravelmente. Areias Escaldantes é ruim como comédia, e é ainda pior como ficção científica. O filme se basta em uma trama sonolenta e sem graça de terroristas bonzinhos. Areias Escaldantes não serve nem pra criticar a ditadura militar que estava na reta final (no mesmo ano de 1985 o país teria o primeiro presidente não militar desde a década de 60).

Agora, a trilha sonora é fantástica. Músicas do Ultraje a Rigor, Titãs, Lobão, Gang 90, Ira!, Metrô, Capital Inicial e Lulu Santos. E ainda temos videoclipes inteiros, um dos Titãs e um do Lobão.

Também gostei de um detalhe aqui e outro ali, como uma corrida de táxi onde o carro se movimenta para frente e para trás ao mesmo tempo (não tem sentido, é um gag visual). Mas é pouco.

Vale pela nostalgia e pela trilha sonora. Mas parecia melhor na minha memória.

Elvis

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Elvis

Sinopse (imdb): Elvis segue a história do infame astro do rock n roll Elvis Presley, visto pelos olhos de seu controverso empresário, o coronel Tom Parker. O filme explora os altos e baixos de Elvis Presley e os muitos desafios e controvérsias que ele recebeu ao longo de sua carreira.

Vamos para uma daquelas críticas muito rápidas? “Cinebiografia do Elvis Presley dirigida por Baz Luhrmann”. Isso já é o suficiente pra gente saber o que esperar. Mas, bora desenvolver.

Baz Luhrmann é um cara extravagante, a gente já sabe disso desde Romeu + Julieta e Moulin Rouge. Isso já fica claro antes do filme começar, quando aparece o logo da Warner todo enfeitado – parecendo que saiu do Moulin Rouge.

Apesar disso, o roteiro segue um formato bem tradicional de cinebiografias. A história é contada pelo Coronel Tom Parker, que foi o empresário do Elvis em toda a sua carreira (e que é um nome envolto em várias controvérsias). E o filme começa com o Coronel vendo o Elvis pela primeira vez, e segue acompanhando o desenvolvimento de sua carreira até o seu falecimento.

O filme é um pouco longo demais, são 2h39min, acho que podia ser menor. E Baz Luhrmann declarou que queria mais, ele disse que tem um corte de 4 horas! Ok, reconheço que a transição para a fase Las Vegas foi meio abrupta, e a gente mal vê o Elvis gordão. Mesmo assim, não acho que precise de 4 horas, o que precisava era reduzir esse.

O que me chamou a atenção foram os arranjos das músicas. Mais uma vez, Baz Luhrmann tem arranjos musicais inventivos e fora da caixinha. As músicas começam com arranjos tradicionais, e elementos diferentes são inseridos, uma bateria eletrônica aqui, uma guitarra pesada ali. E os arranjos soam orgânicos, tudo parece natural aos ouvidos.

O visual do filme também é bem legal, Baz Luhrmann manja dos paranauês quando o assunto é visual rebuscado. Algumas coisas são exageradas (incluindo algumas atuações), mas isso faz parte do pacote.

Existia uma dúvida com relação ao protagonista Austin Butler. Ouvi gente comentando que seria melhor um cara mais parecido com o Elvis (confesso que em algumas cenas ele me lembrava o John Travolta em Grease). Mas o garoto é bom, tem presença, tem carisma, e ainda canta algumas músicas. Austin Butler é um dos grandes acertos do filme!

Outro ponto que chama atenção é Tom Hanks, que está muito bem como o Coronel Tom Parker. Não será surpresa vê-lo concorrendo ao Oscar ano que vem. Também no elenco, Olivia DeJonge, Kodi Smit-McPhee, Helen Thomson, Richard Roxburgh e Kelvin Harrison Jr, mas todos em papéis bem secundários.

BB King tem um papel importante, e vemos Little Richard em uma cena. Heu queria ter visto mais da galera da época, Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, talvez os Beatles (que são citados mas não aparecem). Mas admito que é um head canon meu, não é um problema do filme.

Não gostei do fim. Ok, a gente sabe que Elvis morreu, é meio inevitável ter esse baque ao fim. Mas o filme podia terminar com um número musical mais pra cima. Do jeito que terminou, o espectador vai sair deprimido da sala de cinema.

Mesmo assim, é um filmão. Boa opção para quem gosta de filmes ligados à música!