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Coringa: Delírio a Dois

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Crítica – Coringa: Delírio a Dois

Sinopse (imdb): O comediante fracassado Arthur Fleck conhece o amor de sua vida, Harley Quinn, enquanto está encarcerado no Arkham State Hospital. Os dois embarcam em uma desventura romântica condenada.

2019 tivemos Coringa, que parecia uma ideia arriscada: um filme do Coringa mas sem o Batman. Ideia arriscada, mas que deu muito certo: foi um sucesso de público e de crítica, e ainda ganhou dois Oscars entre onze indicações.

Cinco anos depois, o mesmo diretor Todd Phillips apresenta a continuação, Coringa: Delírio a Dois (Joker: Folie à Deux, no original), desta vez um musical, e com a Lady Gaga como Arlequina.

E ver o segundo filme dá vontade de rever o primeiro e esquecer que fizeram uma continuação…

Vamos começar pela parte musical. Não tenho nada contra musicais, sou fã de vários. Mas sempre que lembro de musicais, lembro de músicas e de cenas “pra cima”, sempre alto astral – Pequena Lojas dos Horrores, Rock of Ages, Hairspray, Hair, La La Land, Across The Universe, The Rocky Horror Picture Show, O Rei do Show, heu sempre saio do filme empolgado pelas músicas e coreografias. Mesmo quando o tema do filme é barra pesada, como Rent, a parte musical é empolgante. Os Miseráveis, que não gostei por achar longo e cansativo, tem músicas em momentos tensos, mas mesmo assim são cenas memoráveis. E aqui não, todos os momentos musicais são “pra baixo”, e acabam sendo números chatos. E ainda tem um agravante: as músicas usadas são conhecidas, são standards clássicos, de gente como Frank Sinatra e Burt Bacharach. E mesmo com músicas conhecidas, os arranjos ficaram quase todos ruins.

Provavelmente não foi o primeiro “musical deprê” da história, mas isso pra mim foi um ponto negativo. A ponto de, em determinado momento do filme, quando ia começar uma música, heu pensava “não, de novo não!”

Vamos para outro problema, que é o protagonista. O Coringa é um personagem fascinante porque é desequilibrado e imprevisível. E aqui ele está apático. Joaquin Phoenix está bem, mas o personagem não está. Não vou nem comparar com outras versões, como o Coringa do Heath Ledger, estou falando do próprio Joaquin Phoenix. Depois da sessão de imprensa, ouvi um amigo crítico que falou uma frase que resume isso: “em determinado momento de filme, eu estava vendo o filme do Coringa há duas horas, e estava há duas horas esperando o Coringa aparecer”.

Pra “fechar a tampa”, a Arlequina da Lady Gaga não é boa. Duvido que alguém veja o filme e pense na Arlequina, todos vão ver a Lady Gaga na tela.

Agora, apesar disso tudo, Coringa: Delírio a Dois não é exatamente ruim. Tecnicamente falando, é muito bem feito. A reconstituição de época é perfeita. A fotografia enche os olhos, são várias cenas belíssimas. A trilha sonora da parte “não musical” é muito boa, mais uma vez a cargo de Hildur Guðnadóttir (que ganhou o Oscar pela trilha do primeiro filme). E tem um plano sequência sensacional na parte final do filme.

Mas, repito, é um filme longo demais, e essa proposta cansou. São duas horas e dezoito minutos. Talvez se o filme tivesse meia hora a menos (meia hora de músicas a menos!), acho que a galera ia curtir bem mais.

Por fim, não tem cena pós créditos, mas tem um desenho animado na abertura. O desenho não é engraçado e não se conecta com o filme. Pra que esse desenho? Não sei. Por mim, deveria ser cortado do filme.

I Saw the TV Glow

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Crítica – I Saw the TV Glow

Sinopse (imdb): Dois adolescentes se conectam por causa de seu amor por um programa de TV sobrenatural, mas ele é misteriosamente cancelado.

Um amigo recomendou este novo filme da A24 usando as palavras “Porra, esqueci de te dizer, acho que vi o filme mais doido do car*lho da A24 até hoje. Que porra doida, bicho. Meu Deus. Não sei nem classificar o filme.”

E é isso mesmo. I Saw the TV Glow é uma “porra doida, bicho”.

Dois adolescentes esquisitões se aproximam porque ambos gostam de um programa de TV. Na verdade, ele não consegue acompanhar porque passa de noite e seus pais não deixam ele ficar acordado, então ele precisa passar a noite na casa dela, escondido, e depois ela passa a gravar e entregar fitas de VHS pra ele. Até que um dia ela diz que precisa ir embora, convida ele, mas ele não tem coragem. Ela desaparece, o programa é cancelado e ele fica duplamente sozinho. Ele tem uma vida medíocre, até que anos depois ela reaparece.

Sabe qual é o problema aqui? Heu não tenho nada contra filmes baseados em simbolismos, mas um filme desses precisa ser envolvente. De vez em quando vejo uns filmes onde não entendo nada, mas que o filme me envolve e me carrega na sua viagem. E não senti isso aqui. Achei I Saw the TV Glow apenas confuso. Um filme cabeça, confuso e, desculpe falar, chato.

Pelo que entendi lendo no imdb, o programa fictício Pink Opake é inspirado em Buffy. Talvez uma explicação seja que uma criança quando via Buffy achava um programa assustador, mas depois de adulta, ao rever, acharia a série meio boba.

(A fonte usada nos créditos de Pink Opake é a mesma fonte usada em Buffy. Uma das personagens de Pink Opake é chamada Tara, referencia à Tara Maclay, personagem de Buffy; e a atriz que interpretava Tara Maclay, Amber Benson, tem um papel aqui.)

Acabou o filme, fui catar explicações na internet. Li uma teoria que faz sentido: a diretora e roteirista Jane Schoenbrun é trans, então boa parte do que os personagens sentem está ligada a sentimentos reais que uma pessoa trans passa dentro da nossa sociedade. Ok, pode ser, isso explica algumas coisas. Mas pelo menos pra mim isso não “resolve o filme”, porque sempre defendo que um filme não deveria precisar de “manual de instruções”.

I Saw the TV Glow é estrelado por Justice Smith (Observadores) e Brigette Lundy-Paine (A Semente do Mal), que estão inexpressivos, mas não sei se isso é algo proposital pela proposta do roteiro. Agora, teve uma coisa que me incomodou. Inicialmente conhecemos os personagens adolescentes, pelo que entendi ele estaria no ensino fundamental e ela no ensino médio – heu chutaria que eles deveriam ter por volta de 13 e 15 anos, respectivamente, e nesse momento do filme, são interpretados por dois adolescentes. Aí a história pula dois anos, ou seja, eles teriam por volta de 15 e 17. Mas já vemos os atores adultos, e ambos têm quase 30 anos. Fica muito estranho ver um ator de 30 interpretando um adolescente do ensino médio. Era melhor contratar outros dois atores adolescentes…

Apesar de ser A24, não tenho ideia se I Saw the TV Glow vai estrear oficialmente aqui no Brasil. Mas só é recomendado pra quem curte uma “porra doida, bicho”.

Golpe de Sorte em Paris

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Crítica – Golpe de Sorte em Paris

Sinopse (imdb): O vínculo de dois jovens leva à infidelidade conjugal e, por fim, ao crime.

Outro dia, quando falava de Tipos de Gentileza, lançado menos de um ano depois de Pobres Criaturas, que parece ter tido uma produção bem complexa (cenários, figurinos, efeitos, etc), lembrei que teve uma época que Woody Allen lançava um filme por ano. Pelo menos olhando de fora, filmes do Woody Allen me parecem ser produções mais simples, então era mais fácil fazer um por ano. Mas mesmo assim, não são filmes ruins, Allen manja dos paranauês e quase sempre entregava filmes acima da média. Como já comentei aqui no heuvi, “um Woody Allen mediano é melhor que muito filme por aí”.

Quando de repente entrou em cartaz o novo filme escrito e dirigido por Allen, Golpe de Sorte em Paris (Coup de chance, no original), seu quinquagésimo filme!

(Falei “de repente” porque não teve sessão de imprensa, teve uma pré estreia e heu nem soube…)

Golpe de Sorte em Paris é semelhante a boa parte da filmografia de Allen: uma boa história, bem filmada, com bons atores e belos cenários, desta vez em Paris. Sim, já vimos tudo isso antes, mas, caramba, o cara tá com quase 89 anos e já fez 50 filmes. Um especialista na sua obra vai dizer “ele está se repetindo”, mas o espectador comum vai entrar no cinema e se divertir.

O roteiro é bem estruturado. Inicialmente vemos uma jovem mulher, casada com um cara muito rico que a usa de “esposa troféu”, e que encontra um antigo flerte da época do colégio. O triângulo amoroso é construído, ela fica entre o rico e o sonhador. Até que um plot twist lá pelo meio do filme muda completamente o rumo da história, e mais não digo porque não vou dar spoilers.

Vou além: já comentei aqui algumas vezes, um bom final melhora um filme médio. Isso acontece aqui. A parte final tem uma sacada que achei genial, e posso afirmar que nunca imaginei que o roteiro iria por aquele caminho. E, pelo menos na sessão onde assisti, numa sala quase lotada, a reação do público foi positiva, rolou uma grande gargalhada generalizada, a maior de todo o filme.

O elenco, liderado por Lou de Laâge, Niels Schneider e Melvil Poupaud, é todo francês. Aliás, foi a primeira vez que Allen dirigiu um filme onde a língua principal não é o inglês. Fiquei na dúvida se ele sabe o suficiente pra acompanhar os diálogos, ou se tinha alguém pra esta função enquanto ele cuidava do resto – uma coisa que Allen faz muito e que acontece aqui são planos longos com diálogos e a câmera passeando entre os atores.

Entrei no cinema sem esperar nada e saí com um sorriso no rosto. Não é um grande filme, mas, repito, “é melhor que muito filme por aí”.

Pacto de Redenção

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Crítica – Pacto de Redenção

Sinopse (imdb): Quando um assassino profissional descobre que tem uma forma de demência que evolui rapidamente, ele tem a oportunidade de se redimir salvando a vida do filho adulto com quem estava afastado.

Pacto de Redenção (Knox Goes Away, no original) parece um thriller à moda antiga: uma boa história, usando um bom elenco. Sem pirotecnias, apenas uma boa história sendo contada por alguns bons atores.

A direção é de Michael Keaton, seu segundo filme como diretor. Não entendi por que ele resolveu dirigir, mas podemos dizer que ele faz um trabalho correto. O roteiro de Gregory Poirier é bem estruturado. A gente vê as peças soltas do quebra cabeças, mas pelo menos heu não consegui descobrir qual era o plano do cara antes do final, achei muito bem bolada a solução.

Sobre o elenco, o marketing está vendendo Pacto de Redenção como um filme estrelado por Michael Keaton e Al Pacino. Como sempre, Pacino está ótimo, mas aparece em poucas cenas. Seu personagem é importante, mas é daquele tipo de papel que provavelmente o ator fez em uma ou duas diárias. Agora, preciso destacar positivamente a atuação de Keaton e também de James Marsden, que faz seu filho, um cara que cometeu um erro grave e isso está afetando todo o seu comportamento. Ambos estão excelentes. Por outro lado, achei bem fraca a personagem da policial interpretada por Suzy Nakamura. Também no elenco, Joanna Kulig, Lela Loren e Marcia Gay Harden.

Não achei o final ruim, mas heu cortaria alguns minutos. Tem uma sequência final mostrando uma conclusão meio óbvia. Nada grave, felizmente. Por outro lado, gostei de como o filme mostra a progressão da doença do protagonista.

Pacto de Redenção não é um grande filme, não estará em listas de melhores do ano. Mas, em meio à mediocridade que é despejada no circuito, é uma boa opção. Dificilmente alguém sairá decepcionado da sala de cinema.

Tipos de Gentileza

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Crítica – Tipos de Gentileza

Sinopse (imdb): Um homem procura libertar-se do seu caminho predeterminado, um policial questiona o comportamento da sua esposa após um suposto afogamento e a busca de uma mulher para localizar um indivíduo profetizado para se tornar um guia espiritual.

Olha que surpresa agradável: menos de um ano depois do sensacional Pobres Criaturas, já tem filme novo do Yorgos Lanthimos em cartaz!

Antes de entrar no filme, um aviso aos desavisados: Yorgos Lanthimos não costuma fazer filmes convencionais. Temática fora do convencional, personagens fora do convencional, visual fora do convencional. Heu não sabia nada sobre Tipos de Gentileza (Kinds of Kindness, no original), mas sabia que provavelmente iria encontrar um filme esquisitão.

E Tipos de Gentileza é por aí. São três histórias, independentes entre si, todas elas com temas malucos. Na primeira vemos um funcionário completamente submisso ao rico patrão, a ponto de, quando é dispensado por ele, topa fazer qualquer coisa para voltar a ser a sua “marionete”. Na segunda, uma mulher se acidenta e passa um tempo desaparecida, e quando volta, seu marido acha que ela é uma impostora. E a terceira traz um culto que está procurando uma pessoa com poderes sobrenaturais.

(Como quase sempre em um filme dividido em histórias independentes, o resultado é irregular, achei a segunda história mais fraca que as outras duas.)

Detalhe interessante: é o mesmo elenco, fazendo personagens diferentes. O trabalho de atuação e construção de personagens ficou excelente, você vê o mesmo ator, mas claramente é outro personagem, não dá nem pra pensar “ah, será que se passou um tempo e ele agora está diferente?”. Willem Dafoe e principalmente Jesse Plemons estão sensacionais. Também no “elenco de multiverso”, Emma Stone, Margaret Qualley, Hong Chau e Mamoudou Athie. Ah, o xará do diretor, Yorgos Stefanakos, é o único que faz o mesmo personagem nas três histórias.

Tipos de Gentileza abre espaço pra várias discussões comportamentais – nas três histórias, temos personagens dispostos a atitudes extremas em busca de aceitação. E é um filme que deixa pontas soltas pro espectador conectar como preferir. Mais uma vez, um filme de Yorgos Lanthimos deixa a gente pensando quando acaba a sessão…

A trilha sonora é de Jerskin Fendrix, sua segunda trilha, sendo que concorreu ao Oscar pela primeira (Pobres Criaturas). Se a outra trilha é muito estranha, essa daqui é ainda mais. Muitas vezes parece que tem um gato passeando em cima das teclas do piano. Trilha muito estranha, mas heu gostei.

O filme é longo, são duas horas e quarenta e quatro minutos. Não achei que precisava ser tão longo. Mas, não me cansou, talvez por serem três histórias independentes.

Por fim, tem uma cena no meio dos créditos, com o “coadjuvante quase principal” RMF.

Ligação Sombria

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Ligação Sombria

Sinopse (imdb): Um motorista se encontra em um jogo de gato e rato de alto risco depois de ser forçado a dirigir para um homem misterioso conhecido como O Passageiro.

Dirigido por Yuval Adler, Ligação Sombria (Sympathy for the Devil, no original) usa aquele formato de poucos personagens, poucos cenários e muitos diálogos, onde aos poucos vamos montando o quebra cabeças com as peças que o roteiro nos dá. Quase o filme inteiro tem apenas dois personagens, quase o filme inteiro se passa em dois cenários (dentro do carro ou no restaurante). Um homem está indo ao hospital porque sua mulher vai dar à luz, mas outro homem armado entra no carro e o obriga a irem para outro lugar. Inicialmente vemos um sequestrador e um sequestrado, e ao longo do filme precisamos descobrir o que cada um esconde.

Ligação Sombria tem uma coisa muito boa e outra que me desagradou bastante. Vamos ao ponto positivo: Nicolas Cage. De um tempo pra cá, Cage virou um adepto do “over acting”. O cara quase sempre exagera nas suas atuações. E quando o filme sabe usar isso a seu favor, o resultado é muito bom. E isso acontece aqui. Cage está exageradíssimo, em algumas cenas ele parece completamente alucinado. Se existe um bom motivo para se assistir a Ligação Sombria, este motivo é Nicolas Cage.

Agora, conforme vamos descobrindo o que é cada personagem, o filme vai enfraquecendo, porque são personagens que tomam atitudes incompatíveis. Vou fazer um comentário, mas antes, aviso de spoilers.

SPOILERS!
SPOILERS!
SPOILERS!

No fim do filme descobrimos que o sequestrado matou a mulher e a filha do sequestrador, então isso seria uma jornada de vingança. Mas, se a vingança é contra o sequestrado, por que matar o policial e deixar o sequestrado vivo? Pior ainda: por que fazer aquela “queima de arquivo” no restaurante e matar o cozinheiro – e deixar o sequestrado vivo???

FIM DOS SPOILERS!

Enfim, só vale pra quem curte o Nicolas Cage alucinado.

The Killer

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Crítica – The Killer (2024)

Sinopse (imdb): Uma assassina tenta se redimir na tentativa de recuperar a visão de uma bela e jovem cantora.

John Woo refilmando o seu próprio filme? Bora ver!

Antes, uma breve contextualização. John Woo é um dos maiores nomes do cinema de ação. Depois de alguns filmes na China natal, foi pros EUA onde dirigiu mais alguns filmes excelentes. Em sua fase chinesa, quatro filmes se destacam: Bala na Cabeça, Alvo Duplo, Fervura Máxima… e The Killer, lançado em 1989. E agora Woo refilmou seu próprio filme.

Tenho sentimentos conflitantes com relação a este novo The Killer. Por um lado, é sempre um prazer ver um filme de ação dirigido por um cara que manja dos paranauês, aqui temos algumas cenas antológicas. Mas, por outro lado, claro que o filme é inferior ao original.

Vamos aos pontos positivos: temos algumas sequências muito boas. Tem uma perseguição logo no início, onde um bandido está numa praça e pega um refém, e a câmera em vez de cortar, fica dando chicotes entre o bandido e o policial. Outra cena muito boa é aquela onde a assassina entra numa boate e ataca inimigos usando uma espada; assim como a cena do hospital, onde vemos uma das características do diretor – antagonistas apontando suas armas um pra cara do outro. E, claro, a sequência final na igreja é sensacional.

Claro, precisamos de muita suspensão de descrença, porque vários dos movimentos são absurdos. Mas Woo sempre foi assim. O espetáculo fala mais alto do que a vida real. E preciso dizer que adorei a cena onde a Nathalie Emmanuel pula em cima do inimigo, abre os braços e atira ao mesmo tempo em dois outros inimigos!

(E, falando de características do diretor, desta vez, diferente de O Silêncio da Vingança, temos pombas voando em câmera lenta!)

O elenco funciona. Omar Sy e Nathalie Emmanuel estão bem – e aparentemente é ela fazendo as cenas de ação, porque vemos algumas dessas cenas em câmera lenta. Agora, tenho minhas dúvidas se a mudança de gênero aqui foi uma boa ideia. Porque no original, o matador se aproximava da cantora porque ela ficou cega por causa dele, e ele acaba se apaixonando por ela, o que dava um peso maior à relação, e agora são duas mulheres sem nenhum envolvimento emocional. Mas isso não é culpa da atriz, que faz bem o seu papel. Também no elenco, Sam Worthington, Diana Silvers, Tchéky Karyo e Eric Cantona.

Mas aí vem o problema. É uma refilmagem de um dos melhores John Woo, portanto a comparação é inevitável. E na comparação, esta versão de 2024 parece um filme genérico feito pro streaming. Se o filme de 1989 entrou pra história como um marco no cinema de ação, esta versão 35 anos depois tende a ser esquecida.

A Substância

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Crítica – A Substância

Sinopse (imdb): Uma celebridade em decadência decide usar uma droga do mercado negro, uma substância que replica células e cria temporariamente uma versão mais jovem e melhor de si mesma.

A ideia aqui era boa: uma estrela de um programa de fitness na TV está ficando velha, então oferecem a ela uma misteriosa substância que criaria uma nova versão dela, mais jovem. Essa substância vem com regras estritas, que claro que não serão seguidas, e claro que coisas vão dar errado. Uma bela crítica à exploração do corpo feminino pela mídia e ao etarismo.

É um filme fantástico, essa tal substância não tem nada ligado à ciência, não existe um laboratório ou uma clínica ou acompanhamento de médicos. Não tem nem uma cobrança financeira pelo tratamento! Aliás, fiquei pensando, se heu recebesse um daqueles kits, heu não saberia fazer aquela auto-aplicação.

A direção e o roteiro são de Coralie Fargeat, que em 2018 fez Vingança, filme que tinha uma premissa simples mas muito bem executada (uma mulher é estuprada e se vinga de seus agressores). Aqui é outra pauta feminista, mais uma vez muito bem executada.

Todo o visual do filme é muito bom. Cores, ângulos de câmera, edição, trilha sonora, efeitos sonoros, tudo carrega a trama num modo hipnotizante – são duas horas e vinte minutos de filme que fluem muito rápido. De quebra o fã de terror ainda vai encontrar várias referências, como a seringa de Re-Animator, o corredor de O Iluminado, os alienígenas de Bad Taste, o monstro de O Enigma de Outro Mundo, o banho de sangue de Carrie a Estranha…

A Substância (The Substance, no original) traz diversas cenas visualmente bem desagradáveis, seja mostrando ferimentos, seja quando um personagem simplesmente mastiga a sua refeição (lembro de uma cena parecida em Vingança, Coralie consegue transformar o simples mastigar em algo nojento). A maquiagem é um dos destaques, usando o chamado “body horror”, que é quando vemos imagens que causam repulsa. Talvez isso afaste parte do público, mas, é algo que faz parte da história.

Mas acho que o maior destaque são as duas atuações principais. Tanto Demi Moore quanto Margaret Qualley estão ótimas! Demi Moore estava meio sumida, e heu diria que esse papel tem tudo a ver com ela, que era uma das mulheres mais bonitas da sua geração, e agora, com 61 anos (continua linda, diga-se de passagem), deve estar enfrentando problemas semelhantes aos de sua personagem.

Aliás, foi uma atuação, digamos, corajosa da Demi Moore, que faz várias cenas onde ela está nua – e não é nudez gratuita, se ela estivesse vestida, seriam cenas estranhas (assim como a sequência final de Vingança, onde o ator está completamente nu num longo plano sequência).

O principal papel masculino é de Dennis Quaid, que está caricato, mas todos os personagens masculinos aqui são caricatos. Faz parte da proposta. (Esse papel seria de Ray Liotta, que faleceu antes das filmagens começarem. Seu nome aparece nos créditos como uma homenagem.)

Não gostei da parte final. Vou falar, mas vou colocar aviso de spoilers.

SPOILERS!
SPOILERS!
SPOILERS!

A protagonista gera uma cópia. No fim do filme, a cópia está se deteriorando e resolve fazer uma cópia da cópia, e isso gera um monstro. E essa versão monstruosa vai para o estúdio de TV e entra no programa ao vivo. Pra mim, essa parte do estúdio enfraqueceu o filme, nunca deixariam ela entrar na transmissão ao vivo daquele jeito. Ok, vira um banho de sangue, isso foi legal de ver, mas, essa sequência destoou do que a gente tinha visto até então. Por mim, era melhor cortar toda a parte do estúdio, e deixar só o finzinho – a cena final é boa.

FIM DOS SPOILERS!

Filmaço. A Substância é daquele tipo de filme que fica na sua cabeça por dias depois de ter visto. Agora quero esperar estrear pra poder rever.

Não Fale o Mal

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Crítica – Não Fale o Mal

Sinopse (imdb): Uma família é convidada para passar um fim de semana em uma casa de campo tranquila, sem saber que suas férias dos sonhos logo se transformarão em um pesadelo psicológico.

Dois anos atrás, surgiu um filme dinamarquês chamado Speak no Evil, um filme muito bom, tenso e desconfortável, que só não entrou no meu top 10 de 2022 justamente por ser um filme que causava incômodo no espectador. Agora veio o anúncio da versão americana, prática comum quando um filme off-Hollywood chama a atenção, e que quase sempre traz um resultado é fraco.

Mas, olha, preciso dizer que foi uma agradável surpresa. Arrisco dizer que achei Não Fale o Mal melhor que o original dinamarquês!

Existem vários sub gêneros do terror. Pra mim, o pior é esse aqui: não existe um monstro ou algo sobrenatural. O terror está no comportamento humano. Isso é muito mais assustador que qualquer monstro!

Pra quem não viu o filme dinamarquês (acredito que muita gente): um casal com uma filha pré adolescente está de férias, conhece outro casal, também com filho pré adolescente, e acabam aceitando um convite para passar uns dias na casa do outro casal. O problema é que este outro casal tem alguns comportamentos bem estranhos, e tornam a estadia algo muito desconfortável – os hóspedes se sentem incomodados com os anfitriões “sem noção”, mas não sabem como sair de situações constrangedoras.

Dirigido por James Watkins (A Mulher de Preto), Não Fale o Mal (Speak no Evil, em inglês) é bem parecido com o original. Diria que mais ou menos 80% do filme segue quase igual (tirando uma cena aqui, outra ali, como a cena do banheiro na versão dinamarquesa, ou a cena do sexo oral na versão americana). Mas, na reta final da trama, o filme de 2024 se afasta totalmente. Aquele filme tinha um final pessimista, este novo traz uma reação dos personagens. Sim, talvez tenha gente reclamando “por ser mais um final típico hollywoodiano”, mas, nesse caso, pelo menos pra mim, funcionou melhor. Porque uma das coisas que me incomodou naquele filme de dois anos atrás foi justamente a apatia dos personagens – coisa que não acontece aqui.

Sobre o elenco, diferente do filme dinamarquês, a versão americana traz alguns nomes conhecidos. James McAvoy está ótimo, ele é um cara desequilibrado no ponto exato! Mackenzie Davis e Scoot McNairy fazem o casal visitante, e Aisling Franciosi completa o quarteto principal. Todos estão bem.

O final diferente aqui foi uma boa. Primeiro porque se o filme inteiro fosse igual, pra que existir uma nova versão? Além disso, algumas coisas do outro me incomodaram, e esse aqui “consertou” essas coisas, por isso gostei mais da nova versão. Mas mesmo assim ainda acho que vale o programa duplo. Veja as duas versões!

Kill – O Massacre no Trem

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Crítica – Kill – O Massacre no Trem

Sinopse (imdb): Durante uma viagem de trem por Nova Deli, capital da Índia, uma dupla de soldados enfrenta um exército de bandidos invasores.

Pouco mais de um ano atrás vi o indiano RRR, que explodiu minha cabeça, e pensei “preciso ver mais filmes indianos!” Mas, muitos outros filmes apareceram na frente, e deixei de lado a tarefa de procurar outros títulos feitos na Índia. Até que me apareceu este Kill, que me lembrou: preciso conhecer melhor o cinema indiano!

Kill – O Massacre no Trem parece um “The Raid” no trem. E, filme indiano, tem um lado melodramático muito forte, coisa que não rola no filme indonésio. (Só não tem o momento musical com dança coreografada!)

(Breve parênteses pra falar de The Raid: são dois filmes, feitos na Indonésia, lançados em 2011 e 2014, e que podem tranquilamente figurar em qualquer lista de melhores filmes de ação deste século. Aqui no Brasil ganharam o nome de Operação Invasão. Se você não conhece, recomendo fortemente!)

Dirigido por Nikhil Nagesh Bhat, Kill – O Massacre no Trem (Kill, no original) é um filme que vai direto ao assunto. Depois de uma breve introdução onde conhecemos o casal apaixonado (sim, é melodramático!), o filme embarca no trem e a partir daí, é basicamente só violência até o final.

Tem um detalhe que achei bem legal, e que Hollywood não costuma fazer: o protagonista é muito “mocinho”, o cara tem que ser bonito, forte, apaixonado, e, principalmente, um cara “do bem” – ele enfrenta adversários, mas acho que não mata ninguém. Mas, lá pelo meio do filme, acontece uma reviravolta que muda uma chave e o cara vira uma máquina de matar. E o filme é bem claro nessa virada de chave, aparece um “KILL” escrito no meio da tela!

Outra diferença para o cinema hollywoodiano está no uso da trilha sonora, que realça o melodrama. Tem uma cena logo no início, primeira sequência do filme, que exemplifica bem isso, quando mostra quem é o mocinho. Ele está de costas, de capacete, e quando vira e tira o capacete, a trilha sobe!

Claro, alguns vão dizer que falta história. É verdade, a história é meio rasa. Até agora não entendi bem o plano dos bandidos, era tudo aquilo por um simples assalto? Mas por outro lado, as cenas de ação compensam. São MUITAS sequências de luta, luta no mano a mano, luta com armas brancas, todas bem coreografadas, e com um grau de violência muito maior do que a média que costuma ser exibida nos cinemas – às vezes o gore lembra filmes de terror. E a ideia de ser num trem é boa, porque limita os confrontos.

(Um detalhe que esqueci de comentar: aparentemente todos os bandidos são parentes, o que amplia o sentimento de vingança quando um mocinho começa a matar geral.)

Sobre o elenco, achei estranho ver quando o filme acaba, no início dos créditos, a frase “introducing Lakshya”, o ator principal. Antes desse filme o cara não era ator? Tentei descobrir pela internet de onde ele veio, para estar como “introduction”. Segundo o que entendi pelo imdb e wikipedia, ele veio da TV, este filme seria sua estreia no cinema. Enfim, o cara é bom, tem carisma, luta bem, e tem uma cena sem camisa que deve lhe gerar alguns fã clubes.

Mesmo entendendo que falta uma profundidade na história e que os personagens são unidimensionais, gostei muito de Kill – O Massacre no Trem. Grandes chances de entrar no meu top 10 2024!