Eu Sou Groot

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Crítica – Eu Sou Groot

Sinopse (imdb): Uma série de curtas-metragens estrelados por Groot e outros personagens novos e incomuns.

Heu sabia que ia ter uma série do Groot, mas não sabia de nada sobre ela. Aí, no grupo dos apoiadores do Podcrast, alguém avisou “estreou Groot”, e fui lá no Disney+ pra ver. Achei que ia ser como as outras séries da Marvel na plataforma, com episódios de 30 a 40 minutos, um por semana. Que nada, todos os episódios já estão lá, e são curtinhos, têm 5 minutos cada, e, na verdade são tipo 3 minutos e meio cada, por causa dos créditos.

Antes de comentar, uma crítica à plataforma Disney+: são 5 episódios, e estão soltos. Depois de ver todos, descobri que vi na ordem errada. Por que não colocar na ordem, como as outras séries da Marvel?

Os episódios são muito curtos. 3 minutos e meio cada, não sei se vale entrar em detalhes sobre cada episódio. O primeiro traz o Groot ainda ainda uma mudinha, num vaso que nem no fim do primeiro Guardiões da Galáxia, “contracenando” com um bonsai. Os quatro seguintes devem ter uma ordem, mas a Disney+ não me deixou saber qual é. Um deles traz Groot às voltas com crescimento das folhas no seu corpo, como se fosse cabelo; outro tem o Groot conhecendo seres bem menores (acho que foi o mais engraçado); outro tem o Groot criando um desenho como se estivesse no jardim de infância; por fim temos um episódio onde o Groot encontra um metamorfo que parece feito de água.

São episódios muito curtos, então não têm muito desenvolvimento. Mesmo assim, tem umas piadas muito boas – ri alto em alguns momentos. E a qualidade da animação é muito boa.

Deve ter easter eggs espalhados, mas não revi pra procurá-los. Mas sei de uma coisa: assim como nos longas, Vin Diesel faz a voz do Groot e Bradley Cooper faz a voz do Rocket Racoon, que aparece em um dos episódios.

É uma bobagem? Sim, é. Mas é uma bobagem divertidíssima! Em tempos com séries de capítulos de mais de duas horas, que venham mais séries curtinhas assim! 20 minutos dá pra ver a temporada inteira!

O Predador – A Caçada

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Crítica – O Predador – A Caçada

Sinopse (imdb): A origem do Predador no mundo da Nação Comanche, há 300 anos. Naru, uma guerreira hábil, luta para proteger a sua tribo contra um dos primeiros predadores altamente evoluídos a aterrar na Terra.

E vamos ao quinto (ou sétimo) filme da franquia Predador!

Um pequeno resumo pra quem estava num tanque de bacta nas últimas décadas: o primeiro Predador foi lançado em 1987, e foi um grande sucesso de Arnold Schwarzenegger, um dos maiores astros do cinema de ação da época. Três anos depois fizeram uma continuação meia boca. Aí em 2004 investiram numa ideia que, no papel, era ótima: um crossover Alien vs Predador. Mas o resultado foi ruim muito ruim. E pra piorar, em 2007 fizeram uma continuação, Aliens vs Predador, que foi ainda pior. Em 2010 foi a vez de Predadores, que pega o conceito e muda um pouco, gostei desse mais do que das outras continuações. E em 2018, um dos atores do primeiro filme dirigiu mais uma continuação, puxando pra galhofa, que teve gente que falou muito mal, mas heu me diverti.

Agora é a hora de mais um. Esqueçam a galhofa, esse pega o mesmo clima do primeirão: um grupo de pessoas treinadas enfrentando um inimigo misterioso. E o resultado ficou bom!

O Predador é um bom personagem, apesar de ter um nome ruim. Ele não é um predador, é um caçador, que viaja por diferentes planetas para enfrentar adversários o mais forte possível. É uma caça por esporte, uma espécie de safári. A gente que já viu vários filmes sabe disso, e é legal ver um “predador” de 300 anos atrás, com algumas armas diferentes, respeitando a evolução da tecnologia deles. E mesmo quem não conhece a franquia conseguirá entender tudo, afinal, como se passa 300 anos atrás, não tem nenhuma ligação com nenhum dos filmes anteriores.

A direção ficou nas mãos de Dan Trachtenberg (Rua Cloverfield 10), que faz um filme com provavelmente o visual mais bonito de toda a franquia. A fotografia aproveita muito bem imagens abertas da natureza antes da ação da civilização – pena que esse filme foi direto pro streaming, ia ser legal ver numa tela de cinema. Já os efeitos especiais dão uma escorregada aqui e ali, principalmente quando vemos animais selvagens, mas nada que estrague a experiência. Ah, é bom avisar, o filme é bem violento.

Um detalhe curioso: O Predador – A Caçada foi filmado em inglês, mas os personagens são quase todos índios. Então a produção teve o cuidado de lançar uma segunda versão, dublada em comanche. Vi um trecho da versão dublada, mas a dublagem me soou estranha, então preferi o áudio original. Nesses casos faz falta um maluco que nem o Mel Gibson, que colocou seu elenco pra falar a língua iucateque quando filmou Apocalypto.

Sobre o elenco, são todos desconhecidos do grande público, mas já comentei que minha memória pra guardar informações inúteis de cinema é impressionante. Lembro de Amber Midthunder em um dos papéis principais de The Ice Road, filme meia boca do Liam Neeson. E lembro que ela tinha feito um papel pequeno no filme anterior do mesmo Neeson, o igualmente meia boca Na Mira do Perigo. Por que guardei o nome dela? Sei lá. Pelo menos ela agora é protagonista, e manda bem. Ela é pequena e de aparência frágil, mas consegue convencer nas suas lutas, tanto nas lutas físicas quanto nas sociais.

(Na verdade, me incomodou mais os índios homens serem magrelos, acho que podiam pegar uns caras mais fortes.)

Falando nisso, parece que tem uma galera revoltada por aí nas internetes, porque “a menina nunca ia ter força para derrotar um oponente muito maior e mais forte”, ou porque “nessa época, 300 anos atrás, nunca uma mulher teria iniciativa para virar caçadora”. Galera, é um filme. E justamente por isso é legal. E digo mais: sempre defendi filmes com mulheres fortes, desde a Ripley do primeiro Alien. Naru, a protagonista aqui, mandou muito bem!

Curti o filme, mas entendo que algumas coisas ficaram forçadas. Vou citar dois exemplos, tomando cuidado pra não entrar em spoilers. Um deles é quando a protagonista Naru é encurralada, com uma lâmina quase no pescoço, e consegue atingir o rosto do oponente. Seus braços não tinham como alcançar aquele golpe, não naquela posição. A gente aceita, mas foi bem forçado. Ou quando Naru resolve baixar a temperatura do corpo para não ser vista pelo Predador. Não entendo de medicina indígena, mas, baixando a temperatura do corpo, ela conseguiria lutar normalmente?

Mesmo assim, achei o resultado bem positivo. Que venham mais filmes com a Naru!

Trem Bala

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Crítica – Trem Bala

Sinopse (imdb): Joaninha (Brad Pitt) é um assassino azarado determinado a fazer seu trabalho pacificamente depois de muitos outros saírem dos trilhos. O destino, no entanto, pode ter outros planos, pois a última missão de Joaninha o coloca em rota de colisão com adversários letais de todo o mundo – todos com objetivos conectados, mas conflitantes – no trem mais rápido do mundo. O fim da linha é apenas o começo nesta emocionante viagem sem parar pelo Japão moderno.

Tem gente que se empolga com filme novo de determinados super heróis. Heu me empolgo com filme novo de determinados diretores, como é o caso de David Leitch (não confundir com David Lynch!). Trem Bala (Bullet Train no original) estava no topo da minha lista de expectativas para 2022!

David Leitch era dublê, e virou diretor ao lado de Chad Stahelski com John Wick. Sozinho, fez Atômica, o melhor dos filmes de ação girl power que vi nos últimos anos. Leitch também fez Deadpool 2 e Velozes & Furiosos: Hobbs & Shaw, divertidos (mas inferiores a Atômica).

Se Atômica tinha um tom mais sério, Trem Bala está mais próximo de Deadpool e Hobbes & Shaw e abraça a comédia sem medo de ser feliz. Algumas cenas são engraçadíssimas. E mesmo assim o filme é bem violento. Humor negro rola solto aqui.

O clima às vezes lembra os filmes do Tarantino, com violência e bom humor. Mas acho que ficou mais próximo do trabalho do Guy Ritchie, que sabe trabalhar bem com personagens marginais e descolados, e isso tudo envolto numa edição estilosa.

Quando li a sinopse e a duração, rolou uma preocupação, porque um filme de mais de duas horas todo dentro de um trem com uma trama aparentemente simples podia ficar cansativo. Mas o roteiro é bem construído, com bons diálogos, temos flashbacks aqui e ali apresentando elementos extras, e temos uma excelente galeria de personagens. Ah, o desenho Thomas o Trem tem uma grande importância na trama!

Já que falei dos personagens, estes merecem um parágrafo à parte. Não tem nenhum personagem “normal” – talvez só o japonês atrás de vingança. Todos são esquisitos, todos são excêntricos. E o filme ainda usa uns letreiros para apresentá-los. E a dinâmica entre eles é muito boa, porque são objetivos diferentes, mas todos entrelaçados.

Aproveito pra falar do elenco. Brad Pitt é ótimo, sempre foi, sou fã do cara desde 12 Macacos e Clube da Luta, e aqui ele está sensacional. A gente lê a premissa e imagina um personagem sério tipo um John Wick, mas o seu Joaninha é um assassino profissional em busca da paz interior, então ele passa boa parte do filme em diálogos contra a violência. Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass) e Brian Tyree Henry (Eternos) são Limão e Tangerina, irmãos gêmeos (???), e têm uma ótima dinâmica juntos. Sandra Bullock aparece pouco, mas está ao telefone durante todo o filme, falando com o Joaninha; Michael Shannon também aparece pouco, mas é um personagem central. Joey King (A Princesa) convence com sua aparente fragilidade; Logan Lerman (Percy Jackson) tem um papel importante mas passa quase o filme todo morto; Zazie Beetz (Deadpool) aparece pouco mas é uma peça essencial para o quebra cabeça. Também no elenco, Andrew Koji, Hiroyuki Sanada e Bad Bunny. Ah, prestem atenção no condutor, é o Masi Oka de Heroes; e a atendente que interrompe a luta entre o Joaninha e o Tangerina é Karen Fukuhara, a Kimiko de The Boys.

(Tem duas participações especiais não creditadas, não sei se posso citar aqui, pode ser um spoiler. Bem, um deles esteve recentemente nas telas com Brad Pitt e Sandra Bullock; o outro já estrelou um filme do mesmo diretor.)

(Uma curiosidade: o diretor David Leitch era dublê e já tinha trabalhado como duble do Brad Pitt algumas vezes, em filmes como Clube da Luta, Onze Homens e um Segredo, Troia e Sr e Sra Smith).

Entendo que é um filme exagerado. Tem muita coisa forçada. Tem lutas no trem, tem gente andando armada e suja de sangue, e o trem tem passageiros que não estão na trama. E determinado momento o trem fica vazio – pra onde foram as pessoas que trabalham no trem, como o condutor? Quem se importar com isso, vai se incomodar.

Uma coisa que gostei e que admiro é que Trem Bala não é franquia, não é continuação e traz uma história fechada – acho difícil virar franquia. Por mais que tenha gostado de todo esse universo criado para o filme, sei que uma franquia pode estragar o universo. Por isso fico feliz com a proposta!

 

Turma da Mônica – A série

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Crítica – Turma da Mônica – A Série

Sinopse (Globoplay): Quando a festa da popular Carminha Frufru é misteriosamente sabotada, Mônica e seus amigos se tornam os principais suspeitos, e vão precisar superar suas inseguranças e revelar seus segredos para decifrar o mistério.

Antes de tudo, vou fazer uma crítica que não tem nada a ver com a série, mas com o formato adotado. Tivemos dois filmes longa metragem com a Turma da Mônica, e agora anunciaram uma série de oito episódios. E ouvi um boato de que Fernando Caruso interpretaria o Capitão Feio na série. Sou fã do Caruso, sou fã do Capitão Feio, fui logo catar qual episódio seria. Tem um episódio chamado “Lama”, opa, vamos ver esse logo!
Só então descobri que a série segue o formato “filme dividido em capítulos”. Ok, entendo que atualmente todas as séries seguem esse formato, falei aqui de Reacher, The Boys, Peacemaker, Pam & Tommy, gravei Podcrastinadores sobre Ruptura e Stranger Things, todos são no mesmo formato, Turma da Mônica não faz nada diferente. Aquele formato de séries com episódios independentes foi deixado de lado, acho que ninguém mais faz séries assim. Mas, sei lá por que, achei que seria naquele formato.

E aí fica minha bronca: se é pra ter esse formato, por que não um filme longa metragem?

Ok, passado o meu mimimi, vamos à série!

Curti muito o segundo filme da Turma da Mônica, Lições, que passou nos cinemas no iniciozinho do ano. Vimos um problema: o elenco está crescendo, um elenco infantil muda muito ao longo dos anos (um ator adulto pode voltar a um papel de anos atrás e continuar com a mesma aparência, tipo o Tom Hiddleston que filmou a série Loki em 2021, dando continuidade ao papel feito nove anos antes em Vingadores.) Kevin Vechiatto, o Cebolinha (o mais velho dos 4 principais), nasceu em 2006. Tinha 13 anos no lançamento do primeiro filme e hoje tem 16. Dos 13 aos 16 um jovem muda muito…

Essa era uma preocupação que tive ao fim do filme Turma da Mônica – Lições: como vão lidar com esse elenco para o terceiro filme? (Os filmes foram baseados em uma série de 3 graphic novels, teoricamente teremos um terceiro filme, acho que o nome é Lembranças.) E não tem como mudar o elenco agora, todo o elenco infanto-juvenil é excelente, são bons atores, são carismáticos. O filme admite esse problema, e mostra que eles agora não podem mais ir ao parquinho porque estão crescendo! A solução foi começar a entrar no clima do outro gibi, Turma da Mônica Jovem. O Cebolinha fala o “R”, só troca pelo “L” quando está nervoso; já começa a rolar um clima entre Mônica e Cebolinha…

Aliás, é bom avisar: Turma da Mônica – A Série não perde tempo explicando nada. A série parte do princípio que todo mundo conhece os personagens e suas características. Achei uma decisão acertada, afinal duvido que alguém fique perdido sem reconhecer ninguém.

Daniel Rezende foi o diretor dos dois filmes, aqui ele é o show runner e dirige alguns episódios. Mais uma vez ele faz um excelente trabalho: não existe nada a ser criticado na parte técnica da série. E vou além: Rezende criou um mundo mágico – assim como existe nos gibis. Ninguém precisa dizer onde se passa, quando se passa, as histórias se passam naquele mundinho e todos os elementos presentes em tela funcionam redondinho.

A história aqui é bem construída. Temos um “whodunit”, aquele formato onde temos vários suspeitos e uma investigação para descobrir quem é o culpado, como nos livros da Agatha Christie ou no filme Entre Facas e Segredos. Isso ficou muito legal, porque revemos várias cenas sob outros pontos de vista, o que gera alguns plot twists bem bolados. Só não digo que ficou perfeito porque foram muitos flashbacks, cansa um pouco, talvez fosse melhor um pouquinho menos (e aproveitar pra transformar num longa metragem… 😉 ). E esses plot twists acabam trazendo umas lições de moral bem encaixadas na trama – a gente tem que se lembrar que o público alvo é infantil!

Como falei na crítica sobre o filme Lições, o elenco é ótimo. Giulia Benite, Kevin Vechiatto, Laura Rauseo e Gabriel Moreira voltam aos seus papeis, e os quatro são ótimos e muito carismáticos, a gente acaba o filme com vontade de ver mais dessa turminha. Dentre os secundários, o roteiro foca mais na Carminha Frufru, na Denise e na Milena. E o roteiro consegue equilibrar bem a importância de vários outros personagens secundários, como Marina, Quinzinho, Humberto, Titi, Jeremias… E, mais uma vez, as melhores piadas estão com o Do Contra, que é um excelente alívio cômico.

De novidade no elenco temos Mariana Ximenes como a mãe da Carminha Frufru, e Fernando Caruso como Feitoso, o tio do Cascão. Ambos estão caricatos, claro, uma série dessas vai ter adultos caricatos, é inevitável. Achei o personagem do Caruso mais bem desenvolvido, porque ele começa como um nerd que sofria bullying, pra depois se apresentar como um vilão vingativo. Mas posso ter achado isso porque sou fã do Caruso e porque ele é meu amigo, então, sim, estou sendo parcial.

O filme Lições me impactou mais do que esta série, mas podemos dizer que a qualidade se mantém no alto. Parabéns à produção, e que venham mais filmes e séries!

Dual

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Crítica – Dual

Sinopse (imdb): Uma mulher opta por um procedimento de clonagem após receber um diagnóstico terminal, mas quando se recupera, suas tentativas de desfazer seu clone fracassam, levando a um duelo ordenado pelo tribunal até a morte.

Segui a dica do GG, host do Podcrastinadores, sobre este Dual, filme escrito e dirigido por Riley Stearns que passou em Sundance no início deste ano.

A premissa é muito boa. Estamos em uma sociedade onde pessoas que vão morrer fazem um clone para ficar no seu lugar, mas se a pessoa não morre, tem que duelar até a morte, porque, por lei, só pode existir uma pessoa. Ou seja, a protagonista Sarah agora precisa aprender a lutar e a matar.

Mas o problema, na minha humilde opinião, é que apresentaram uma boa premissa e não desenvolveram-na. Por exemplo: o roteiro dá uma pincelada em problemas presentes, como por exemplo quando o original é obrigado a pagar uma mesada para o clone; ou quando a clone de Sarah fala que não entende por que a mãe dela liga todos os dias – temos um personagem adulto, mas que nasceu “ontem”, e ainda precisa aprender as convenções sociais. O roteiro podia entrar nesses problemas e desenvolvê-los, mas prefere focar no dia a dia da Sarah e como ela vai resolver seu duelo. E tudo é muito lento e o filme fica vazio.

Outra coisa atrapalha. Provavelmente por opção da direção, as atuações são todas apáticas. Personagens parecem não emoções nesta sociedade distópica estranha. Me lembrei de O Lagosta, outro filme distópico com uma premissa esquisitona que também tinha atuações apáticas (mas o resultado final de O Lagosta é melhor).

Já que falei das atuações, vamos ao elenco. É complicado julgar um ator num filme onde não existe muito espaço para atuação. Karen Gillan está bem, mas, diferente da maioria dos filmes onde um ator interpreta mais de um papel, ela aqui não teve muitos desafios, já que as personagens são iguais. O outro nome grande do elenco é Aaron Paul, que faz o cara que treina Sarah para o duelo. Achei estranha a participação do Theo James, que aparece muito pouco – não que ele seja um grande star power, mas lembro dele como um dos principais papéis da franquia Divergente, achei que o nome dele fosse um pouco mais importante.

Ah, apesar das atuações robóticas, tem duas cenas de dança que são bem simpáticas.

Gostei do fim, foi diferente do óbvio. Mais não conto por causa de spoilers.

Areias Escaldantes

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Crítica – Areias Escaldantes

Sinopse (wikipedia): Num futuro próximo (1990), no país fictício de Kali, um grupo de jovens terroristas executa roubos, sequestros e assassinatos sob as ordens de um misterioso chefão conhecido como “Entidade” e são perseguidos pela pomposa e ineficiente Polícia Especial.

Às vezes é melhor deixar as memórias lá no passado. Lembro que este Areias Escaldantes foi um filme marcante na minha vida, e nunca tinha revisto. Devia ter continuado sem rever…

Escrito e dirigido por Francisco de Paula, Areias Escaldantes parece um videoclipe. Imagens desconexas, atuações caricatas, tudo meio nonsense. Agora, o problema é que temos um videoclipe longa metragem. Cansa.

O roteiro é um lixo. Vou citar só dois exemplos pra mostrar como é um roteiro tosco. Um é que o filme deveria se passar na fictícia província de Kali. Mas tem um momento onde o personagem precisa ir até o Maracanã, num jogo Flamengo x Vasco! Se é pra termos um local fictício, qual é o sentido de usar um clássico no estádio mais famoso do Brasil? O outro exemplo é o Lobão, que tem um personagem policial, e que de repente aparece cantando e tocando guitarra. A gente entende ter um momento musical do Lobão (que era produtor musical do filme), mas não desse jeito à moda bangu!

Emendando os momentos musicais, a gente tem umas esquetes bem bobinhas. E como o elenco tem Luis Fernando Guimarães, Diogo Vilela e Regina Casé, impossível não lembrar de TV Pirata. Só que um TV Pirata bem mais bobo que o que a gente conhece. Também no elenco, Cristina Aché, Lobão, Jards Macaé, Guará Rodrigues, Eduardo Poly, Sérgio Bezerra e o Neville De Almeida fazendo um espião que é um dos papéis mais desperdiçados da história do cinema – ele aparece ao longo do filme como um cara misterioso, mas que não era ninguém importante no final, e ainda fala ao elenco e ao espectador que não está entendendo nada.

Pensando no personagem do Neville, a gente vê que o roteiro tinha potencial para ir longe. Existe uma tentativa de se criar um futuro distópico com uma espécie de polícia totalitária (apesar do filme se passar em 1990, apenas 5 anos no futuro). Mas essa tentativa falha miseravelmente. Areias Escaldantes é ruim como comédia, e é ainda pior como ficção científica. O filme se basta em uma trama sonolenta e sem graça de terroristas bonzinhos. Areias Escaldantes não serve nem pra criticar a ditadura militar que estava na reta final (no mesmo ano de 1985 o país teria o primeiro presidente não militar desde a década de 60).

Agora, a trilha sonora é fantástica. Músicas do Ultraje a Rigor, Titãs, Lobão, Gang 90, Ira!, Metrô, Capital Inicial e Lulu Santos. E ainda temos videoclipes inteiros, um dos Titãs e um do Lobão.

Também gostei de um detalhe aqui e outro ali, como uma corrida de táxi onde o carro se movimenta para frente e para trás ao mesmo tempo (não tem sentido, é um gag visual). Mas é pouco.

Vale pela nostalgia e pela trilha sonora. Mas parecia melhor na minha memória.

O Agente Oculto

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Crítica – O Agente Oculto

Sinopse (imdb): O agente mais habilidoso da CIA, cuja verdadeira identidade é desconhecida, descobre os segredos obscuros da agência e um ex-colega insano coloca uma recompensa por sua cabeça ao recrutar assassinos internacionais para caçá-lo.

Novo grande lançamento da Netflix, O Agente Oculto (The Gray Man, no original) é mais um daqueles filmes que poderiam estar na minha lista de “críticas curtas”: “O Agente Oculto – filme genérico de ação com nomes grandes no elenco e direção”. Porque é basicamente isso. Mas… Vamulá.

Com orçamento de 200 milhões de dólares, O Agente Oculto está sendo vendido como “o filme mais caro da história Netflix”, ao lado de Alerta Vermelho – outro filme que também deixou a desejar.

O Agente Oculto é baseado no livro homônimo escrito por Mark Greaney. A ideia de se adaptar já existia desde 2011, com o Brad Pitt no papel principal; depois Charlize Theron esteve ligada ao projeto, que teria produção da Sony e direção de Christopher McQuarrie. Até que chegou às mãos da Netflix, que chamaram os irmãos Russo para a direção.

Lembrando: Anthony e Joe Russo dirigiram quatro dos filmes mais conceituados de todo o MCU: Capitão América Soldado Invernal, Capitão América Guerra Civil, Vingadores Guerra Infinita e Vingadores Ultimato. Atualmente, eles simplesmente são os responsáveis pela maior bilheteria da história do cinema. Recentemente fizeram o drama Cherry, que tem seus pontos positivos mas não é um grande filme. E uma coisa me intrigava na carreira dos irmãos, mas que agora foi respondida: o sucesso deles tem muito mais a ver com a Marvel do que com o talento da dupla.

Vejam bem, O Agente Oculto não é ruim. Bom elenco, belas locações, boas cenas de ação… Só é tudo muito genérico. Muita explosão e pouca história. Em certas cenas parece que a gente está vendo um filme do Michael Bay – tem até umas cenas com uma câmera drone, cenas parecidas com as do filme Ambulância, último filme do Bay.

Produção grandiosa, o filme se passa em vários países. Tem uma cena em Praga que é um exemplo disso que falei. A cena é boa, é empolgante, mas é tanto tiro e explosão que chega a cansar.

O elenco é muito bom. Ryan Gosling parece fazer o Ryan Gosling de sempre, mas o vilão exagerado e caricato do Chris Evans está exagerado e caricato no ponto certo. Ana de Armas está excelente, como sempre, mas tem menos tempo de tela – ei, Hollywood, tá na hora de um filme de ação girl power estrelado por ela! E uma surpresa agradável foi ver uma cena com Wagner Moura, que está muito bem. Parece que a Netflix resolveu agradar dois grandes mercados consumidores, o Brasil e a Índia, trazendo uma estrela de cada país para um papel menor mas importante – o indiano Dhanush tem um papel chave, já tinha ouvido falar dele mas nunca tinha visto nenhum filme com ele. Também no elenco, Billy Bob Thornton, Jessica Henwick, Alfre Woodard e Julia Butters.

Existe uma série de livros “O Agente Oculto”. A história deste filme se fecha, mas deixa espaço para continuações. Será que veremos mais uma franquia de filmes de ação?

The Boys – Terceira Temporada

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Crítica – The Boys – Terceira Temporada

Sinopse (imdb): Um grupo de vigilantes são dados o trabalho de deter super heróis que abusam da seus poderes.

Pra quem não conhece The Boys, é uma série que fala de super heróis mau caráter. Mas o que chama mais a atenção é a violência gráfica. Parece que desenharam uma linha limite do que seria aceitável, e a série vive desafiando essa linha. Algumas cenas parece que foram colocadas especificamente para chocar.

(A série é baseada numa HQ, não li, deve ser bem violenta. Mas, uma coisa é uma HQ violenta; outra coisa é um filme ou série mostrando sangue e pedaços de corpos.)

Além disso, é uma série muito bem escrita, bons personagens, bons atores, e o roteiro dá umas boas cutucadas na atual sociedade, tanto em termos comportamentais quanto na política.

O elenco é bem legal. Gosto do Karl Urban desde O Senhor dos Anéis, o cara fez Star Trek, RED, Dredd, Thor – mas, apesar do bom currículo, o melhor papel da sua carreira é o Billy Butcher de The Boys. Outro destaque é Anthony Starr, ator que heu não conhecia antes, e que é ótimo como o Homelander, um vilão sensacional e ao mesmo tempo odiável. Outro dos principais é Jack Quaid, que, pra quem não sabe, é o filho do Dennis Quaid e da Meg Ryan.

Mas, não queria falar do elenco que já estava nas outras temporadas. Queria comentar dois nomes novos, um com um papel grande; outro como uma ponta. Um deles é um dos principais nomes dessa terceira temporada, o Soldier Boy, vivido por Jensen Ackles – que foi o Dean Winchester em 15 temporadas de Supernatural (e preciso admitir que não reconheci de primeira!). A série é do Eric Kripke, também criador de Supernatural… O outro é Paul Reiser, que está sensacional como um velho ex-empresário marrento e só aparece em dois episódios (tinha acabado de vê-lo em Stranger Things, num papel burocrático; aqui ele está muito melhor!)

The Boys é uma série muito bem filmada, tecnicamente falando. E mesmo assim, ainda tiveram alguns detalhes aqui e ali que fizeram o produto ficar ainda melhor. Um exemplo é o raccord, que é quando duas cenas diferentes são conectadas por movimentos dos personagens, que acontece algumas vezes no pesadelo do Butcher.

Outra coisa que achei bem legal foram dois momentos da Kimiko ligados a músicas. Um deles é quando ela coloca Maniac, do filme Flashdance, como trilha sonora de uma briga – só não foi uma ideia melhor aproveitada porque a cena é entrecortada por outras lutas simultâneas. Mas o melhor momento da Kimiko foi quando ela acho que tinha recuperado a voz e começa a cantar, e a série vira um musical.

Outro momento completamente inesperado foi quando vemos bichinhos animados representando o que se passa dentro da cabeça do Black Noir – pelo que me disseram, isso não está nas HQs, foi criação da série.

Por fim, um comentário besta, que parece que já tinha nas outras temporadas, mas heu nunca tinha reparado: o Hughie tem várias camisas legais de tema rock’n’roll. Nesta temporada, vi camisas do Daryl Hall & John Oates, Kenny Loggins, Foreigner, Doobie Brothers – The Boys é da Amazon, devia ter um link para comprar essas camisas!

Teve gente que não gostou do fim e do gancho para a próxima temporada. Acho que foi headcanon da galera, achei o final bom. Que venha a quarta!

Watcher

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Crítica – Watcher

Sinopse (imdb): Uma jovem mulher se muda para um novo apartamento com seu noivo apenas para ser atormentada pela sensação de que um observador invisível a está perseguindo em um prédio adjacente.

Longa de estreia da diretora e roteirista Chloe Okuno, este Watcher é um suspense mediano, com pontos positivos e negativos. Vamulá.

Uma coisa incomum e que achei bem construída é deixar o espectador sentir o isolamento da protagonista, ao não traduzir os diálogos em romeno. Ela se mudou para Bucareste porque seu companheiro conseguiu um emprego, então ela passa os dias sozinha, e não entende nada do que é falado em volta. Normalmente quando vemos um filme onde pessoas falam uma língua diferente, ou temos legendas, ou algum personagem que explica o que está acontecendo. Aqui ficamos sem entender, assim como a personagem. (Será que o filme funciona igual pra quem entende romeno?)

Aproveito para falar da protagonista Maika Monroe, que está bem, o que é essencial, já que o filme se baseia no seu personagem. A gente sente o desconforto que ela vive e a crescente paranoia na sua cabeça. Também no elenco, Karl Glusman, Burn Gorman e Madalina Anea.

Agora, tudo é muito lento. O filme tem pouco mais de uma hora e meia, e mesmo assim quando chega a uma hora, parece que já se passaram duas. E pra piorar o fim é bem fraco e previsível. A parte final é bem frustrante.

Acho difícil alguém ficar fã e recomendar Watcher, tampouco terá haters. Uma boa opção mediana.

 

O Telefone Preto

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Crítica – O Telefone Preto

Sinopse (imdb): Após ter sido raptado por um assassino de crianças e trancado num porão à prova de som, um menino de 13 anos começa a receber chamadas num telefone desligado das vítimas anteriores do assassino.

O diretor Scott Derrickson tinha feito alguns bons filmes de terror, aí foi pra Marvel fazer o primeiro Doutor Estranho, que não tem nada de terror. Ele ia dirigir o segundo Doutor Estranho, mas acabou substituído por Sam Raimi – que conseguiu finalmente trazer uma pegada de terror para a Marvel. Derickson voltou ao seu habitat natural, com este O Telefone Preto (The Black Phone, no original).

O Telefone Preto é adaptação do conto homônimo escrito por Joe Hill, filho do Stephen King. E o espectador atento pode achar referências à obra de King aqui e ali, como a cartola que Ethan Hawke usa (como a Rose the Hat em Doutor Sono) ou a capa de chuva amarela (como Georgie em It).

Uma das melhores coisas aqui é a ambientação. Tanto a ambientação de época (o filme se passa no fim dos anos 70) quanto o clima de tensão e desespero vivido pelos personagens – a gente sente a angústia do garoto preso no porão. E gostei dos efeitos dos garotos falando ao telefone. Efeitos simples e eficientes.

O Telefone Preto é uma mistura de “filme de sequestro de criança” com “filme sobrenatural”. Rolam alguns jump scares aqui e ali, mas o forte do filme não é isso, e sim a tensão vivida pelo personagem. E vou te falar que teve um momento onde quase pulei da poltrona!

Ethan Hawke está muito bem, num papel onde ele quase não mostra o rosto. Quase todo o tempo ele está usando máscaras que cobrem partes de seu rosto. E mesmo sem mostrar o rosto, o trabalho de Hawke é impressionante! E as máscaras são outro ponto forte do filme. Assustadoras, foram confeccionadas por ninguém menos que Tom Savini!

Gostei dos garotos. Mason Thames, o principal, aparece sozinho em várias cenas, um papel difícil, mas que ele consegue cativar o espectador – ficaremos de olho nesse rapaz! A menina Madeleine McGraw também está bem, em um papel que poderia facilmente virar a “menininha chata”.

Tenho um comentário sobre o fim, mas antes preciso do aviso de spoilers:

SPOILERS!
SPOILERS!
SPOILERS!

O filme tem um final feliz, o garoto é resgatado. Mas, na minha cabeça, acho que um final melhor seria com o garoto saindo da casa e encontrando os outros fantasmas, aí descobriria que estava morto, ao lado deles, e veria o Grabber enterrando o seu corpo.
Mas, é o meu head canon. O fim de O Telefone Preto não é ruim.

Nem tudo é perfeito, achei que o vilão poderia ser melhor desenvolvido. E, quando a gente vê que o filme foi produzido pela Blumhouse, a gente logo pensa em uma possível nova franquia. Será que veremos novamente o “The Grabber”?