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Hellraiser – Renascido do Inferno (1987)

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HellraiserCrítica – Hellraiser – Renascido do Inferno

Hora de rever um dos mais assustadores filmes dos anos 80!

Uma mulher infiel encontra o seu amante morto, que está tentando reconstituir seu corpo, enquanto é caçado por demônios, depois que escapou de um inferno sado-masoquista.

Lá pros anos 80, Stephen King era o maior nome da literatura de horror, mas quase todos os seus livros viravam filmes ruins quando adaptados (tirando algumas honrosas exceções, como O Iluminado, Carrie e Cemitério Maldito). O próprio King se arriscou e dirigiu uma adaptação de um conto seu, Comboio do Terror, mas ficou tão ruim quanto a média.

Aí surgiu um tal de Clive Barker, talentoso escritor de terror – o próprio King disse em uma entrevista que Barker seria o seu sucessor. E Barker resolveu dirigir um filme, baseado em um de seus livros, “The Hellbound Heart”. E – diferente de King – o filme, lançado em 1987, ficou excelente! Finalmente tínhamos um bom escritor “e” diretor de terror!

(O tempo nos mostrou que Barker, como escritor, ainda não não alcançou a fama de King; e, como diretor, tem um talento bissexto…)

Em Hellraiser, Barker nos apresenta uma história meio doentia, com alto teor sado-masoquista e um pé no erotismo – aliás, outras histórias de Barker têm esse mesmo teor sado-masô, o cara deve curtir essa onda. Aqui, em Hellraiser, conhecemos os cenobitas, demônios que habitam uma dimensão paralela, que estão em todos os filmes da série.

O clima do filme é fantástico. Neste filme, os cenobitas aparecem pouco, e conhecemos aquele cubo, tão legal que heu sempre quis um. Alguns efeitos especiais não sobreviveram ao passar dos anos – rolam uns desenhos animados por cima do filme, efeito muito muito tosco. Por outro lado, a maquiagem continua eficiente.

Hellraiser teve oito (!) continuações, e tem previsão de ser refilmado. Não vi todos os nove filmes, a qualidade foi caindo com o tempo (como era previsível) – parei em um onde o Pinhead é enganado por um holograma (talvez o quinto ou sexto), achei isso muito capenga.

Mas este primeiro continua um grande filme, ainda recomendadíssimo!

O Espelho

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Oculus-posterCrítica – O Espelho

Filme de terror novo na área!

Ao completar 21 anos, um jovem sai de uma instituição onde passou os últimos onze anos, acusado de assassinar seus pais. Sua irmã, dois anos mais velha, tenta provar que os crimes foram cometidos por causa de um poder sobrenatural que reside em um espelho que estava na casa onde moravam.

Em 2011, Mike Flanagan chamou a atenção ao escrever, dirigir e editar Absentia, um filme que, apesar de ser quase amador, é melhor do que muita produção bancada por estúdios com grana. O Espelho (Oculus, no original) é seu novo filme, desta vez com mais recursos.

Baseado no curta Oculus: Chapter 3 – The Man with the Plan (de 2006) escrito e dirigido por ele mesmo, Flanagan, co-escreveu um roteiro muito bem construído. A linha temporal do filme se alterna entre o passado e o presente ao longo da projeção, e em momento nenhum o espectador fica perdido. Além disso, o roteiro também é eficiente ao brincar com ilusão versus realidade.

Por outro lado, talvez o filme decepcione alguns, já que é um terror quase sem sustos. E confesso que não gostei dos fantasminhas que aparecem desde a primeira cena. Pelo menos o clima de suspense funciona bem, assim como os discretos efeitos especiais e de maquiagem.

No elenco, Karen Gillan (da série Dr Who, e que estará em breve em Guardiões da Galáxia) segura bem a onda como a protagonista. Mas quem chama a atenção é Katee Sackhoff, a Starbuck de BSG – ela aparece menos, mas está impressionante. Outro “televisivo” é Rory Cochrane, que fazia CSI Miami e também esteve em 24 Horas. Brenton Thwaites, o príncipe de Malévola, fecha o elenco principal, ao lado das crianças Annalise Basso e Garrett Ryan.

Infelizmente, O Espelho só foi lançado em salas da Zona Oeste e Zona Norte do Rio de Janeiro. Algumas distribuidoras acham que ninguém na Zona Sul gosta de filme de terror…

Labirinto – A Magia do Tempo

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labirintoCrítica – Labirinto – A Magia do Tempo

Pro podcast de bonecos, fui rever Labirinto, filme que heu não via desde a época do lançamento nos cinemas.

A adolescente de 15 anos Sarah acidentalmente deseja que seu meio irmão bebê seja levado por Jareth, rei dos duendes, que ficará com o bebê e o transformará em um duende se Sarah não terminar o labirinto em 13 horas.

Lançado em 1986, Labirinto – A Magia do Tempo (Labyrinth, no original) foi o último filme dirigido por Jim Henson, o criador dos Muppets, que viria a falecer em 1990. Baseado num roteiro de Terry Jones (ele mesmo, do Monty Python), e com George Lucas como um dos produtores, Henson fez um dos melhores filmes de fantasia da década de 80.

Os bonecos são muito bem feitos, tanto os marionetes e fantoches, quanto os maiores, com gente dentro da fantasia. Jim Henson não ia dar mole na área onde é especialista, né? E a maior parte dos efeitos especiais continua convincente – a primeira entrada de Sarah no labirinto ainda impressiona!

O elenco tem basicamente três atores – outros aparecem, mas muito rapidamente. David Bowie já era um nome bem famoso na música, e ainda era um ator bissexto. Mas o nome a ser citado é Jennifer Connelly, então com 15 anos, em um de seus primeiros sucessos (ela tinha feito um papel pequeno em Era Uma Vez na América em 1985, e estrelado o underground Phenomena, do Dario Argento, em 86). E chega a dar pena do bebê Toby Froud – que depois, adulto, trabalharia nos efeitos especiais de Crônicas de Nárnia e Paranorman. O menino chora boa parte do filme.

(Dentro dos bonecos, tem algumas pessoas conhecidas, como Frank Oz, Kenny Baker, Warwick Davis, Jack Purvis, Brian Henson e Ron Mueck – hoje conhecido como escultor. Mas não dá pra ver…)

Como ponto fraco, a parte musical de David Bowie perdeu a validade. Nada contra o som ser datado por ter muita cara de anos 80, mas, na boa, não rola um vilão que fica cantando e dançando. Pelo menos a cena com o labirinto “escheriano”, com gravidades em ângulos diferentes, ficou bem legal, apesar da música.

Existem pela internet alguns estudos psicológicos sobre o filme. Pode até existir um fundo psicológico, mas prefiro ver Labirinto como uma fábula. E uma fábula que continua gostosa de se ver.

Khumba

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khumba-posterCrítica – Khumba

Animação feita na África do Sul!

Rejeitada pelo seu supersticioso rebanho, uma zebra que só tem listras em metade do corpo sai em uma missão para tentar encontrar um lago mágico que supostamente poderia completar suas listras.

Khumba é bem feito e bonitinho, mas tem um problema básico: parece uma cópia de Rei Leão usando os personagens de Madagascar. E, na comparação, claro que Khumba sai perdendo.

Produção do estúdio Triggerfish (que lançou Zambézia em 2012), pelo menos animação é de alto nível técnico, nem parece algo off-Hollywood. Conseguimos até ver a textura dos pelos das zebras! E a história, apesar de não ser nenhuma novidade, traz uma boa mensagem para os pequenos – o verdadeiro público do filme.

Pena que o humor do filme é fraco. São poucos os momentos engraçados. E o alívio cômico feito pelo avestruz é tão bobo que chega a ser constrangedor.

Sobre a dublagem brasileira: Sabrina Sato usa o seu sotaque de sempre para fazer a búfala Mama V. Ela deveria ter feito o que Fabio Porchat fez com o Olaf, de Frozen. Porchat interpretou um personagem; Sabrina interpretou ela mesma. Não funcionou, ficou cansativo ouvir aquele sotaque carregado por todo o filme.

Khumba é de 2013, mas ainda não tinha sido lançado. De repente estavam esperando a Copa do Mundo, já que o filme abre e fecha com partidas de futebol (entre zebras, claro). Só acho que podia ter vindo uma semana antes, afinal boa parte das escolas adiantou as férias (meus filhos voltam às aulas segunda que vem…).

A Marca do Medo

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0-A Marca do Medo-poster nacionalCrítica – A Marca do Medo

Mais um filme da “nova Hammer”!

Universidade de Oxford, 1974. Um professor universitário, ajudado por três alunos, realiza um experimento em uma jovem mulher, descobrindo nela forças inesperadas e terrivelmente obscuras durante o processo.

Pra quem não conhece, a Hammer era uma produtora inglesa especializada em filmes de terror, que lançou inúmeros filmes entre as décadas de 50 e 70, quase todos de terror – vários filmes com Drácula, Frankenstein e múmias, e com estrelas como Christopher Lee e Peter Cushing. A Hammer acabou no início dos anos 80, mas voltou à mídia em 2012 com o bom A Mulher de Preto.

Dirigido por John Pogue (Quarentena 2), A Marca do Medo (The Quiet Ones, no original) faz uma mistura entre duas vertentes bastante usadas no cinema contemporâneo de terror: câmera encontrada e casa assombrada. Um dos personagens está filmando os experimentos, assim a câmera encontrada não fica forçada como acontece muitas vezes.

O filme traz alguns bons sustos, mas quase sempre baseados na sonoplastia – de repente, em uma cena silenciosa, ouvimos um barulho alto. Ok, dá susto, mas prefiro quando os sustos fazem parte do filme em si.

Se por um lado a ambientação setentista e os sustos ajudam, por outro lado dois momentos dos efeitos especiais comprometem o filme. Um é bem no meio, durante uma sessão na mesa, quando a boneca queima as mãos de Jane – o efeito criado foge completamente do espírito do resto do filme. E a cena fial tem efeitos tão toscos que parece que a Hammer estava usando tecnologia dos anos 60.

Pelo menos A Marca do Mal não segue o caminho fácil do gore e da violência gratuita. Agora, na minha humilde opinião, acho que podia ter rolardo alguma nudez. São pelo menos dois momentos onde a nudez não seria gratuita (Olivia Cooke e Erin Richards têm cenas na banheira, e Erin ainda se levanta e anda pelo banheiro!), porém o enquadramento corta qualquer nudez.

No elenco, além das já citadas Olivia Cooke e Erin Richards, o filme conta com Jared Harris (Fringe), Sam Claflin (Jogos Vorazes 2) e Rory Fleck-Byrne.

Pena que o resultado final fica devendo. A Marca do Mal não é ruim, mas está bem longe de ser bom.

O Grande Hotel Budapeste

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0-grandehotel budapesteCrítica – O Grande Hotel Budapeste

Outro dia falei que o cinema contemporâneo tem poucos “autores”, e citei como exemplos o Tim Burton e o Terry Gilliam. Olha, a gente precisa incluir o Wes Anderson (Moonrise Kingdom) neste seleto clubinho.

O Grande Hotel Budapeste conta as aventuras de Gustave H, um lendário concierge de um famoso hotel europeu entre as as duas grandes guerras; e Zero Moustafa, o lobby boy que vira o seu melhor amigo.

O Grande Hotel Budapeste (The Grand Budapest Hotel, no original) parece uma fábula. Wes Anderson tem um estilo de filmar onde todas suas cenas parecem mágicas. Parece que estamos lendo um livro de contos infantis!

A fotografia de seus filmes chama a atenção. Arrisco a dizer que o diretor deve ter TOC, cada plano é bem cuidado, tudo simétrico, sempre com o objeto centralizado no meio da tela. Isso, somado a cenários meticulosamente escolhidos e à boa trilha sonora de Alexandre Desplat, torna O Grande Hotel Budapeste um espetáculo visual belíssimo de se ver.

E não é só o visual que chama a atenção. O filme é repleto de personagens exóticos – e, detalhe importante: todos têm sua importância na trama, nenhum parece forçado. E o elenco é impressionante, sugiro checar os nomes no poster – é tanta gente que fica até difícil reconhecer todos ao longo do filme: F. Murray Abraham, Mathieu Almaric, Adrien Brody, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray, Edward Norton, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, Léa Seydoux, Tilda Swinton, Tom Wilkinson e Owen Wilson. Curiosamente, o protagonista é interpretado pelo desconhecido Tony Revolori. Bem, o filme é centrado em dois personagens, não sei exatamente qual do dois seria o principal. Mas sendo que o outro é o Ralph Fiennes, claro que Revolori será chamado de coadjuvante…

Pelo estilo visual de Wes Anderson, talvez O Grande Hotel Budapeste não agrade a todos. Outro problema é que o filme está sendo vendido como uma comédia, e o humor do filme é um humor peculiar, porque diverte mas não causa risadas.

Mas quem entrar no espírito da fábula vai se divertir com a aventura!

Um Time Show de Bola

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Um Time Show de BolaCrítica – Um Time Show de Bola

Hoje tem jogo do Brasil na Copa do Mundo! Que tal um desenho animado sobre futebol?

O jovem Amadeo, apaixonado por totó, é desafiado por Grosso, seu antigo rival de infância, para uma partida de futebol. O problema é que, hoje, Grosso é uma das maiores estrelas do futebol mundial. Como num passe de mágica, os jogadores de totó ganham vida para ajudar Amadeo.

Quatro anos depois de ganhar o Oscar de melhor filme estrangeiro por O Segredo dos Seus Olhos, o diretor argentino Juan José Campanella nos brinda com outra bola dentro. Desta vez, um longa em animação, que já estava sendo produzido desde antes do filme premiado.

Campanella declarou que não dá bola pra futebol. Curiosamente, uma das melhores sequências de O Segredo dos Seus Olhos envolve uma partida de futebol, e o seu filme seguinte, este Um Time Show de Bola (Metegol, no original), é todo centrado no velho esporte bretão…

Tecnicamente falando, a animação é impressionante e não deve nada aos primos ricos de Hollywood. Digo mais: temos alguns ângulos e planos sequência bem criativos ao longo das duas partidas de futebol, tanto a partida de totó quanto o futebol “real”. E, também como acontece com seus semelhantes americanos, Um Time Show de Bola é uma divertida comédia. Alguns lances são hilários!

A bola fora: o desenho argentino sofre um pouco pela comparação óbvia com Toy Story, principalmente o 3. Nada grave, felizmente. Ainda assim, Um Time Show de Bola é uma das melhores animações da história do cinema sul-americano.

Por fim, um detalhe curioso que chama a atenção aqui é que o time “do bem” veste verde e amarelo – num filme argentino! Em uma entrevista, Campanella disse que não queria que o uniforme lembrasse nenhum time existente. Um animador brasileiro de sua equipe sugeriu aquele uniforme, falando que o Brasil não usa listras verticais (como acontece no uniforme argentino). Sei não, mas acho que Campanella foi trollado por esse animador…

Reino de Fogo

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Reino de FogoCrítica – Reino de Fogo

Dragões voadores e cuspidores de fogo surgem de dentro de escavações e começam a destruir o mundo. Anos depois, num cenário pós apocalíptico, os poucos humanos que sobraram lutam para sobreviver.

Não sei por que este Reino de Fogo (Reign of Fire, no original), o ponto alto na carreira de Rob Bowman (Arquivo X – O Filme, Elektra), é pouco badalado. Além de Christian Bale, Matthew McConaughey e Gerard Butler no elenco, o filme tem alguns dos melhores dragões já mostrados no cinema.

Ok, a história é difícil de “comprar”. Logo na primeira cena, quem deixaria um garoto sozinho em uma escavação daquelas? E depois, sério que eles querem que a gente acredite que nenhuma arma de fogo conseguiu derrotar os dragões, e mesmo assim eles vão usar flechas??? Talvez isso funcionasse melhor se a história se passasse na Idade Média, ou então em uma realidade paralela bizarra como João e Maria – Caçadores de Bruxas (clima medieval, mas com armas de fogo). Mas – a trama se situa nos dias atuais! (Tem mais algumas coisas forçadas no roteiro, mas deixa pra lá…)

A boa notícia é que quem aceitar a trama “meio” forçada vai se divertir. O cgi dos dragões é muito bem feito – o filme é de 2002, e mesmo assim os dragões são impressionantes! Digo mais: talvez estes sejam os dragões mais assustadores do cinema até hoje. Diferente do padrão atual que vemos hoje em dia, com dragões inteligentes por aí – Smaug, Banguela, Malévola, Mushu -, os dragões aqui são feras selvagens. E o dragãozão que aparece no fim é provavelmente o maior dragão do cinema (tirando os “alfas” de Como Treinar Seu Dragão 2, que pouco se mexem).

No elenco, os três citados ainda eram nomes menores em Hollywood naquela época – Bale e McConaughey eram estrelas em ascensão (hoje ambos têm Oscars), com alguns bons filmes em seus currículos, mas ainda sem nomes muito fortes; e Butler era apenas um coadjuvante. A ex-bond girl Izabella Scorupco faz o papel feminino principal. Curioso notar que hoje, 12 anos depois, os três homens têm muito mais star power, enquanto Izabella sumiu…

Por fim, rola uma divertida citação ao Império Contra Ataca. Os fãs de Guerra nas Estrelas vão gostar.

Muppets 2: Procurados e Amados

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0-muppets-2-posterCrítica – Muppets 2: Procurados e Amados

Ueba! Os Muppets estão de volta!

Um empresário propõe aos Muppets uma turnê pela Europa. Mas é uma armadilha: Constantine, o sapo mais perigoso do mundo, toma o lugar de Kermit, que é levado para uma prisão na Sibéria, enquanto a trupe participa – sem saber – de assaltos a bancos.

Uma das coisas mais legais dos filmes dos Muppets é como eles usam a metalinguagem. Sempre brincam com a linguagem da tv e do cinema, e nunca levam uma trama a sério. Aqui, isso fica claro logo na primeira cena, um número musical que diz “estamos fazendo uma sequência, que não deve ficar tão boa quanto o primeiro filme” (ao longo da música, um personagem lembra que na verdade este seria o oitavo filme…). Bem, discordo da música. Muppets 2: Procurados e Amados (Muppets Most Wanted, no original) é, na minha humilde opinião, tão bom quanto o filme de 2011.

Mais uma vez dirigido por James Bobin, Muppets 2 traz tudo o que se espera de um filme dos Muppets. O humor presente aqui, nonsense, ao mesmo tempo bobo e inteligente, tem várias piadas internas e situações absurdas (eles vão de trem dos EUA até Berlim!). E alguns números musicais são ótimos (“I’ll Get You What You Want” é sensacional, tanto a música quanto a cena em si).

Li no imdb algumas pessoas criticando os personagens que brincam com clichês europeus. Discordo, é uma piada. Quem se sentiu ofendido deve ser algum chato politicamente correto.

No elenco principal, temos Caco (aqui chamado de Kermit), Miss Piggy, Fozzie, Gonzo, Animal, Walter e um incontável número de outros Muppets conhecidos. Ah, também temos alguns atores “humanos”. Ricky Gervais me pareceu um pouco forçado; já Ty Burrell, de Modern Family, e Tina Fey, de 30 Rock, estão ótimos, mesmo com papeis mais caricatos.

Ainda sobre o elenco, Muppets 2 tem um número incrível de participações especiais, várias delas aparecendo em apenas uma curta cena: Christoph Waltz, Chloë Grace Moretz, James McAvoy, Tom Hiddleston, Salma Hayek, Lady Gaga, Tony Bennet, Zach Galifianakis, Frank Langella, Toby Jones, Ray Liotta, Danny Trejo, Jemaine Clement, Rob Corddry, Miranda Richardson, Saoirse Ronan, Til Schweiger e Stanley Tucci, entre outros. E Céline Dion faz um dos números musicais – ao lado dos Muppets!

Infelizmente, os Muppets hoje em dia não têm muito espaço na mídia, talvez por serem adultos demais para as crianças, e ao mesmo tempo infantis demais para os pais. Mas, na humilde opinião deste que vos escreve, o humor dos Muppets tem a dose ideal. Pena que poucos pensam o mesmo.

p.s.: “Boa Noite, Danny Trejo” concorre fácil ao prêmio de melhor piada do ano!

Paixão Inocente

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breathe_inCrítica – Paixão Inocente

Uma estudante de intercâmbio vai para uma cidade no subúrbio de Nova York e acaba mudando a dinâmica dos relacionamentos da família que a acolhe.

Sabe quando um filme é “correto”, mas está longe de ser bom? Co-escrito e dirigido por Drake Doremus, Paixão Inocente (Breathe In, no original) é assim. A história é simples e previsível (quem não previu o acidente de carro?). A gente já viu esse enredo um monte de vezes…

O elenco também está apenas ok. Guy Pearce é um bom ator, mas o papel não ajuda. Felicity Jones é bonitinha, mas seu papel é bobinho. Completam a família Amy Ryan e Mackenzie Davis. E ainda rola uma participação especial não creditada de Kyle MacLachlan em uma cena.

Se salva a parte musical. A cena que Sophie toca piano é a única cena do filme que me surpreendeu. Mas surpreendeu apenas pela técnica da atriz (ou dublê), porque todo mundo já sabia que a personagem ia revelar que tocava piano.

Enfim, quem for pouco exigente pode gostar. Mas quem quiser algo com mais “substância” pode procurar outra coisa.