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King’s Man: A Origem

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Crítica – King’s Man: A Origem

Sinopse (imdb): Um spinoff da franquia Kingsman sobre essa organização de espiões no início do século XX.

Ah, a expectativa. Já falei aqui diversas vezes, quando a gente cria expectativas, a chance de uma decepção é grande.

Gosto muito do primeiro Kingsman, um excelente filme com cenas de ação insanas e um humor no ponto exato. O segundo é mais galhofa, mas ainda é muito divertido. Fui ao cinema querendo ver algo nessa pegada. Mas esse terceiro filme é muito mais sério. Poucas cenas de ação, e quase nada de humor. E, pra piorar, o filme demora muito tempo no setup inicial, quase uma hora até as coisas começarem a acontecer.

E aí vem a minha dúvida: o problema foi do filme, ou heu que queria ver uma coisa e me foi apresentada outra? Pelo meu head canon, afirmo: achei uma decepção. Talvez vendo uma segunda vez heu mude de ideia, mas, dessa primeira vez, não curti.

Uma coisa que achei estranha foi que é do mesmo Matthew Vaughn que dirigiu os outros dois. Se tivesse mudado o diretor, dava pra entender a mudança de estilo, mas, sendo escrito e dirigido pelo mesmo cara, por que ele resolveu mudar?

Este filme traz uma coisa curiosa. Assim como Tarantino fez em Bastardos Inglórios e Era uma Vez em Hollywood, este King’s Man: A Origem traz personagens históricos reais dentro da trama do filme. Li uma crítica onde falavam que isso era um problema, porque você já sabe o destino de alguns personagens. Mas, admito, falha minha, conheço pouco sobre a história da primeira guerra mundial, então não sabia de nenhum dos acontecimentos.

O primeiro filme tem uma sequência sensacional, que poderia estar em listas de melhores sequências da história do cinema, a cena da igreja. A cena é extremamente bem filmada, e além disso ela tem uma importância muito grande na narrativa, porque o espectador se pergunta “e agora, pra onde a história vai?” Neste novo filme, não tem nenhuma cena que chama a atenção tecnicamente falando, mas tem um desses momentos de “pra onde a história vai?”. Sem spoilers, mas a parte na guerra me causou essa boa estranheza.

O elenco é bom. Como esse filme se passa cem anos antes do primeiro Kingsman, claro que não tem ninguém dos outros filmes – tive a impressão de ter visto Mark Strong na cena final, mas precisaria rever pra ter certeza, no imdb não fala nada. Ralph Fiennes manda bem como o protagonista, e se tiver que dar um destaque, vou de Rhys Ifans (irreconhecível) como Rasputin. Também no elenco, Gemma Arterton, Harris Dickinson, Djimon Hounsou, Matthew Goode, Charles Dance, Alexandra Maria Lara, Daniel Brühl, Tom Hollander e participações menores de Aaron Taylor-Johnson e Stanley Tucci.

King’s Man: A Origem estreia nos cinemas esta semana. Vou tentar rever pra ter uma segunda opinião.

Turma da Mônica: Lições

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Crítica – Turma da Mônica: Lições

Sinopse (filmeB): Mônica, Cebolinha, Magali e Cascão fogem da escola. Agora, terão que encarar as suas consequências, e elas não serão poucas. Nesta nova jornada, a turma descobrirá o real valor e sentido da palavra amizade.

Não vi a sessão de imprensa de Turma da Mônica Lições, fui em uma sessão normal, com meus filhos. E, preciso dizer, que filme gostoso! Que filme agradável! Acabou o filme, estava feliz, já com vontade de rever!

Normalmente consigo separar o lado crítico do lado espectador de cinema – só não consigo quando é Guerra nas Estrelas, porque aí admito que o lado fanboy fala mais alto. Vejo filmes de super heróis sem envolver o lado fã. Mas, desta vez, a cada easter egg que aparecia na tela, era mais um momento de felicidade.

Temos vários personagens novos, que não estavam no primeiro filme. Mas não vou entrar em detalhes sobre quem aparece além dos quatro principais, porque pra mim cada um deles que aparecia era uma agradável surpresa – principalmente porque as aparições são incluídas de maneira orgânica na história, tipo, o Cebolinha tem problemas de fala e vai a uma fonoaudióloga, e na recepção ele conhece um menino loiro que não fala, só fala “hum” “hum”. Droga, falei um dos personagens novos…

Já que falei um personagem, preciso falar de outro. O Do Contra é um alívio cômico perfeito! São várias sacadas geniais e engraçadíssimas! E adorei ver a Tina e o Rolo!

(Tem outros personagens que aparecem em objetos de cena ou desenhados, como um Piteco no quadro negro ou um chaveiro do Bugu. Prestem atenção nos detalhes!)

Várias gerações leram os gibis da Turma da Mônica. Lembro da minha infância, heu lia direto Disney e Turma da Mônica. Fui ficando mais velho e fui refinando a minha leitura, lembro que no início lia qualquer coisa da Disney, depois passei a curtir só as historinhas brasileiras (lembro do Biquinho, sobrinho do Peninha um personagem excelente, que se não me engano era brasileiro); e também curtia umas histórias do Pato Donald e Tio Patinhas, sempre em aventuras épicas, que anos mais tarde descobri que eram as histórias escritas por Carl Barks (e anos depois consegui colecionar os volumes da Obra Completa de Carl Barks). E comecei a falar de Turma da Mônica e me perdi e tô falando de Disney, mas é que dei essa volta toda pra falar que com o tempo me cansei um pouco das histórias, principalmente da Magali sempre comendo, do Cascão sempre fugindo do banho e da Mônica sempre muito forte – Cebolinha tinha muitas histórias de planos infalíveis, mas era menos monotemático. Nessa época passei a curtir mais o Chico Bento, que não tinha um clichê tão marcante.

Isso tudo foi pra dizer que esses clichês são abordados no filme, e são muito bem trabalhados. Se nos quadrinhos essas características cansavam por causa da repetição, aqui no filme não tinha tempo pra repetição, viraram problemas próximos dos vividos por crianças reais.

A direção é mais uma vez de Daniel Rezende, que também dirigiu o primeiro filme. Não tenho muita coisa pra falar da parte técnica, a não ser que tudo funciona redondinho. Logo no início a gente vê o cuidado da produção, tem uma cena que alterna trechos da peça Romeu e Julieta com os ensaios. Iluminação, cenários e figurinos diferentes se alternando num efeito simples e eficiente.

Quem me conhece sabe que curto plano sequência. Tem um, rapidinho, mas bem sacado, a Magali está numa aula de culinária, com outras crianças, a câmera sai com as outras crianças e quando volta ela comeu tudo. Outro detalhe simples e eficiente.

Ah, falei de Romeu e Julieta, a peça shakespeariana é parte essencial na trama!

O elenco é ótimo. Giulia Benite, Kevin Vechiatto, Laura Rauseo e Gabriel Moreira voltam aos seus papeis, e os quatro são ótimos e muito carismáticos, a gente acaba o filme com vontade de estar mais perto dessa turminha, quero muito ver o terceiro filme da série. Malu Mader aparece em um papel pequeno. E Isabelle Drummond, que foi a Emília em uma das versões do Sítio do Pica Pau Amarelo, interpreta a Tina – nada mal, dois papéis importantes em duas obras essenciais da literatura infanto juvenil brasileira. Ah, sim, tem uma participação do Maurício de Souza!

O filme traz uma mensagem que é possível crescer sem deixar de ser criança, e isso é a minha cara. Fiz 50 anos ano passado, mas ainda não sei quando serei adulto. Me considero um bom pai, me considero responsável com meus compromissos profissionais, mas isso não me impede de continuar pensando como criança. Velhos são os outros!

O roteiro tem umas partes meio forçadas, principalmente perto da conclusão, mas, assim como aconteceu com o último Homem Aranha, Turma da Mônica Lições é um filme tão empolgante que a gente deixa isso tudo pra lá.

Foi o primeiro filme que vi no cinema em 2022, mas já arrisco dizer que estará no meu top 10 daqui a 12 meses!

Tem uma cena pós créditos – na verdade, bem no início dos créditos, que traz um gancho para o terceiro filme, e que vai explodir a cabeça de muita gente. Mas não vou falar mais nada!

Não Olhe Para Cima

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Crítica – Não Olhe Para Cima

Sinopse (imdb): Conta a história de dois astrônomos que participam de uma gigantesca cobertura de imprensa para alertar a humanidade sobre a aproximação de um cometa que destruirá a Terra.

Um pouco atrasado, vamos falar de Não Olhe Para Cima. Ia escrever aqui semana passada, mas resolvi fazer os posts de retrospectiva e expectativas. Bem, vamos ao filme.

Tem dois tipos de pessoas que se incomodaram com Não Olhe Para Cima – existe o lado social e o lado cinematográfico. Vamos por partes. Não Olhe Para Cima é o filme novo de Adam Mckey. Se a gente analisar os seus dois últimos filmes, podemos ver um padrão em pelo menos dois aspectos: um bom trabalho com os atores, e uma edição nada convencional. Essa parte da edição sei que vai incomodar muita gente. Pra citar um exemplo claro: em Vice, seu filme anterior, sobem os créditos finais no meio do filme! Aqui em Não Olhe Para Cima não tem nada tão radical, mas mesmo assim, estamos longe da narrativa convencional (em determinado momento do filme aparece um QR Code na tela, que direciona a um clipe da Ariana Grande).

Pra curtir Não Olhe Para Cima tem que embarcar na proposta do diretor. Conheço gente que simplesmente largou o filme no meio por causa dessas maluquices.

Além disso tem a parte ideológica. Não Olhe Para Cima foi criado para criticar o aquecimento global. Mas, pelo menos aqui no Brasil polarizado de 2021, virou uma cutucada explícita nos negacionistas da vacina. E vários aspectos são muito semelhantes a situações vividas aqui no Brasil, inclusive tem personagens que parecem inspirados em pessoas da nossa política. Mas, existem dezenas de textos analisando o filme sob este ângulo, então aqui no heuvi vou focar mais no lado cinematográfico, ok?

O destaque, claro, é o elenco. Só de ganhadores do Oscar, são cinco: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Cate Blanchett e Mark Rylance; e ainda tem outros dois que já foram indicados (Jonah Hill e Timothée Chalamet). E ainda tem Rob Morgan, Ron Perlman, Tyler Perry, Ariana Grande, Himesh Patel e Melanie Lynskey. E ainda tem uma ponta do Chris Evans!

De um modo geral, todos estão bem. Se for pra escolher um destaque, seria o Leonardo DiCaprio, quem tem um personagem melhor desenvolvido e com mais camadas. E se for escolher um destaque negativo, seria Meryl Streep. Não, ela não está mal, Meryl Streep não consegue atuar mal nunca, mas ela está apenas ok. Já vi filmes fracos onde o destaque era a atuação da Meryl Streep, ela estar apenas ok não é aceitável.

(Uma pequena curiosidade: o personagem de DiCaprio é casado com Melanie Lynskey. E cada um dos dois tem um filme marcante na carreira onde o par romântico é a Kate Winslet – Titanic (97) e Almas Gêmeas (94).)

O roteiro e a direção de Adam McKay acertam o ponto exato da comédia. No início de sua carreira, McKay fez alguns filmes com Will Ferrell, filmes que até têm seus bons momentos, mas têm muitas piadas bobas. Depois McKay entrou numa fase mais “séria”, trocando o humor escrachado pela ironia, nos filmes A Grande Aposta e Vice. Na minha humilde opinião, Não Olhe Para Cima é o seu melhor trabalho, com uma edição precisa e bons efeitos especiais nos momentos do meteoro.

Teve uma coisa que não gostei. A ameaça é mundial, e quase todo o filme só mostra como se fosse um problema só nos EUA – tem uma breve cena onde falam de um plano frustrado envolvendo China, Rússia e Índia. Acho que seria melhor mostrar núcleos em outros países, a trama ia ficar mais rica.

Mesmo assim, o resultado final ficou muito bom. É uma comédia com humor ácido, que acerta o ponto exato na crítica.

Ah, são duas cenas pós créditos. Tem uma piadinha lááá no fim, coisa incomum quando se trata de Netflix – normalmente eles não deixam ver os créditos e te jogam pra ver outro filme / série.

Matrix: Ressurrections

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Crítica – Matrix: Ressurrections

Sinopse (imdb): Regresse a um mundo de duas realidades: uma, a vida quotidiana; a outra, o que fica para trás. Para descobrir se a sua realidade é uma construção, para se conhecer a si próprio, o Sr. Anderson terá que seguir o coelho branco.

Alguns amigos estavam com expectativa alta para este novo Matrix, mas preciso dizer que minha expectativa era zero. O primeiro é realmente muito muito bom, mas suas continuações são bem fracas.

A gente tem que reconhecer que o Matrix de 1999 é um marco na história do cinema. O filme levantava questões filosóficas ao mesmo tempo que explodia cabeças com efeitos especiais nunca vistos anteriormente. Mas, as Wachowski parecem ser diretoras de um filme só, seu currículo é repleto de filmes ruins (além dos Matrix 2 e 3, elas fizeram Ligadas Pelo Desejo, Speed Racer, Destino de Júpiter e Cloud Atlas – ou seja, nenhum filme relevante).

Com expectativa lá embaixo, fui ao cinema ver o novo, Matrix Ressurrections, agora dirigido só por Lana Wachowski (primeiro longa sem a irmã Lilly Wachowski). E, olha, gostei da primeira parte do filme!

O filme começa numa boa sacada de metalinguagem. Os anos se passaram, e a gente vê um Thomas Anderson que criou uma trilogia de videogames Matrix e ganhou vários prêmios em 1999, e hoje vive com a sombra do passado brilhante enquanto vive um presente medíocre, ao mesmo tempo que sofre pressão para voltar à franquia e criar o Matrix 4. Não li sobre bastidores da produção, mas provavelmente deve ser um reflexo do que a diretora Lana Wachowski vive hoje.

Enquanto o filme está nessa onda de metalinguagem, rolam várias sacadas muito boas. Tem uma sequência excelente alternando reuniões de brainstorm e um Thomas Anderson desnorteado, tudo isso ao som de White Rabbit do Jefferson Airplane.
Mas aí Thomas Anderson resolve tomar a pílula vermelha e o filme resolve voltar a ser igual ao Matrix de 99…

(Sei não, mas nos últimos 20 anos o significado de “pílula azul” mudou, mas deixa pra lá).

Não sei se é correto dizer que a segunda parte de Matrix Ressurrections é ruim. Mas é uma cópia barata do primeiro Matrix – assim como os outros dois, Matrix Reloaded e Matrix Revolutions.

E aí a gente lembra que o primeiro filme foi 22 anos atrás, e que muita coisa tecnológica evoluiu de lá pra cá. Se Matrix falava de máquinas controlando homens, o novo filme poderia atualizar esse tema entrando nas Inteligências Artificiais que tanto se intrometem na nossa vida atual. Que nada, o filme nem entra nesse assunto.

E a gente fica se perguntando pra que ver mais um filme da franquia, se não traz nada de novo. E ainda tem uma parte no fim onde tem um plano tão enrolado e tão explicado que me senti num filme do Christopher Nolan.

Pelo menos o filme é tecnicamente bem feito. A parte técnica dos filmes das Wachovski sempre foi muito bem cuidada, e, se aqui o filme não traz nada de novo como o efeito bullet time de 1999, pelo menos os efeitos são bons (teve um detalhe que aparece no início que achei bem legal, mas não voltaram a isso, que são portais que não estão no mesmo eixo). Agora, teve uma cena que me pareceu fora do “estilo Matrix”. A cena do trem é confusa e as lutas são mal coreografadas. Achei uma cena fora da curva – no mau sentido.

Outra coisa me incomodou: o Keanu Reeves com visual de John Wick. Sei que às vezes um ator precisa manter um visual por um personagem, mas não acredito que uma super produção como Matrix tenha problemas em pedir para um ator mudar o visual. Ficou muito estranho.

Reeves está ok, ele não é um grande ator, mas sempre funciona. Gostei da volta da Carrie-Anne Moss, ela está muito bem. Por outro lado, não gostei da substituição do ator do Morpheus, Laurence Fishburne não voltou, sei lá por qual motivo, e ele foi substituído por Yahya Abdul-Mateen II. Até aí, ok, atores são substituídos desde sempre na história do cinema. O problema é que o tempo todo aparecem imagens do Morpheus do Laurence Fishburne – tem até uma estátua dele! Se é pra trocar o ator, que se troque de uma vez, ficar mostrando os dois foi esquisito. Também voltam ao elenco Jada Pinkett Smith, e Lambert Wilson aparece numa divertida participação pequena. De novidade, temos Neil Patrick Harris, Jonathan Groff, Jessica Henwick e Priyanka Chopra Jonas, e uma rápida aparição da Christina Ricci.

No fim, fica sensação de oportunidade perdida. Pena. Fiquem com o primeiro.

As Passageiras

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Crítica – As Passageiras

Sinopse (imdb): Um jovem motorista conduz duas mulheres misteriosas de festa em festa durante uma noite em Los Angeles, mas, quando elas revelam quem realmente são, ele precisa encarar um perigoso submundo e lutar por sua vida.

Uma coisa que falo sempre é pra guardarmos o nome do diretor. Adam Randall me chamou a atenção com À Espreita do Mal, seu primeiro longa. Claro que queria ver seu segundo longa.

Pena que o resultado não ficou tão bom. As Passageiras (Night Teeth, no original) é bem mais fraco que seu primeiro filme. Não que As Passageiras seja exatamente ruim. Mas o problema é que é um filme genérico, e parece feito sem nenhum cuidado.

A narrativa se divide em duas tramas. Temos a trama principal, onde o jovem e ingênuo Benny é um motorista meio deslumbrado com suas passageiras vampiras. E tem uma trama paralela com Jay, um caçador de vampiros. A trama principal é ok, Benny é um personagem carismático, e as duas vampiras Blaire e Zoe são bons personagens. Mas a trama secundária é bem ruim. O filme começa com uma introdução que fala em uma trégua entre humanos e vampiros, e o que a gente vê é uma história de um vampiro tentando tomar o poder sobre outros vampiros, sem se importar com os humanos. Enquanto isso um caçador tenta caçar, acompanhado de um pequeno grupo. Cadê a grande guerra anunciada no prólogo? Pra que colocar isso num prólogo se essa história não vai ser desenvolvida?

E quando falei que é um filme sem cuidado é por causa de algumas pequenas inconsistências ao longo da projeção. Por exemplo, determinado momento o Benny tenta fugir, mas a vampira mostra que é muito mais rápida que ele. Ok, vampiros são mais rápidos que humanos. Mas pouco depois tem uma cena onde as vampiras brigam com humanos, e cadê aquela super velocidade? A cena é até boa, mas só se a gente esquecer o que acabou de ver.

E tem outra coisa que me incomodou, que é um flerte entre uma vampira e um humano. Sei lá, até hoje sempre vi em filmes de vampiro outro tipo de sedução, não um flerte bobinho onde os pombinhos apaixonados vão sentar num banco à beira da piscina pra ficar de papo mole pra comer gente.

No elenco, o trio principal é de desconhecidos: Jorge Lendeborg Jr., Debby Ryan e Lucy Fry. Nomes mais famosos têm papeis menores – Alfie Allen (Game of Thrones) tem um papel secundário, e a dupla Megan Fox e Sydney Sweeney só aparece em uma cena.
No fim, fica a sensação de que estamos vendo um filme genérico. E, pra piorar, o filme tem gancho pra continuação.

Finch

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Crítica – Finch

Sinopse (imdb): Finch, o único sobrevivente do apocalipse em St. Louis, constrói um robô para seu cão. Eles viajam para o oeste para escapar do tempo severo. O robô aprende com Finch.

Quando a gente lê sobre este Finch, a gente logo lembra de um dos papéis mais famosos do Tom Hanks, o náufrago que passa quase o filme inteiro sozinho. Só que Finch lembra mais filmes como Moon ou Ex Machina, onde há uma grande interação com um robô / inteligência artificial.

Digo isso porque o robô Jeff é uma das melhores coisas do filme dirigido por Miguel Sapochnik (Repo Men). Tanto pela parte técnica quanto pelo personagem em si. Não vi nenhum making of, não sei o que é animatronic e o que é cgi (desconfio que devia ter um boneco no set para interagir com o ator, e que toda a movimentação seja cgi). Mas, não importa. O que interessa é o resultado que ficou perfeito.

E não é só a parte técnica. Ingênuo, curioso e colaborativo, o robô tem mais carisma que muito ator de pele e osso. Em sua jornada para entender como um humano pensa, ele conquista o espectador.

Agora, o roteiro é fraco. A jornada de Finch, seu cachorro e seu robô é muito simplificada. A gente não tem nenhum aprofundamento sobre o que aconteceu com o mundo, ou sobre outras pessoas neste mundo pós apocalíptico. Determinado momento do filme, parece que a trama vai seguir esse caminho do confronto com outros sobreviventes, mas logo abandonam esse plot. Aliás, toda essa sequência ficou jogada de qualquer maneira, se tirassem esse trecho, não mudava nada no filme.

Vale pelo robô. Mas tem coisa melhor por aí.

Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa

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Crítica – Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa

Sinopse (imdb): Com a identidade do Homem-Aranha revelada, Peter pede ajuda ao Doutor Estranho. Quando um feitiço corre mal, inimigos perigosos de outros mundos começam a aparecer, forçando Peter a descobrir o que realmente significa ser o Homem-Aranha.

Se existe um filme que pode ser chamado de “o filme mais aguardado de 2021”, é este novo Homem Aranha. Desde que saiu o primeiro trailer, que mostrou o Dr Octopus do Alfred Molina, repetindo o papel do do filme de 2004, quando era outro ator fazendo o Homem Aranha, os nerds estão pirando pela internet. Afinal, há poucos anos tivemos o desenho do Aranhaverso, que trazia diferentes Homens Aranhas – será que isso seria possível num filme live action? Outros vilões apareceram nos trailers seguintes, mas…

Mas, não vou entrar em spoilers. Aqui neste texto o limite do spoiler é o trailer: trabalharei apenas com a informação que já temos: existem vilões dos outros dois Homens Aranha.

Mais uma vez dirigido por John Watts, Homem Aranha: Sem Volta Para Casa (Spider-Man: No Way Home, no original), este novo filme continua e redireciona a história deste Peter Parker dentro do MCU, por um caminho que acho que ninguém poderia imaginar. E arrisco dizer: os fãs do Aranha sairão do cinema emocionados.

Para a surpresa de ninguém a parte técnica enche os olhos. Os efeitos especiais são perfeitos. Em determinado momento do filme eles entram no mundo espelhado do Dr Estranho, onde cidades se dobram parecendo um grande caleidoscópio. E não são só os efeitos: logo no início, a gente é apresentado a toda a situação do Peter Parker num bem sacado plano sequência dentro do apartamento.

É complicado de falar sobre o elenco porque entramos na área cinza dos spoilers. Mas, combinei que o que está no trailer pode ser comentado, né? Então queria elogiar o Willem Dafoe, que consegue convencer com todas as nuances do Norman Osborne / Duende Verde.

Se tem um ponto negativo, heu diria que é a participação do Doutor Estranho. Nada contra o ator, mas o personagem convenientemente sai de cena por um bom tempo, e volta só na hora que o roteiro precisa. Estragou o filme? Não. Mas forçou a barra.

Queria comentar a trilha sonora, mas posso cair no mesmo problema dos spoilers. Só digo que o Michael Giacchino mandou bem mais uma vez.

Recentemente tivemos a notícia que este Home Aranha do Tom Holland terá mais três filmes. O fim de Homem Aranha: Sem Volta Para Casa encaminha para este quase reboot. Teremos o mesmo ator, mas o Aranha será diferente no futuro do MCU.

Como acontece tradicionalmente nos filmes do MCU, são duas cenas pós créditos, uma depois dos créditos principais, com uma cena que será importante para o futuro do MCU; e, no fim de tudo, em vez de uma cena pós créditos, temos quase um trailer do vindouro filme do Doutor Estranho. Meio frustrante, preferia ver uma cena pós créditos do que uma propaganda.

Te Pego Lá Fora

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Crítica – Te Pego Lá Fora

Sinopse (imdb): Um nerd se mete em problemas com o novo bandido, um garoto mau que o desafia a lutar em sua escola secundária após o fim do dia.

Te Pego Lá Fora (Three O’Clock High, no original) é um clássico filme de sessão da tarde sobre high school americana. Mas, ao mesmo tempo, é um filme que é muito mais do que isso.

Na trívia do imdb, encontrei uma citação que exemplifica bem o que quero dizer. O diretor Phil Joanou, estreante, disse que se inspirou em Depois de Horas e Touro Indomável antes de filmar. Steven Spielberg, que era produtor executivo, foi ver o filme achando que seria algo na pegada de Karate Kid. Depois do filme assistido, ele teria perguntado a Joaunou: “O que aconteceu com Karatê Kid? Você fez um filme do Scorsese!”

O roteiro de Te Pego Lá Fora tem todos os clichês de filmes de high school dos anos 80. Mas o modo como foi filmado em nada se assemelha àqueles filmes. O modo como Joanou posiciona e movimenta a sua câmera é diferenciado.

Curiosamente, o diretor Phil Joanou não tem um grande currículo no cinema. Ele é mais conhecido por vários trabalhos junto com a banda U2 – inclusive, ele dirigiu o famoso documentário Rattle and Hum. O mesmo comentário posso fazer sobre o elenco. Te Pego Lá Fora não tem nenhum ator que ficou conhecido. Só pra dar um exemplo, o protagonista Casey Siemaszko era um dos caras que andava ao lado do Biff em De Volta para o Futuro – coadjuvante do coadjuvante! É, aqui não tem muito o que falar sobre os atores.

Uma coisa curiosa sobre o elenco era a idade dos dois principais. Não sei quando foi filmado, mas Te Pego Lá Fora foi lançado em 1987, e tanto Casey Siemaszko quanto Richard Tyson nasceram em 1961 – eles interpretavam adolescentes de 16 ou 17 anos, mas já tinham 26! O diretor Phil Joanou também é de 61, ele é alguns meses mais novo que os seus “adolescentes”.

O roteiro de Thomas Szollosi e Richard Christian Matheson, filho do famoso Richard Matheson (Amor Além da Vida, Eu Sou a Lenda) traz vários clichês de filmes de high school, mas está longe de ser um roteiro ruim. Quase toda a trama se passa em um único dia (só no finzinho do filme a gente vê o dia seguinte), e durante toda a projeção a gente fica acompanhando um relógio marcando a hora, acentuando a tensão que paira no ar, contando os minutos que faltam para a briga.

A trilha sonora é da banda Tangerine Dream, que fez dezenas de trilhas na época. O curioso é que não lembro de nenhum tema composto por eles…

A bilheteria não foi boa, o filme custou 6 milhões de dólares e rendeu menos que 4 milhões. Injusto, este filme merecia uma bilheteria melhor.

Steven Spielberg foi produtor executivo deste filme, mas, sabe-se lá por qual motivo, pediu pra tirar o nome dos créditos (ouvi falar de uma briga com Aaron Spelling, que era outro produtor executivo). Rolam boatos pela internet que Spielberg teria dirigido uma cena do filme, a cena no fim onde a professora volta e beija o protagonista. Hoje em dia algo assim nunca aconteceria, mas, nos anos 80, a galera era mais relaxada neste assunto. Enfim, a cena ficou bem divertida.

Por fim, queria falar de uma teoria maluca que rola na internet, de que este colégio seria o mesmo de Curtindo a Vida Adoidado. A atriz Annie Ryan, que aqui tem um papel importante, fez uma ponta no filme do Ferris Bueller.

Amor, Sublime Amor

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Crítica – Amor, Sublime Amor

Sinopse (imdb): Uma adaptação do musical de 1957 que explora o amor proibido e a rivalidade entre os Jets e os Sharks, duas gangues de rua de adolescentes de diferentes origens étnicas.

Outro dia falei aqui de Tick Tick Boom, que citava Stephen Sondheim. E olha só a coincidência: hoje é dia de falar de um musical escrito pelo próprio Sondheim (que infelizmente faleceu menos de um mês antes da estreia do filme).

Amor Sublime Amor (West Side Story, no original) é a refilmagem do clássico homônimo lançado em 1961, que por sua vez era a adaptação do musical da Broadway de 1957. O filme de 1961 é o musical mais bem sucedido da história do cinema, ganhou 10 Oscars (incluindo melhor filme, melhor diretor e melhor roteiro adaptado), 3 Globos de Ouro e 2 Grammys. A história se baseia no clássico Romeu e Julieta, onde dois jovens de universos rivais se apaixonam.

Gosto de musicais, mas nunca vi a peça e nem me lembro se já tinha visto o filme Amor Sublime Amor. Mas o que me interessava aqui era o diretor. É a primeira vez que Steven Spielberg dirigiu um musical. Sou fã do Spielberg, assumo. Cada filme novo que ele faz é bem vindo!

Você pode falar várias coisas negativas sobre o Spielberg, mas ninguém pode falar que o cara não sabe filmar. Aliado ao habitual diretor de fotografia Janusz Kaminski, Spielberg apresenta um filme com o visual fantástico, São várias cenas que enchem os olhos. Só pra citar um exemplo: a cena onde vai ter a briga começa com a câmera no teto, vendo as sombras das duas gangues rivais entrando. Ficou muito legal. Ou então a cena onde Tony conhece Maria, que tem tantos lens flare que lembrei do JJ Abrams.

Agora, tenho um comentário negativo, de alguém que não viu a peça e não se lembra do filme de sessenta anos atrás. Em termos cinematográficos, achei ruim a ordem das músicas. A trama vai num crescente até o clímax que é a luta entre as gangues. E depois disso ainda tem 40 minutos de filme! A música seguinte mostra a protagonista feminina numa grande loja de departamentos, e a gente se pergunta “pra que? A história já acabou!”. No teatro podia funcionar, mas no cinema seria melhor outra ordem das músicas.

No elenco principal, acho que o único que heu conhecia é Ansel Elgort, protagonista de Baby Driver (filme que considero um “musical diferente”). O papel principal feminino é da estreante Rachel Zegler, que ganhou um teste de elenco com 30 mil candidatas. Gostei de Mike Faist, que faz o Riff; e de Ariana DeBose, que faz a Anita. E, para os fãs do filme de 60 ano atrás, Rita Moreno, que fez a Anita naquela versão (e ganhou o Oscar pelo papel) está de volta para outro papel secundário.

Antes de terminar o texto, preciso falar das legendas. São dois grande problemas. O primeiro descobri que a culpa não é da distribuição brasileira: os diálogos em espanhol não têm legendas. Spielberg declarou que queria apenas atores latinos para os papeis dos porto-riquenhos, e até aí ele está super certo e ninguém vai discordar. Mas, o que as legendas têm a ver com isso? Segundo o imdb, Spielberg teria dito “Se eu legendasse o espanhol, estaria simplesmente sobrepondo o inglês ao espanhol e dando ao inglês o poder sobre o espanhol. Isso não ia acontecer nesse filme, eu precisava respeitar a língua o suficiente para não legendar.” Desde quando legendar um diálogo em outra língua é um desrespeito??? Desculpa, Spielberg, sou seu fã, mas desta vez você pisou na bola.

A outra crítica é pra quem fez as legendas que estavam na sessão de imprensa – ou seja, provavelmente estarão nas cópias em cartaz. Em vez de traduzir as canções, rolou uma adaptação. Não sei se o tradutor usou alguma versão pré existente com outra letra, ou se simplesmente quis adaptar as sílabas à melodia, mas, o fato é que na tela a gente ouve uma coisa e lê outra. Ficou bem difícil acompanhar o filme assim.

Morra

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Crítica – Morra / Why Don’t You Just Die! / Papa, sdokhni

Sinopse (imdb): Andrei, um detetive e o pai mais horrível do mundo, reúne em seu apartamento um grupo terrível de pessoas: sua filha atriz, um bandido furioso e um policial iludido. Cada um tem um motivo para querer vingança.

Pensa numa mistura entre Jean Pierre Jeunet e Quentin Tarantino. Este Morra! parece uma versão de Cães de Aluguel dentro dos cenários de Delicatessen.

(Me lembrei de Crimewave, do Sam Raimi. Mas faz muito tempo que não revejo Crimewave, não me lembro se realmente tem algo a ver ou se é coisa da minha cabeça.)

A história do filme escrito e dirigido por Kirill Sokolov é simples. Um cara vai visitar o sogro com intenção de matá-lo com um martelo. Só que o cara é duro na queda, e várias complicações vão aparecendo ao longo dessa jornada – complicações pra todos os lados.

Falei aqui recentemente de Copshop, que é um filme com poucos atores em uma única locação. Morra tem a estrutura parecida. Quase todo o filme se passa no apartamento, e basicamente só temos cinco personagens. Até tem algumas cenas com outros atores e em outros cenários, mas pouca coisa.

Aliás, o apartamento é um cenário que vai se deteriorando ao longo do filme. É muito comum um filme não ser filmado na ordem que se passa na tela, mas fiquei vendo os cenários cada vez mais destruídos e sujos ao longo da projeção. Este filme deve ter sido filmado na ordem “certa”.

É bom avisar, Morra é MUITO violento. Tem sangue cenográfico abundante. Mas é aquela violência estilizada e às vezes engraçada – sim, tem bastante humor negro.

Além da fotografia, gostei de como Sokolov movimena a câmera entre os personagens. Alguns efeitos especiais são simples e eficientes, como a cena da televisão. E ainda tem uma cena que parece faroeste, com direito a trilha sonora lembrando Ennio Moricone.

O filme entra numa espiral de coisas dando errado uma atrás da outra. E posso dizer que gostei de como a história concluiu.