Uma Cilada Para Roger Rabbit (1988)

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roger rabbitCrítica – Uma Cilada Para Roger Rabbit

Hora de rever o genial Roger Rabbit!

Um detetive alcoólatra que odeia desenhos é a única esperança de um coelho quando este é acusado de assassinato.

Lançado em 1988, Uma Cilada Para Roger Rabbit (Who Framed Roger Rabbit, no original) foi um filme revolucionário. Misturar atores “live action” com desenhos animados não era novidade, mas isso sempre acontecia com a câmera parada, e o desenho em apenas duas dimensões – era um ator e uma “folha de papel”. Aqui, os desenhos tinham volume, e a câmera não era estática. Pela primeira vez tínhamos desenhos “sólidos” contracenando com atores! E precisamos nos lembrar que não existia cgi – foi tudo desenhado na mão!

Uma Cilada Para Roger Rabbit tinha outra característica incomum. Devido a uma série de acordos entre diferentes estúdios, nós temos personagens de universos diferentes interagindo. Em uma cena, Patolino e Pato Donald tocam piano; em outra, Mickey e Pernalonga pulam de paraquedas. São vários os personagens da Disney e da Warner, além de outros como Betty Boop, Droopy e Pica-Pau. Não me lembro, na história do cinema, de um “crossover” de personagens tão expressivo como este.

Tudo isso seria pouco importante se o filme fosse fraco – o que felizmente não é. Uma Cilada Para Roger Rabbit é divertidíssimo, traz uma boa homenagem aos filmes noir, no personagem Eddie Valiant, e ao mesmo tempo ao humor de desenhos animados antigos. O humor presente no filme é genial! A sequência inicial – o curta do bebê procurando os biscoitos – é de rolar de rir. E ao longo do filme vemos várias cenas com este estilo de humor absurdo, sempre com um pé no humor negro – como nos bons tempos dos desenhos do Pernalonga, do Pica Pau e do Tom & Jerry (que não estão no filme, infelizmente).

Uma Cilada Para Roger Rabbit foi produzido pela Disney e pela Amblin, produtora de Steven Spielberg. A direção ficou a cargo de Robert Zemeckis, que estava em ótima fase – Roger Rabbit foi feito entre De Volta Para o Futuro (1985) e as suas continuações (lançadas em 89 e 90). Não sei se a experiência em Roger Rabbit teve alguma influência nisso, mas anos depois Zemeckis voltaria ao universo das animações, com os longas Expresso Polar (2004), Beowulf (07) e Os Fantasmas de Scrooge (09).

No elenco, o pouco conhecido Charles Fleischer tem o destaque: é dele a voz do Roger Rabbit, e, de quebra, ele ainda faz as vozes do Benny The Cab e de duas doninhas. Mas não podemos menosprezar o trabalho de Bob Hoskins, que teve que contracenar boa parte do tempo com um personagem inexistente (diz a lenda que Fleischer teria vestido uma fantasia de coelho para ajudar Hoskins durante as filmagens). Outra voz importante é a de Kathleen Turner, no papel de Jessica Rabbit (quando ela canta, é dublada pela Amy Irving, então sra. Spielberg). Curioso notar que, nesta época, Turner e sua voz grave eram símbolos sexuais – mas poucos anos depois, ela interpretaria um travesti na série Friends. E, claro, não podemos deixar de citar Christopher Lloyd, ótimo como o vilão. Ah, de curiosidade: o próprio Mel Blanc, que fazia as vozes de todos os personagens da turma do Pernalonga nos desenhos clássicos, trabalhou na dublagem aqui, repetindo seus personagens famosos – é dele as vozes do Pernalonga, do Patolino, do Gaguinho, do Frajola e do Piu Piu.

Uma Cilada Para Roger Rabbit ganhou 4 Oscars – efeitos visuais, edição, som e efeitos sonoros. Também foi indicado para fotografia e direção de arte. Mas o que chama a atenção são os efeitos visuais – se bem que, para os nossos olhos atuais, acostumados com cgis perfeitos, alguns efeitos já não são tão impressionantes.

Entre os extras do dvd e do blu-ray, têm os três engraçadíssimos curtas que fizeram com o Roger Rabbit e o Baby Herman na época. Lembro que um deles, o da montanha russa, passou nos cinemas brasileiros na época, antes de algum filme – não me lembro qual. Os outros dois, só vi quando comprei o dvd.

Por fim, uma coisa curiosa. Tenho o dvd e o blu-ray nacionais. Como vi com meus filhos, procurei a versão dublada. E tive que ver o dvd, porque no blu-ray nacional, edição especial de 25 anos, não tem dublado em português – além do original em inglês, só tem dublado em francês e em russo…

Knights Of Badassdom

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knights_of_badassdomCrítica – Knights of Badassdom

Um filme que fala de LARP (Live Action RPG), estrelado pela Summer Glau, pelo Tyrion de Game of Thrones e pelo Jason Stackhouse de True Blood? Quero ver!

Jogadores de Live Action RPG acidentalmente evocam um demônio, que invade o seu acampamento no meio de um grande jogo. Agora eles precisam usar seus poderes do RPG na vida real.

A ideia era boa. Um filme assumidamente B, usando elenco conhecido de séries de tv e uma forte pegada nerd. Tinha tudo pra dar certo. Mas, sei lá por que, não deu.

Parece que o diretor Joe Lynch (do episódio “Zom-B-Movie” de Chillerama ) brigou com a produtora na época que o filme estava sendo editado. A produtora teria cortado vinte minutos do filme e lançado uma versão mutilada. Não sei se a história é real, mas seria uma possível explicação.

No elenco, o único que tem uma carreira fora da tv é Steve Zahn (The Wonders, A Trilha, Clube de Compras Dallas) – e, mesmo assim, ele ainda estava nas séries Treme e Mind Games. O resto só é mesmo conhecido por trabalhos nos seriados, mas pelo menos são papeis importantes em seriados relevantes – Summer Glau (ainda com cara de novinha apesar dos 33 anos) por Firefly e Terminator – Sarah Connor Chronicles, Peter Dinklage por Game of Thrones e Ryan Kwanten por True Blood. Ainda no elenco, Margarita Levieva (Revenge) e Jimmi Simpson (It’s Always Sunny in Philadelphia, House of Cards).

Mas não rolou. O filme começa bem, mas do meio pro fim, tudo degringola. Os efeitos especiais tosquérrimos não ajudam em nada. E o número musical no final é constrangedor.

Pena. Queria que fosse bom…

Transformers 4 – A Era da Extinção

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Transformers-A-Era-da-Extincao-posterCrítica – Transformers 4 – A Era da Extinção

Ninguém pediu, mas, olha lá, tem Transformers novo na área…

Quatro anos depois dos eventos do terceiro filme, um inventor e sua família se unem aos Autobots, quando estes viram alvo de um caçador de recompensas de outro mundo.

A franquia Transformers tem uma posição curiosa no mercado. Quem não gosta, passa longe dos cinemas; quem gosta, só quer saber dos efeitos especiais e de possíveis bonequinhos para a sua coleção. Ou seja, “detalhes” como roteiro ficam em segundo plano.

O novo filme é mais uma vez dirigido por Michael Bay (diretor dos outros três), famoso por privilegiar explosões exageradas em vez de tramas inteligentes. O roteiro de Transformers 4 – A Era da Extinção (Transformers: Age of Extinction, no original), escrito por Ehren Kruger, traz um monte de situações completamente ilógicas, além de diálogos péssimos.

Olha, entendo que a gente precisa de suspensão de descrença pra assistir um filme com robôs alienígenas que se transformam em carros. Mas o filme deveria seguir a lógica proposta pelo próprio roteiro. Mas antes de prosseguir, vamos aos avisos de spoilers.

SPOILERS!

SPOILERS!

SPOILERS!

Os novos transformers são construídos com uma tecnologia “mágica”, que divide o metal em milhões de pedacinhos, que depois se juntam em outra forma. Isso torna o bicho quase indestrutível, porque quando ele leva um golpe, se desmonta e remonta novamente. Isso acontece na primeira luta entre Optimus Prime e Galvatron.

Aí a gente vai pra luta final, com 50 transformers com a nova tecnologia. E todos se quebram no primeiro golpe. Caramba, cadê a lógica?

Outra coisa: se o Optimus Prime pode voar, por que nunca tinha voado antes???

Ah, não posso deixar de citar: numa franquia onde o vilãozão se chama MegaTRON, alguém tinha dúvida se o GalvaTRON seria da galera do mal?

FIM DOS SPOILERS!

Mas, como dito antes, Transformers tem o seu público, e este vai sair satisfeito do cinema. São várias as cenas de ação e destruição, e os efeitos especiais são muito bons – tive a impressão de ter menos câmera tremida nas cenas de luta do que nos filmes anteriores.

Sobre o elenco… São todos coadjuvantes, o filme precisa de atores pra passar o tempo enquanto os robôs não estão na tela. Ninguém se destaca positivamente, nem negativamente. Gostei de ver que Mark Wahlberg finalmente assumiu que é um quarentão, e faz um pai de uma adolescente. Ainda no elenco, Stanley Tucci, Sophia Myles, Bingbing Li, Kelsey Grammer, Jack Reynor, Titus Welliver, Thomas Lennon, e Nicola Peltz como a “bonitinha da vez”.

Por último, um aviso importante: são duas horas e quarenta e cinco minutos de filme. Interminável! A sorte é que dá pra ir ao banheiro ou pegar uma pipoca e não perder nada importante do filme…

Mulheres Perfeitas (2004)

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0-mulheres-perfeitasCrítica – Mulheres Perfeitas (2004)

Quando uma alta executiva da tv é demitida e entra em depressão, seu marido a leva para a comunidade de Stepford, em Connecticut, onde todas as mulheres são perfeitas – às vezes até demais.

Frank Oz, além de ter sido o braço direito de Jim Henson nos Muppets e de ter interpretado o Yoda, também era diretor. Não é uma carreira muito extensa (12 longas, segundo o imdb), mas tem alguns filmes excelentes – sou muito fã da sua versão de A Pequena Loja dos Horrores. Oz aqui apresenta mais um bom filme.

Este Mulheres Perfeitas é uma refilmagem de Esposas em Conflito, de 1975, inspirado no livro “As Possuídas”, de Ira Levin, lançado em 1972 (todos têm o nome original “Stepford Wives”). Não vi o original, mas pelo que li, é mais sério, mais puxado para o suspense. Esta versão de 2004 não tem nada de suspense, é uma boa comédia de humor negro.

O clima de Mulheres Perfeitas é de uma deliciosa farsa. Tanto é uma farsa que ninguém trabalha naquela cidade, mas todos têm um alto padrão de vida. Os figurinos, a cenografia e a inspirada trilha sonora de David Arnold (parece Danny Elfman, não?) ajudam no clima farsesco.

Algumas características das mulheres de Stepford são inconsistentes. A cena que uma mulher vira um caixa eletrônico não é coerente com a cena final, por exemplo. Falha do roteiro, precisamos reconhecer…

O elenco é excelente. Nicole Kidman está perfeita no papel principal tanto antes, como executiva estafada, quanto depois, como “mulher perfeita”. Christopher Walken exercita sua divertida canastrice com um papel que é a sua cara. Bette Midler, exagerada como sempre, ganhou um papel exagerado que que combina com o seu estilo. Matthew Brodderick é que está um pouco apagado… Ainda no elenco, Glenn Close, Jon Lovitz, Roger Bart e Faith Hill.

Mulheres Perfeitas não é o melhor filme de Frank Oz. Mas pode divertir quem entrar no clima.

Hellraiser – Renascido do Inferno (1987)

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HellraiserCrítica – Hellraiser – Renascido do Inferno

Hora de rever um dos mais assustadores filmes dos anos 80!

Uma mulher infiel encontra o seu amante morto, que está tentando reconstituir seu corpo, enquanto é caçado por demônios, depois que escapou de um inferno sado-masoquista.

Lá pros anos 80, Stephen King era o maior nome da literatura de horror, mas quase todos os seus livros viravam filmes ruins quando adaptados (tirando algumas honrosas exceções, como O Iluminado, Carrie e Cemitério Maldito). O próprio King se arriscou e dirigiu uma adaptação de um conto seu, Comboio do Terror, mas ficou tão ruim quanto a média.

Aí surgiu um tal de Clive Barker, talentoso escritor de terror – o próprio King disse em uma entrevista que Barker seria o seu sucessor. E Barker resolveu dirigir um filme, baseado em um de seus livros, “The Hellbound Heart”. E – diferente de King – o filme, lançado em 1987, ficou excelente! Finalmente tínhamos um bom escritor “e” diretor de terror!

(O tempo nos mostrou que Barker, como escritor, ainda não não alcançou a fama de King; e, como diretor, tem um talento bissexto…)

Em Hellraiser, Barker nos apresenta uma história meio doentia, com alto teor sado-masoquista e um pé no erotismo – aliás, outras histórias de Barker têm esse mesmo teor sado-masô, o cara deve curtir essa onda. Aqui, em Hellraiser, conhecemos os cenobitas, demônios que habitam uma dimensão paralela, que estão em todos os filmes da série.

O clima do filme é fantástico. Neste filme, os cenobitas aparecem pouco, e conhecemos aquele cubo, tão legal que heu sempre quis um. Alguns efeitos especiais não sobreviveram ao passar dos anos – rolam uns desenhos animados por cima do filme, efeito muito muito tosco. Por outro lado, a maquiagem continua eficiente.

Hellraiser teve oito (!) continuações, e tem previsão de ser refilmado. Não vi todos os nove filmes, a qualidade foi caindo com o tempo (como era previsível) – parei em um onde o Pinhead é enganado por um holograma (talvez o quinto ou sexto), achei isso muito capenga.

Mas este primeiro continua um grande filme, ainda recomendadíssimo!

O Espelho

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Oculus-posterCrítica – O Espelho

Filme de terror novo na área!

Ao completar 21 anos, um jovem sai de uma instituição onde passou os últimos onze anos, acusado de assassinar seus pais. Sua irmã, dois anos mais velha, tenta provar que os crimes foram cometidos por causa de um poder sobrenatural que reside em um espelho que estava na casa onde moravam.

Em 2011, Mike Flanagan chamou a atenção ao escrever, dirigir e editar Absentia, um filme que, apesar de ser quase amador, é melhor do que muita produção bancada por estúdios com grana. O Espelho (Oculus, no original) é seu novo filme, desta vez com mais recursos.

Baseado no curta Oculus: Chapter 3 – The Man with the Plan (de 2006) escrito e dirigido por ele mesmo, Flanagan, co-escreveu um roteiro muito bem construído. A linha temporal do filme se alterna entre o passado e o presente ao longo da projeção, e em momento nenhum o espectador fica perdido. Além disso, o roteiro também é eficiente ao brincar com ilusão versus realidade.

Por outro lado, talvez o filme decepcione alguns, já que é um terror quase sem sustos. E confesso que não gostei dos fantasminhas que aparecem desde a primeira cena. Pelo menos o clima de suspense funciona bem, assim como os discretos efeitos especiais e de maquiagem.

No elenco, Karen Gillan (da série Dr Who, e que estará em breve em Guardiões da Galáxia) segura bem a onda como a protagonista. Mas quem chama a atenção é Katee Sackhoff, a Starbuck de BSG – ela aparece menos, mas está impressionante. Outro “televisivo” é Rory Cochrane, que fazia CSI Miami e também esteve em 24 Horas. Brenton Thwaites, o príncipe de Malévola, fecha o elenco principal, ao lado das crianças Annalise Basso e Garrett Ryan.

Infelizmente, O Espelho só foi lançado em salas da Zona Oeste e Zona Norte do Rio de Janeiro. Algumas distribuidoras acham que ninguém na Zona Sul gosta de filme de terror…

Labirinto – A Magia do Tempo

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labirintoCrítica – Labirinto – A Magia do Tempo

Pro podcast de bonecos, fui rever Labirinto, filme que heu não via desde a época do lançamento nos cinemas.

A adolescente de 15 anos Sarah acidentalmente deseja que seu meio irmão bebê seja levado por Jareth, rei dos duendes, que ficará com o bebê e o transformará em um duende se Sarah não terminar o labirinto em 13 horas.

Lançado em 1986, Labirinto – A Magia do Tempo (Labyrinth, no original) foi o último filme dirigido por Jim Henson, o criador dos Muppets, que viria a falecer em 1990. Baseado num roteiro de Terry Jones (ele mesmo, do Monty Python), e com George Lucas como um dos produtores, Henson fez um dos melhores filmes de fantasia da década de 80.

Os bonecos são muito bem feitos, tanto os marionetes e fantoches, quanto os maiores, com gente dentro da fantasia. Jim Henson não ia dar mole na área onde é especialista, né? E a maior parte dos efeitos especiais continua convincente – a primeira entrada de Sarah no labirinto ainda impressiona!

O elenco tem basicamente três atores – outros aparecem, mas muito rapidamente. David Bowie já era um nome bem famoso na música, e ainda era um ator bissexto. Mas o nome a ser citado é Jennifer Connelly, então com 15 anos, em um de seus primeiros sucessos (ela tinha feito um papel pequeno em Era Uma Vez na América em 1985, e estrelado o underground Phenomena, do Dario Argento, em 86). E chega a dar pena do bebê Toby Froud – que depois, adulto, trabalharia nos efeitos especiais de Crônicas de Nárnia e Paranorman. O menino chora boa parte do filme.

(Dentro dos bonecos, tem algumas pessoas conhecidas, como Frank Oz, Kenny Baker, Warwick Davis, Jack Purvis, Brian Henson e Ron Mueck – hoje conhecido como escultor. Mas não dá pra ver…)

Como ponto fraco, a parte musical de David Bowie perdeu a validade. Nada contra o som ser datado por ter muita cara de anos 80, mas, na boa, não rola um vilão que fica cantando e dançando. Pelo menos a cena com o labirinto “escheriano”, com gravidades em ângulos diferentes, ficou bem legal, apesar da música.

Existem pela internet alguns estudos psicológicos sobre o filme. Pode até existir um fundo psicológico, mas prefiro ver Labirinto como uma fábula. E uma fábula que continua gostosa de se ver.

Khumba

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khumba-posterCrítica – Khumba

Animação feita na África do Sul!

Rejeitada pelo seu supersticioso rebanho, uma zebra que só tem listras em metade do corpo sai em uma missão para tentar encontrar um lago mágico que supostamente poderia completar suas listras.

Khumba é bem feito e bonitinho, mas tem um problema básico: parece uma cópia de Rei Leão usando os personagens de Madagascar. E, na comparação, claro que Khumba sai perdendo.

Produção do estúdio Triggerfish (que lançou Zambézia em 2012), pelo menos animação é de alto nível técnico, nem parece algo off-Hollywood. Conseguimos até ver a textura dos pelos das zebras! E a história, apesar de não ser nenhuma novidade, traz uma boa mensagem para os pequenos – o verdadeiro público do filme.

Pena que o humor do filme é fraco. São poucos os momentos engraçados. E o alívio cômico feito pelo avestruz é tão bobo que chega a ser constrangedor.

Sobre a dublagem brasileira: Sabrina Sato usa o seu sotaque de sempre para fazer a búfala Mama V. Ela deveria ter feito o que Fabio Porchat fez com o Olaf, de Frozen. Porchat interpretou um personagem; Sabrina interpretou ela mesma. Não funcionou, ficou cansativo ouvir aquele sotaque carregado por todo o filme.

Khumba é de 2013, mas ainda não tinha sido lançado. De repente estavam esperando a Copa do Mundo, já que o filme abre e fecha com partidas de futebol (entre zebras, claro). Só acho que podia ter vindo uma semana antes, afinal boa parte das escolas adiantou as férias (meus filhos voltam às aulas segunda que vem…).

A Marca do Medo

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0-A Marca do Medo-poster nacionalCrítica – A Marca do Medo

Mais um filme da “nova Hammer”!

Universidade de Oxford, 1974. Um professor universitário, ajudado por três alunos, realiza um experimento em uma jovem mulher, descobrindo nela forças inesperadas e terrivelmente obscuras durante o processo.

Pra quem não conhece, a Hammer era uma produtora inglesa especializada em filmes de terror, que lançou inúmeros filmes entre as décadas de 50 e 70, quase todos de terror – vários filmes com Drácula, Frankenstein e múmias, e com estrelas como Christopher Lee e Peter Cushing. A Hammer acabou no início dos anos 80, mas voltou à mídia em 2012 com o bom A Mulher de Preto.

Dirigido por John Pogue (Quarentena 2), A Marca do Medo (The Quiet Ones, no original) faz uma mistura entre duas vertentes bastante usadas no cinema contemporâneo de terror: câmera encontrada e casa assombrada. Um dos personagens está filmando os experimentos, assim a câmera encontrada não fica forçada como acontece muitas vezes.

O filme traz alguns bons sustos, mas quase sempre baseados na sonoplastia – de repente, em uma cena silenciosa, ouvimos um barulho alto. Ok, dá susto, mas prefiro quando os sustos fazem parte do filme em si.

Se por um lado a ambientação setentista e os sustos ajudam, por outro lado dois momentos dos efeitos especiais comprometem o filme. Um é bem no meio, durante uma sessão na mesa, quando a boneca queima as mãos de Jane – o efeito criado foge completamente do espírito do resto do filme. E a cena fial tem efeitos tão toscos que parece que a Hammer estava usando tecnologia dos anos 60.

Pelo menos A Marca do Mal não segue o caminho fácil do gore e da violência gratuita. Agora, na minha humilde opinião, acho que podia ter rolardo alguma nudez. São pelo menos dois momentos onde a nudez não seria gratuita (Olivia Cooke e Erin Richards têm cenas na banheira, e Erin ainda se levanta e anda pelo banheiro!), porém o enquadramento corta qualquer nudez.

No elenco, além das já citadas Olivia Cooke e Erin Richards, o filme conta com Jared Harris (Fringe), Sam Claflin (Jogos Vorazes 2) e Rory Fleck-Byrne.

Pena que o resultado final fica devendo. A Marca do Mal não é ruim, mas está bem longe de ser bom.

O Grande Hotel Budapeste

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0-grandehotel budapesteCrítica – O Grande Hotel Budapeste

Outro dia falei que o cinema contemporâneo tem poucos “autores”, e citei como exemplos o Tim Burton e o Terry Gilliam. Olha, a gente precisa incluir o Wes Anderson (Moonrise Kingdom) neste seleto clubinho.

O Grande Hotel Budapeste conta as aventuras de Gustave H, um lendário concierge de um famoso hotel europeu entre as as duas grandes guerras; e Zero Moustafa, o lobby boy que vira o seu melhor amigo.

O Grande Hotel Budapeste (The Grand Budapest Hotel, no original) parece uma fábula. Wes Anderson tem um estilo de filmar onde todas suas cenas parecem mágicas. Parece que estamos lendo um livro de contos infantis!

A fotografia de seus filmes chama a atenção. Arrisco a dizer que o diretor deve ter TOC, cada plano é bem cuidado, tudo simétrico, sempre com o objeto centralizado no meio da tela. Isso, somado a cenários meticulosamente escolhidos e à boa trilha sonora de Alexandre Desplat, torna O Grande Hotel Budapeste um espetáculo visual belíssimo de se ver.

E não é só o visual que chama a atenção. O filme é repleto de personagens exóticos – e, detalhe importante: todos têm sua importância na trama, nenhum parece forçado. E o elenco é impressionante, sugiro checar os nomes no poster – é tanta gente que fica até difícil reconhecer todos ao longo do filme: F. Murray Abraham, Mathieu Almaric, Adrien Brody, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray, Edward Norton, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, Léa Seydoux, Tilda Swinton, Tom Wilkinson e Owen Wilson. Curiosamente, o protagonista é interpretado pelo desconhecido Tony Revolori. Bem, o filme é centrado em dois personagens, não sei exatamente qual do dois seria o principal. Mas sendo que o outro é o Ralph Fiennes, claro que Revolori será chamado de coadjuvante…

Pelo estilo visual de Wes Anderson, talvez O Grande Hotel Budapeste não agrade a todos. Outro problema é que o filme está sendo vendido como uma comédia, e o humor do filme é um humor peculiar, porque diverte mas não causa risadas.

Mas quem entrar no espírito da fábula vai se divertir com a aventura!