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Army of the Dead: Invasão em Las Vegas

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Crítica – Army of the Dead: Invasão em Las Vegas

Sinopse (imdb): Após um surto de zumbis em Las Vegas, um grupo de mercenários faz a aposta final, aventurando-se na zona de quarentena para realizar o maior assalto já tentado.

Army of the Dead: Invasão em Las Vegas é apenas mais um filme meia boca de zumbis. Mas, muita gente está falando dele. São dois os motivos. Um deles é que é um filme da Netflix, que virou “a nova Globo”, tudo o que vem de lá vira hype. O outro é que é o novo filme do Zack Snyder, que movimentou a nerdaiada poucos meses atrás com sua versão do Liga da Justiça, o tal Snydervese.

Snyder fazer filmes de zumbi não é novidade. Ele começou fazendo videoclipes, mas seu primeiro longa metragem foi a refilmagem de Madrugada dos Mortos, de 2004 (olha que irônico, um cara que hoje é famoso por fazer câmera lenta foi um dos primeiros a usar zumbis rápidos…). Há anos que não revejo Madrugada dos Mortos, mas lembro que gostei na época. Agora, naquela época, um lançamento de um novo filme dele não tinha o hype que tem hoje, depois de Watchman, Homem de Aço, Batman v Superman e Liga da Justiça. Zack Snyder hoje é um nome do primeiro time, não tem mais como fazer um filme meia boca de zumbis, o público vai querer algo a mais.

Pra piorar, hoje, em 2021, é difícil se pensar em alguma novidade quando o tema é zumbi. Parece que tudo já foi feito. Tirando o primeiro Invasão Zumbi, coreano, dispenso todos os filmes de zumbi lançados nos últimos anos.

(E, olha outra ironia: a sinopse de Army of the Dead é igual à sinopse de Invasão Zumbi 2, quando pessoas entram numa área limitada, dominada por zumbis, para roubar o que ficou por lá.)

Army of the Dead até começa bem. Depois de uma breve introdução mostrando qualé a do perigo a ser enfrentado no filme, temos créditos iniciais sensacionais. Ao som de uma versão de Viva Las Vegas cantada pelo Richard Cheese, temos takes em câmera lenta (claro) mostrando os personagens e como eles agem, e mostrando também os famosos cenários de Las Vegas devastados no apocalipse zumbi. Digo mais: os créditos iniciais têm o momento mais dramático de todo o filme!

Mas aí depois é tudo clichê. A gente tem o time de pessoas com personalidades diferentes, onde a gente precisa ter uma boa quantidade de gente pra morrer um de cada vez. A gente tem os zumbis que não têm nenhuma lógica – como assim, um zumbi “dormindo” em pé com os braços levantados??? A gente tem atitudes burras dos personagens. E, claro, no fim a gente tem um gancho pra continuação.

E, pra piorar, são clichês empilhados num filme que dura duas horas e meia…

Existem elementos escondidos, que se aparecessem mais talvez tornassem Army of the Dead mais interessante. Logo nos primeiros segundos de filme dá pra ver dois OVNIs; e Snyder admitiu que tem zumbis que são robôs. Me parece que quiseram guardar isso pra uma continuação. Na minha humilde opinião, se explorassem mais esses elementos, Army of the Dead podia ser bem melhor. Sem isso, virou mais um igual a tantos por aí. Algumas cenas legais, algumas cenas ruins, o previsível pra um filme meia boca de zumbis.

O nome mais conhecido no elenco é Dave Bautista, o Drax de Guardiões da Galáxia. Não é um grande protagonista, mas serve pro que precisa. Também no elenco, Ella Purnell, Omari Hardwick, Ana de la Reguera, Theo Rossi, Matthias Schweighöfer, Nora Arnezeder, Hiroyuki Sanada, Garret Dillahunt e Raúl Castillo.

Ainda sobre o elenco, uma coisa impressionante. O piloto de helicóptero seria Chris D’Elia, ele filmou todas as cenas com o resto do elenco. Mas o nome dele apareceu em escândalos sexuais, aí tiraram-no do filme e apagaram digitalmente, e refilmaram todas as cenas com a Tig Notaro em fundo verde. Vou te falar que vi o filme sem saber disso. Ficou muito bem feito!

No geral, é isso. Apenas um filme meia boca de zumbis. Vai agradar quem curte o gênero, mas quem quiser filme bom, tem coisa melhor.

E aguardem continuações. Parece que já tem confirmada uma série animada.

Delicatessen

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Crítica – Delicatessen

Sinopse (imdb) – Comédia negra surrealista pós-apocalíptica sobre o proprietário de um prédio de apartamentos que ocasionalmente prepara uma iguaria para seus inquilinos estranhos.

(A sinopse não é exatamente isso, mas aqui em Delicatessen, a sinopse não é o mais importante.)

Vi Delicatessen no cinema, na época do lançamento, início dos anos 90, heu “morava” no Estação Botafogo nessa época. Devo ter visto mais de uma vez, porque lembro que copiei aquela saudação dos caras do esgoto com uma amiga.

Na época achei o máximo, porque gosto de visuais esquisitos, e lembro de uma comparação com Peter Greenaway (O Cozinheiro, o Ladrão, Sua Mulher e o Amante), outro que tinha um visual maravilhoso, mas os filmes eram chatos (Delicatessen é de 91, mesmo ano que Greenaway lançou A Última Tempestade, filme que achei insuportável quando vi no cinema.)

Delicatessen também tinha um visual maravilhoso, e além disso tinha personagens esquisitos e uma história maluca. Virei fã automaticamente.

Adoro o modo como os diretores Jean Pierre Jeunet e Marc Caro filmam tudo. Os ângulos me lembram videoclipes do David Lee Roth na época dos primórdios da MTV, só que aqui as cores são desbotadas.

Revendo agora, a história é meio besta. Mas gosto de não sabermos muitos detalhes sobre o que está acontecendo com o mundo, afinal, tudo o que precisamos a gente consegue descobrir.

Como falei no início, aqui a forma é mais importante que o conteúdo. Se a história é besta, o modo como é contada não é. O visual do filme é fantástico, cada detalhe é bem cuidado, personagens, cenários, ângulos de câmera, iluminação. Delicatessen é um espetáculo para os olhos.

Delicatessen tem algumas cenas antológicas. As duas que envolvem as molas do colchão são sensacionais, tanto aquela que todo o prédio tem o ritmo das molas, quanto a outra dos dois sentados balançando no ritmo da tv. Também gosto muito de quase todos os personagens. Aquela Aurore que vive tentando se matar é genial!

Ah, fiquei com vontade de aprender a tocar serrote! 😛

Oxigênio

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Crítica – Oxigênio

Sinopse (imdb): Uma mulher acorda em uma câmara criogênica sem se lembrar de como chegou lá. Como ela está ficando sem oxigênio, ela deve reconstruir sua memória para encontrar uma maneira de sair de seu pesadelo.

Antes de tudo, é importante falar: Oxigênio (Oxygen, no original) é um filme que vale ser visto sem você saber nada. A protagonista acorda sem saber o que está acontecendo, e o espectador vai aos poucos descobrindo junto com ela. E as informações são bem dosadas, proporcionando alguns plot twists bem colocados.

Oxigênio é um filme pequeno. Quase todo o filme tem um cenário diminuto e uma única atriz em tela (interagindo com a voz de uma Inteligência Artificial). Até tem algumas poucas cenas mostrando outros cenários e outros personagens em flashbacks, mas é pouca coisa – quase tudo se passa dentro da câmera criogênica, e em tempo real.

A ideia lembra Enterrado Vivo, aquele onde Ryan Reynolds passa o filme todo dentro de um caixão (um filme ainda mais radical, porque, se não me falha a memória, não tem nenhuma cena fora do caixão).

O diretor é Alexandre Aja – gosto dele, ele dirigiu Alta Tensão, da onda do cinema francês ultra violento; a refilmagem de Viagem Maldita; Piranha, que é galhofa mas divertido. Aja também escreveu os roteiros de P2 Sem Saída e Maníaco, aquele do assassino serial em câmera pov. Ok, reconheço que não tem nenhum filmaço, mas são vários bons filmes, digamos que ele passa na média.

Oxigênio é uma produção bem mais modesta, e mesmo assim tem um resultado melhor que o último do diretor (Predadores Assassinos). Aliás, esse é um filme com a cara da pandemia – mesmo nos poucos flashbacks, não vemos muitas pessoas juntas. Dá pra filmar se aglomerar!

Ok, entendo que a gente precisa de uma suspensão de descrença pra aceitar tudo o que a IA consegue fazer. Mas, se a gente embarcar na premissa que sim, a IA tem aquele poder, Oxigênio flui bem.

O grande lance aqui é a claustrofobia e a tensão – o oxigênio está acabando a cada minuto que passa! Apesar de ser um espaço minúsculo, Aja consegue vários ângulos dentro da câmara criogênica, e o filme nunca cai no marasmo.

Claro que a atuação da Mélanie Laurent (Bastardos Inglórios, Truque de Mestre) ajuda. Com vários closes no seu rosto, Mélanie passa o desespero de quem tem pouco tempo pra descobrir o que está acontecendo. O único outro ator que precisa ser citado é Mathieu Almaric (O Som do Silêncio), que não aparece, mas empresta a sua voz pra IA que conversa com ela durante todo o filme.

Heu poderia falar mais, mas, como falei no início, Oxigênio é daqueles filmes que é bom a gente não saber muito, então, como propus fazer comentários sem spoilers, vou ficando por aqui. Mas confirmo: pra mim foi uma agradável surpresa ver cada pequeno plot twist.

Radioactive

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Crítica – Radioactive

Sinopse (imdb): A incrível história real de Marie Sklodowska-Curie e seu trabalho ganhador do Prêmio Nobel que mudou o mundo

O texto de hoje vai ser curtinho, porque não tem muito o que se falar sobre esse filme.
Dirigido por Marjane Satrapi (Persepolis), Radioactive é uma cinebiografia sobre a Marie Curie. Um filme correto, mas, cinematograficamente falando, um filme bobo.

Vejam bem: não é um filme ruim. Pra mim foi ótimo, porque heu conhecia pouca coisa sobre a Marie Curie. Não sabia que ela tinha ganhado o Nobel duas vezes, e que sua filha também ganhou o Nobel! Num mundo muito mais machista que o atual, ela teve importantes conquistas.

No papel principal, Rosamund Pike mais uma vez manda bem – apesar do papel não exigir muito. Sam Riley faz Pierre Curie, personagem historicamente importante, mas atuação burocrática. E foi uma agradável surpresa ver Anya Taylor-Joy no fim do filme, o nome dela nem está na primeira página do imdb.

O filme usa uns flash forwards pra avançar no tempo e mostrar coisas que aconteceram no futuro por causa das descobertas da Marie Curie – coisas boas e coisas ruins. Mas não gostei muito deste artifício, achei tudo meio jogado.

Como personagem histórica, Marie Curie precisa ser conhecida. Mas, como cinema, sua cinebiografia deixa a desejar. Não é um filme que vai ser lembrado no futuro.

Cineclubismo

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Cineclubismo

Hoje vou falar de um estilo de se consumir cinema.

Nasci em 71, acabei de fazer 50 anos. Nasci no Rio, mas me mudei ainda criança pra Petrópolis. Lá, quando tinha meus 12, 13 anos, já curtia muito cinema, já via quase tudo o que passava nos poucos cinemas da cidade.

Quando tinha 14, entre 85 e 86, me mudei de volta pro Rio, e ao lado da minha nova casa tinha um cinema em reforma. Um cinema que abriria em breve e que entraria na história do cinema brasileiro, o Cineclube Estação Botafogo.

(Na wikipedia fala que o Estação abriu em agosto de 85, mas na minha memória, lembro de um cinema fechado, e só me mudei no fim do ano. E agora?)

Mas, o mês pouco importa. O que importa é que o cineclube Estação Botafogo estava sendo aberto, ao lado da minha casa, e heu era um adolescente com poucos amigos e muito tempo livre.

O Estação Botafogo virou minha segunda casa.

E por que o Estação era diferente dos outros cinemas? É aqui que entra o tema deste texto: a programação era de cineclube. De vez em quando tinha um filme em cartaz, mas uma coisa que tinha muitas vezes eram pequenas mostras temáticas. Tipo, semana Francis Ford Copola. Um dia tinha O Fundo do Coração às 16h e às 20h, e O Selvagem da Motocicleta às 18h e às 22h. No dia seguinte tinha Hammet às 16h e às 20h, e Outsiders às 18h e às 22h. Aí, na semana seguinte, tinha semana Nastassja Kinski. Um dia tinha Infielmente Tua e Paris Texas; no outro dia tinha Tess e Hotel New Hampshire…

(Essa “programação” é um exemplo, vi esses filmes todos lá, mas não tenho como me lembrar exatamente qual dia tinha qual filme).

O Estação foi o meu primeiro contato com Felini, Pasolini, Fassbinder, Wim Wenders, Jim Jarmusch, Buñuel, Goddard – heu estava no lado errado da música Eduardo e Mônica, porque heu tinha 16, e preferia ver o filme do Goddard. No Estação, via filmes do Luc Besson antes dele fazer filmes de ação americanos; no Estação vi um filme de um diretor tex mex, que dizia que seu filme tinha custado apenas 7 mil dólares – Robert Rodriguez e seu El Mariachi. Vi muito, muito, muito filme. Aprendi muita coisa sobre cinema lá.

A importância do Estação Botafogo cresceu, heu não era o único que frequentava aquele lugar. O grupo Estação começou a cuidar da programação de outras salas, lembro de ter lido uma matéria no jornal falando que nos anos 90 o Estação juntou 3 décadas de cinéfilos cariocas, porque faziam parte do grupo o Estação Cinema 1, em Copacabana, que foi point de cinéfilos nos anos 60, e o Estação Paissandu, no Flamengo, que foi point de cinéfilos nos anos 70. E tinha o Estação Ipanema, salas no shopping da Gávea, na Barra, em Niterói, no Museu da República. o Estação virou um grupo exibidor, parte do circuito carioca – e longe da proposta inicial de cineclube.

Hoje acredito que não exista mais espaço pra esse tipo de cinema. Naquela época, alguns filmes eram difíceis de se ver. Não tinha internet, não tinha tv a cabo, não tinha dvd, e as locadoras tinham poucos títulos. Hoje tem TUDO à disposição – se não tiver no streaming, vai ter no torrent. Quem iria ao cinema ver “filme velho”?

Mas, saudosista que sou, convidei uns amigos e ouvintes do Podcrastinadores e criei um grupo pra ver filmes velhos e bater papo sobre eles. Se alguém se interessar em participar, me avisa!

Star Wars: The Bad Batch

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Crítica: Star Wars The Bad Batch

Sinopse (imdb): O ‘lote ruim’ de clones experimentais e de elite abrem caminho por uma galáxia em constante mudança logo após as Guerras Clônicas.

Até um tempo atrás, a gente estava acostumado a esperar uma semana para o novo episódio da série que estávamos acompanhando. Veio o streaming, e algumas séries tiveram a temporada inteira lançada de uma vez, levando a galera a fazer binge watch. A Disney voltou a trazer episódios semanais e mostrou pra gente as vantagens de uma série vista assim. Depois de Mandalorian, veio Wandavision, depois Falcão e o Soldado Invernal, sempre às sextas. Menos esta semana. Por que guardaram a estreia de Star Wars The Bad Batch pra terça?

Pra quem não sabe, dia 4 de maio é considerado o “dia de Star Wars”, por causa do trocadilho em inglês – May the fourth, aí guardaram o Star Wars novo pro dia 4.

(Curioso que tem uma galera que acha que o dia de Star Wars deveria ser 25 de maio, porque o filme estreou 25/05/77. Mas 25/05 acabou virando dia do orgulho nerd, ou dia da toalha (em referência ao Guia do Mochileiro das Galáxias).)

Star Wars: The Bad Batch é a nova série de animação de Star Wars. Sim, animação. Sei que muita gente tem preconceito, e até entendo. Vi todos os filmes, mais de uma vez cada, e não vi tudo o que de animações – vi Rebels, vi parte de Clone Wars, não vi Resistance… Vou te falar que também tenho um certo preconceito, reconheço. Quando vi Mandalorian e a Ahsoka citou o nome do Grande Almirante Thrawn, pulei da cadeira só de pensar em vê-lo –  e esqueci que ele já tinha aparecido em Rebels. Mas, olha, vi e gostei muito deste novo Bad Batch.

Foram anunciados 16 episódios. Logo saem mais episódios, então não vou entrar muito na trama, porque certamente ficarei desatualizado.

A trama segue os acontecimentos de Clone Wars. Não vi todo Clone Wars, mas sei que os Bad Batch apareceram em alguns episódios daquela série, vou até catar o arco onde eles aparecem.

O primeiro episódio de Bad Batch começa no momento que a Ordem 66 é executada. O que a gente conhece da Ordem 66 foi no Star Wars 3, bem legal ver isso acontecer visto de outro ângulo. Uma curiosidade: o padawan que aparece no início quando crescer vai virar o Kanan, um dos principais personagens de Rebels (foi até dublado pelo mesmo ator, o Freddie Prinze Jr., que acho que é o único nome conhecido no elenco deste episódio). Tem outro personagem de filme / série que aparece aqui, mas desta vez não digo quem é por causa de spoilers.

Somos apresentados ao time dos Bad Batch, clones modificados (e por isso “defeituosos”, daí o nome “bad batch” / “lote ruim”), cada um com suas características, e, reconheço: são bons personagens, carismáticos, engraçados, e se não a série não fosse sobre eles, heu ia querer vê-los em algum outro filme ou série. Um episódio e já virei fã do time.

A parte técnica da animação é excelente. Os primeiros Clone Wars tinham um desenho quadradão, estilo do Genndy Tartakovsky, mas depois o traço foi se modernizando. Não sei se as últimas temporadas de BB já tinham o traço como esse BB, mas posso dizer que os detalhes enchem os olhos. Mas… Como fã chato, preciso reclamar de uma coisa: os uniformes dos Stormtroopers em Kamino são pintados de vermelho com uma textura que não combina muito com o Império. Parece uma pintura artesanal, combinaria mais com os Bad Batch do que com os Stormtroopers que sempre foram muito certinhos. Pelo menos ficou bonitão.

Agora aguardemos os outros episódios. A série começou bem, que continue mantendo o nível!

Amor e Monstros

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Crítica – Amor e Monstros

Ouvi falar desse Amor e Monstros no fim do ano passado. Fui na página do imdb, mas nada no filme me despertou curiosidade, então deixei de lado. Mas aí ele entrou na lista dos indicados ao Oscar de melhores efeitos especiais, logo um dos meus temas favoritos. Ok, vambora ver.

Sinopse (imdb): Sete anos depois de ter sobrevivido ao apocalipse monstro, o amorosamente infeliz Joel deixa seu aconchegante bunker subterrâneo em uma missão para se reunir com sua ex.

Segundo filme do pouco conhecido diretor Michael Matthews, Amor e Monstros (Love and Monsters, no original) traz uma história simples, mas bem contada. Já falei por aqui, nem todo filme precisa ser o novo Cidadão Kane. Existe espaço pra filmes que apenas almejam oferecer um entretenimento leve. É o caso aqui.

A trama vivida pelo nosso herói não é novidade pra ninguém, mas é contada de maneira coerente – na hora que acontece o tal apocalipse, ele se separa da namorada porque cada um quer ver seus pais, e depois ele precisa enfrentar seus medos pra conseguir revê-la. Se não é novidade, pelo menos é mostrada de maneira envolvente e com um protagonista carismático, vivido por Dylan O’Brien.

Não gostei muito do ato final, a trama muda de formato, e, desculpa pros mais inexperientes, mas, assim que vi aqueles novos personagens, já saquei qual era a deles. Mas, felizmente, isso não me atrapalhou muito.

Ainda preciso falar dos efeitos especiais, claro. A ideia é que animais sofreram mutações e viraram monstros, e esses monstros são muito bem feitos – tanto que rolou a indicação pro Oscar. Deve ser tudo cgi, o que é uma pena (gosto de efeitos práticos), mas, pelo menos são convincentes.

O clima me lembrou filmes de aventura que heu via quando era adolescente, tipo O Último Guerreiro das Estrelas, O Enigma da Pirâmide ou Krull. Não eram grandes filmes, mas eram filmes divertidos, e que marcaram a minha geração. E, claro, falando em filmes adolescentes dos anos 80, não tem como não lembrar de Conta Comigo – não só pela música, que é tocada no filme, como principalmente pela cena do lago.

Amor e Monstros vai divertir aqueles com o coração leve. Será que vai marcar uma geração, como aqueles que citei acima?

Mortal Kombat

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Crítica – Mortal Kombat

25 anos depois, uma nova versão do jogo Mortal Kombat. Será que esse vai ser melhor que o de 1995?

Sinopse (imdb): O lutador de MMA Cole Young procura os maiores campeões da Terra para enfrentar os inimigos de Outworld em uma batalha de alto risco pelo universo.

(Sei não, mas essa sinopse não tá correta. Não é o Cole Young que está procurando a galera…)

Já falei, não sou ligado em videogames. Mas já joguei Mortal Kombat uma ou duas vezes na vida. Mas, não acho que uma adaptação deva ser feita só pra quem conhece o material original (seja de videogame, livro, HQ, do que for). Nisso, este Mortal Kombat funciona. Tem seus fan services, mas pode ser visto por quem nunca jogou.

Nos anos 90, foram lançados dois filmes que sempre me confundo (só vi naquela época, acho que nunca revi). Em 1994 teve o Street Fighter (com o Van Damme e o Raul Julia); e em 1995 teve o Mortal Kombat (dirigido pelo Paul W.S. Anderson e com o Christophe Lambert). Não me lembro qual é qual, as lembranças de ambos se misturam, afinal são filmes iguais.

(Filme baseado em videogame de luta que me lembro, acho que só o DOA, de 2004, um filme que assumo que é um guilty pleasure, que traz várias mulheres bonitas lutando, e o visual das lutas é sempre bonito.)

Logo de cara vemos que este novo Mortal Kombat, dirigido pelo estreante Simon McQuoid, tem uma vantagem sobre todos esses filmes que citei: a violência está liberada na tela. Temos sangue e gore em abundância.

(O nome do James Wan está nos créditos como produtor, mas tenho minhas dúvidas se ele teve algum envolvimento com o projeto)

Agora, o roteiro… Por que os roteiros de filmes assim são sempre tão ruins? Tenho vontade de falar, mas pode ser spoiler. Vou deixar o aviso de spoilers.

SPOILERS!

SPOILERS!

SPOILERS!

Logo no início, o filme já mostra que não liga pra coerência. Pra começar, uma marca de nascença não pode ser um convite pra um torneio, mas até aí tudo bem. Conhecemos o protagonista Cole Young, que tem a marca, e logo conhecemos mais um, o Jaxx, também com a marca. Ele aparece para ajudar o Cole, mas, resolve se sacrificar pelo cara que ele nem sabe direito quem é! Só nessa sequência já são 3 coisas sem muito sentido: 1- O Jaxx resolve enfrentar o Sub Zero sozinho; 2- O Sub Zero “mata” o Jaxx mas não vai verificar se ele realmente morreu; e 3- Cole resolve, do nada, seguir as instruções de um desconhecido que ele nem sabe quem é. E, na sequência, o Kano é o único que sabe onde encontrar o tal mundo escondido (como assim, de onde ele descobriu isso?), e a Sonya Blade resolve ir embora sem procurar o parceiro de trabalhos, que era o Jaxx.

E a gente ainda nem chegou no tal mundo paralelo onde as lutas acontecerão!!!

Heu podia continuar, mas o texto ia ser só isso. Ia ser um post “100 problemas no roteiro de Mortal Kombat“. Então deixa pra lá. Só digo que não melhora.

Mas, antes de acabar o momento spoiler, ainda preciso falar duas coisas:

– tem um momento que tem talvez a frase mais estúpida que vi no cinema este ano. Eles vão lutar contra os vilões. Mas é luta “de turma”, “somos nós contra eles, aí eu enfrento fulano, você enfrenta siclano e você enfrenta beltrano” “Mas, e o Sub Zero, que é o mais forte?” “Ah, o Sub Zero a gente deixa pra depois e vamos todos contra ele”. Broder, é uma luta de galera. Não tem como dizer pro Sub Zero “ei, amigo, você que é forte, fica aí vendo a gente matar seus amigos e você entra depois”.

– trazer um fantasma pra lutar contra o Sub Zero foi a solução deus ex machina mais forçada que vi nos últimos tempos.

FIM DOS SPOILERS!

De bom no roteiro, gostei das piadas do Kano. Gosto de referências de cultura pop.

O elenco tem dois destaques, o resto é de sofrível pra baixo. O Sub Zero é interpretado por Joe Taslim, que estava no primeiro The Raid, depois foi pra Hollywood e participou das franquias Velozes e Furiosos e Star Trek, e depois fez A Noite nos Persegue. O Hanzo Hasashi é interpretado por Hiroyuki Sanada, que fez Sunshine Alerta Solar e um dos filmes do Wolverine. Esses dois são de longe os melhores do filme – inclusive, a cena inicial é com eles. O resto, deixa pra lá.

Ainda preciso falar sobre o visual. Os efeitos especiais são ok, nada enche os olhos, mas também nada atrapalha. Mas achei curioso porque um dos personagens me lembrou de Aventureiros do Bairro Proibido, de 1986. Não sei se já existia o jogo Mortal Kombat em 86, não sei se ambos se inspiraram na mesma coisa, só sei que ficou bem parecido.

Aparentemente os planos são pra ter uma (ou mais) continuação(ões), o filme fecha com um gancho pro próximo.

Ainda podia falar mais, mas o texto ia ficar longo, e heu ia acabar me repetindo. Quem curte o estilo deve curtir o filme. E, se o roteiro é ruim, pelo menos dessa vez ninguém pode reclamar da falta de violência nos jogos.

Na Mira do Perigo

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Crítica – Na Mira do Perigo

Falei aqui outro dia sobre Legado Explosivo, novo filme genérico do Liam Neeson. E, olha lá, já tem mais um genérico!

Sinopse (imdb): Um fazendeiro na fronteira do Arizona se torna o improvável defensor de um jovem mexicano que foge desesperadamente dos assassinos do cartel que o perseguiram até os EUA.

Muita coisa que falei naquele texto sobre Legado Explosivo pode ser repetida aqui, porque o Liam Neeson está num loop, se repetindo no mesmo estilo de coroa badass. Mas, não me canso de repetir, é um grande ator, com um currículo invejável. Antes de assumir a carreira de action hero da terceira idade, concorreu ao Oscar por A Lista de Schindler, concorreu 3 vezes ao Globo de Ouro (Schindler, Michael Collins e Kinsey), e ainda fez um monte de filmes de ação blockbuster, como Star Wars, Batman, Esquadrão Classe A e Fúria de Titãs.

Claro que o personagem Jim parece os últimos personagens do Liam Neeson. Agora, se a gente tiver um pouco de boa vontade, podemos ver alguns traços de Clint Eastwood no filme. O diretor Robert Lorenz não tem um currículo grande como diretor, esse é o seu segundo filme (e o primeiro foi estrelado pelo próprio Eastwood), mas no imdb, a gente vê que ele tem uma parceria de longa data com Eastwood. Em pelo menos dez filmes dirigidos pelo Clint Eastwood, o Robert Lorenz trabalhou como produtor ou assistente de direção. Ou seja, com um pouco de boa vontade a gente pode imaginar que esse papel cairia bem num Clint Eastwood de uns vinte anos atrás (Eastwood está com com 91 anos; Liam Neeson é 22 anos mais novo, mais coerente com o papel).

(Aliás, um parênteses rápido. O personagem se chama Jim Hanson. Sério que ninguém lembrou do Jim Henson, criador dos Muppets?)

Aproveitando que falei do elenco, acho que o único outro nome a ser citado é o de Katheryn Winnick, famosa pela série Vikings. O garoto Jacob Perez não é bom, mas também não atrapalha.

Teve uma cena que me incomodou. Mas antes, o aviso de spoiler!

SPOILERS!

SPOILERS!

SPOILERS!

O cara tá endividado, com problemas de grana, e queima o dinheiro do cartel??? Quem queimaria dinheiro, ainda mais endividado???

FIM DOS SPOILERS

O filme segue dentro do previsível. É genérico, mas não é ruim, pode agradar quem está atrás de novidades, nesses tempos tão difíceis de bons lançamentos.

Anônimo

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Crítica – Anônimo

Outro dia me falaram de um filme do diretor de Hardcore Henry e do roteirista de John Wick. Epa, esse é daqueles filmes que a gente precisa ver!

Sinopse (filmeb) Quando ladrões invadem sua casa, Hutch se recusa a defender a si mesmo ou sua família, na esperança de evitar violência grave. Seu filho adolescente, Blake, está desapontado com ele, e sua esposa, Becca, parece se afastar ainda mais. O rescaldo do incidente acerta a raiva latente de Hutch, desencadeando instintos adormecidos e impulsionando-o em um caminho brutal que revelará segredos obscuros e habilidades letais.

(Normalmente uso a sinopse do imdb, mas estava horrível. Por isso catei em outro lugar.)

Antes de entrar no filme, vou explicar a introdução. Ilya Naishuller é um russo que fez um videoclipe insano e violento, que depois desenvolveu a ideia no igualmente insano e violento Hardcore Henry. É um filme de ação tiro porrada e bomba, todo em câmera POV. Adrenalina ao máximo, com o espectador “vivendo” o papel principal. Filme divertidíssimo, daqueles que dá vontade de rever assim que acaba. Claro que quero ver o novo projeto do mesmo diretor.

E John Wick virou uma nova referência quando se fala de filmes de ação. Ok, concordo que o forte na franquia John Wick é o modo como as cenas de ação são filmadas e não o roteiro, mas, vamulá, o roteirista Derek Kolstad tem o seu mérito.

Anônimo (Nobody, no original) não tem sequências em câmera pov, o formato é mais tradicional, mais próximo dos filmes do John Wick. Um cara aparentemente comum resolve mostrar suas habilidades contra vários oponentes.

Antes de tudo, gostei muito de Anônimo, mas, preciso falar que tem duas coisas no roteiro que não me agradaram. Nada contra ser uma história parecida com John Wick, isso não me incomodou. A primeira coisa é o vilão caricato. A cena que ele aparece é ótima, um plano sequência que começa com um carro fazendo uma baianada, depois ele sai do carro, entra num clube, toma uma dose de bebida, cheira alguma droga, sobe no palco onde uma pessoa está cantando e começa a dançar. A cena é muito bem filmada, e já mostra que esse é um cara exagerado. Mas, achei caricato demais. Entendo a opção do filme de usar um personagem assim, mas achei over.

Já o segundo problema é um pouco mais grave. Não sei se isso é spoiler, então vamos aos avisos de spoiler.

SPOILERS!

SPOILERS!

SPOILERS!

O protagonista Hutch tem um passado badass escondido, vê-lo sozinho enfrentando os outros é muito legal. Mas, na cena final, cena grandiosa, dezenas de inimigos, Hutch não está sozinho. A cena é divertida, mas, achei forçado ver que as outras pessoas têm as mesmas habilidades pra acompanhá-lo.

FIM DOS SPOILERS!

Tirando esses dois detalhes, o roteiro funciona bem. Gostei de como o roteiro mostra o tédio do dia a dia de Hutch, e gostei de ter algumas doses de humor ao longo do filme – não, nunca chega a ser comédia, mas servem pra aliviar o clima – tipo a cena na loja de tatuagem. Também gostei da trilha sonora usar músicas fora do óbvio, tipo aquela num clima Frank Sinatra no início da cena do ônibus, ou o Louis Armstrong quando a casa está pegando fogo.

Também preciso falar do protagonista. Bob Odenkirk é mais conhecido pelas séries Breaking Bad e Better Call Saul. Heu só vi a primeira temporada de Breaking Bad, não curti muito e parei, um dia hei de dar uma nova chance, então, pra mim, não tenho essa referência sobre o ator. Mas, pouco importa, ele está sensacional aqui. Tanto pelo talento em criar um brucutu com camadas, quanto pelo lado físico – segundo o imdb, ele treinou por 2 anos pra protagonizar essas cenas de luta. E, sendo que o cara já tem 59 anos, esse fato é ainda mais impressionante. Arriscaria dizer que, sem ele, Anônimo seria um filme sem graça. Outro nome legal no elenco é o Christopher Lloyd, o eterno Doc Brown de De Volta Para o Futuro, mas ele aparece pouco. O mesmo podemos falar sobre Connie Nielsen e Michael Ironside, que pouco fazem no filme. Tirando o Bob Odenkirk, o único que tem algum destaque é o vilão russo caricato Aleksey Serebryakov.

Por ser do mesmo roteirista de John Wick, rolou um buzz na internet sobre um possível crossover. Acho isso bem difícil de acontecer, mas… seria bem legal, né?

Segundo o filmeB, Anônimo será lançado dia 13 de maio. Será? Tomara!