A Invocação do Mal

Crítica – A Invocação do Mal

Uêba! Filme de terror bom novo!

1971. Uma família se muda para um velho casarão, mas passa a sofrer nas mãos de espíritos que moram na casa. Para manter as cinco filhas seguras, os pais contratam o casal Ed e Lorraine Warren, famosos por desvendar casos paranormais.

Diz a divulgação que A Invocação do Mal (The Conjuring, no original) foi baseado em fatos reais. O casal Ed e Lorraine Warren realmente existiu, eles lançaram vários livros e disseram que investigaram mais de dez mil casos paranormais – o mais famoso deles originou o filme Horror em Amityville. Só não sabemos até que ponto a história contada aqui realmente aconteceu…

A direção ficou com James Wan, famoso por seu filme de estreia, Jogos Mortais (o primeiro), filme muito bom, mas com excesso de sangue e gore. Wan foi ainda mais eficiente em seu quarto filme, Sobrenatural, um dos melhores “filmes de fantasma” dos últimos tempos. Curiosamente, Sobrenatural é um “terror à moda antiga” – não tem nada de sangue e gore.

A Invocação do Mal está mais próximo de Sobrenatural do que de Jogos Mortais. Mais uma vez Wan brinca com o medo sem apelar para o gore. Ponto para Wan! Seu novo filme não só é muito bom, como consegue algo não muito fácil: provocar medo.

Alguns críticos vão reclamar dos clichês. Verdade, A Invocação do Mal está repleto de clichês. Mas são “clichês do bem”. Wan usa muito bem a velha casa, truques de câmera e efeitos sonoros, e consegue criar um ótimo clima assustador.

O casal principal é interpretado por Vera Farmiga (A Órfã) e Patrick Wilson (que também estava em Sobrenatural). Mas é Lili Taylor quem chama a atenção com uma interpretação impressionante. Ainda no elenco, Ron Livingstone e as desconhecidas meninas Shanley Caswell, Hayley McFarland, Joey King, McKenzie Foy e Kyla Deaver, que estão bem como as cinco irmãs.

Boa opção para quem gosta de filmes de terror daqueles que assustam sem precisar apelar pro gore!

p.s.: Acabei de ver no imdb que tem filme novo do James Wan estreando essa semana nos EUA, Sobrenatural: Capítulo 2. Será que vai ser lançado aqui?

Top 10: Quero ser Tarantino

Top 10: Quero ser Tarantino

Este Top 10 deveria ter sido feito uns anos atrás, afinal, Quentin Tarantino evoluiu (que bom, né?), e começou a variar um pouco seu estilo, fez um filme de guerra (Bastardos Inglórios) e um faroeste (Django Livre). Mas… Vamos nos lembrar do início de sua carreira, no início dos anos 90, quando ele fez Cães de Aluguel e Pulp Fiction e revolucionou Hollywood.

Ao longo dos anos 90, surgiram vários filmes com o “estilo Tarantino”: violência, personagens marginais, diálogos cool, trilha sonora moderninha, edição não convencional e às vezes fora da ordem cronológica, e, de vez em quando, atores cultuados mas com a carreira em baixa.

Lembrei de alguns filmes recentes, desta década, como o divertido 4.3.2.1. e o fraco Catch 44, que seguem a “cartilha tarantinesca”, mas como é uma lista que remete aos anos 90, priorizei filmes mais velhos para o Top 10 (mas mesmo assim, citei dois filmes de 2006…).

Ah! Não vale citar filmes que tenham o próprio Tarantino, mesmo que indiretamente, como Maré Vermelha (onde ele deu sugestões no roteiro), Eles Matam, Nós Limpamos (produção executiva dele) ou Vem Dormir Comigo (ele aparece como ator em uma cena). E, pelo mesmo motivo, Robert Rodriguez não está na lista (Tarantino e Rodriguez já trabalharam juntos diversas vezes, como em Um Drink no Inferno, Sin City e no projeto Grindhouse. Os dois são parceiros, Rodriguez não “quer ser Tarantino”.

Vamos aos filmes?

10. Coisas Para Fazer em Denver Quando se Está Morto (Things to Do in Denver When You’re Dead) – Gary Fleder, 1995

9. Irresistível Paixão (Out of Sight) – Steven Soderbergh,1998

8. A Última Cartada (Smokin’ Aces) – Joe Carnahan, 2006
http://heuvi.com.br/genero/acao/smokin-aces-a-ultima-cartada/

7. Vamos Nessa (Go) – Doug Liman, 1999
http://heuvi.com.br/genero/cult/vamos-nessa/

6. Corra Lola Corra (Run Lola Run) – Tom Tykwer, 1998
http://heuvi.com.br/uncategorized/corra-lola-corra/

5. Xeque Mate (Lucky Number Slevin) – Paul McGuigan, 2006
http://heuvi.com.br/genero/acao/xeque-mate/

4. O Nome do Jogo (Get Shorty) – Barry Sonnenfeld, 1995

3. Os Suspeitos (The Usual Suspects) – Bryan Singer, 1995
http://heuvi.com.br/atores/benicio-del-toro/os-suspeitos/

2. Cidade de Deus – Fernando Meirelles, 2002

1. Snatch – Porcos e Diamantes (Snatch) – Guy Ritchie, 2000

Rush – No Limite da Emoção

Crítica – Rush – No Limite da Emoção

Cinebiografia que mostra a história (real) da rivalidade, nos anos 70, entre dois grandes corredores de estilos completamente diferentes: Niki Lauda e James Hunt – desde as corridas  de menor expressão, até a Fórmula 1, onde ambos tiveram carreiras vitoriosas.

Nasci em 71, só acompanhei a Fórmula 1 dos anos 80, me lembro de Lauda como rival de Nelson Piquet. Não me lembrava de detalhes sobre o campeonato de 1976. Mas vou falar que, se tudo aconteceu como no filme, 76 foi um ano eletrizante na F1.

O tempo de tela é bem dividido entre os dois protagonistas. De um lado, Lauda, metódico e cerebral; do outro, Hunt, mulherengo e fanfarrão. Literalmente, razão vs emoção.

Dois personagens principais, dois atores principais. Chris Hemsworth teve menos trabalho, seu James Hunt é parecido com os personagens que costuma fazer, a gente vê o Thor pilotando. Já Daniel Brühl (Bastardos Inglórios) ganhou um papel mais complexo – seu Niki Lauda, genial e antipático, está impressionante – e ele ainda usa uma prótese nos dentes para ficar mais parecido com o piloto austríaco. Ah, as melhores tiradas do filme vêm de Lauda, como, por exemplo, a sua reação ao dirigir uma Ferrari pela primeira vez.

O diretor é Ron Howard, dono de um excelente e vasto currículo como diretor, produtor e ator, que inclusive conta com dois Oscars, por Uma Mente Brilhante (melhor diretor e melhor filme). Rush – No Limite da Emoção traz algumas semelhanças com outra boa cinebiografia dirigida por Howard: Apollo XIII. Ambos os filmes foram baseados em histórias reais que são excepcionais

Aqui, Howard pega a história original, que já era muito boa, e a conta de maneira ainda mais interessante. Não me lembro de ter visto corridas de Fórmula 1 tão bem filmadas como aqui. E Rush – No Limite da Emoção ainda tem alguns trunfos, como uma excelente reconstituição de época e a boa trilha sonora de Hans Zimmer.

Além de Hemsworth e Brühl, o elenco ainda conta com Olivia Wilde, que, na minha humilde opinião, não ficou bem loura. Ainda no elenco, Alexandra Maria Lara, Natalie Dormer e Pierfrancesco Favino.

Confesso que, como brasileiro, senti uma certa frustração por não ter visto o Emerson Fittipaldi. Ele é citado, Hunt pegou a sua vaga na McLaren quando o piloto brasileiro, então bicampeão mundial, resolveu criar a Copersucar. Mas ele não aparece…

(Fatos históricos pra quem não acompanhou: Fittipaldi foi campeão em 1974 pela McLaren, mas largou a escuderia no ano seguinte para investir no projeto Copersucar, um carro de corrida brasileiro. Pena que o carro não era competitivo, Fittipaldi nunca mais ganhou uma prova de F1…)

Outro fato histórico: qualquer um que já se interessou por F1 sabe que Niki Lauda se envolveu em um grave acidente – Lauda não se aposentou depois do acidente, e continuou correndo mesmo com o rosto deformado pelas queimaduras. Curiosamente, o acidente em si acontece de maneira rápida na tela. Achei que veríamos com mais detalhes. A recuperação de Lauda e todo o pós acidente têm maior foco no roteiro.

Heu não me lembrava do campeonato de 76, o que foi bom, porque a parte final do filme é eletrizante, e não sei se teria a mesma graça se heu já soubesse o fim da história. Para quem não acompanhou, recomendo não ler sobre quem ganhou!

Space Camp – Aventura no Espaço

Crítica – Space Camp – Aventura no Espaço

Vamos revisitar um clássico da ficção científica oitentista pouco conhecido?

Uma turma do programa “Space Camp” – onde jovens vão durante as férias para aprender como trabalham os astronautas – se vê no espaço quando um foguete é lançado acidentalmente.

Na década de 80, tínhamos bem menos filmes por ano do que hoje. A gente conseguia acompanhar quase todos os lançamentos. Assim, arrisco dizer: acho que Space Camp – Aventura no Espaço nunca foi lançado aqui no Brasil, nem nos cinemas, nem em home video. Heu vi na época, um amigo tinha uma cópia pirata em vhs (coisa bastante comum na segunda metade dos anos 80, quando muitos já tinham videocassetes em casa, mas muitos filmes não tinham distribuição por aqui).

Hoje, analisando a história, é fácil entender por que o filme foi deixado no limbo. Space Camp – Aventura no Espaço é de 1986, mesmo ano do acidente da Challenger – um foguete que explodiu segundos depois do lançamento, matando toda a tripulação enquanto milhões de pessoas assistiam pela tv. Provavelmente pelo trauma, muita gente evitou o filme na época…

Pena, porque Space Camp – Aventura no Espaço, apesar de estar longe de ser uma obra prima, é um filme bem simpático – apesar de parecer uma produção Disney: tecnicamente muito bem feito, mas com uma trama bobinha e inocente.

Esse lado bobinho é o ponto fraco do filme. Além de ser previsível e da trama toda ser muito inverossímil (o cara troca de turma só porque pega um crachá diferente, uma criança entra na turma dos mais velhos só porque enche o saco da instrutora), tem um robozinho que enche o saco. Toda vez que o robozinho aparecia, dava vontade de desligar o filme… O que salva é que o filme ainda é agradável de se ver.

Space Camp – Aventura no Espaço tinha Steven Spielberg na produção, mas um diretor desconhecido: Harry Winer. Fui ver no imdb, o cara fez muita coisa, mas quase tudo para a tv. Acho que este foi seu único filme para o cinema.

Por outro lado, o elenco é impressionante para um filme semi desconhecido. O trio principal feminino tem Lea Thompson logo depois de De Volta Para o Futuro, Kelly Preston logo depois de Admiradora Secreta e A Primeira Transa de Jonathan, e Kate Capshaw pouco antes de casar com Steven Spielberg, mas pouco depois de Indiana Jones e o Templo da Perdição. Ainda tem Tom Skerrit (Alien – O Oitavo Passageiro) e Larry B. Scott (A Vingança dos Nerds), além de ser a estreia cinematográfica de Joaquin Phoenix, criança, ainda creditado como Leaf Phoenix. Ah, também tem Terry O’Quinn, o Locke de Lost, num papel pequeno.

Hoje não sei se existe em dvd ou blu-ray. Mas sei que passa de vez em quando na tv aberta…

Meu Namorado É Um Zumbi

Crítica – Meu Namorado É Um Zumbi

Uma comédia romântica de zumbis? Será que é uma boa ideia?

Depois de um apocalipse zumbi, um zumbi se apaixona por uma humana. O envolvimento entre os dois acaba despertando uma reação em cadeia que o transformará, assim como os outros mortos-vivos.

Respondendo à pergunta: não, não é uma boa ideia. Quer dizer, pelo menos não funcionou aqui. Meu Namorado É Um Zumbi (Warm Bodies, no original) fica devendo.

Trata-se de uma adaptação do livro Sangue Quente, escrito por Isaac Marion. A direção ficou a cargo de Jonathan Levine, famoso por 50% – esse heu ainda não vi, apesar de ter um elenco que chama a atenção (Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen e Anna Kendrick).

A comparação com a série Crepúsculo é inevitável, principalmente se a gente lembrar que são adaptações de livros direcionados ao público adolescente. Até a mocinha Teresa Palmer lembra fisicamente a atriz Kristen Stewart. Bem, Meu Namorado É Um Zumbi não é um bom filme, mas pelo menos não é tão ruim quanto Crepúsculo.

Na minha humilde opinião, Meu Namorado É Um Zumbi tem dois defeitos básicos. O primeiro é a previsibilidade – logo cedo a gente já consegue sacar como vai terminar a história. O outro é a conclusão, que foge de qualquer lógica de zumbis. É muita forçação de barra rolar uma “cura” daquele jeito, é muita necessidade de se ter um final feliz romântico – mesmo que isso não faça o menor sentido.

Tem outro problema, mas acho que é mais do lançamento brasileiro do que do filme em si. Meu Namorado É Um Zumbi foi lançado por aqui como uma comédia. E é um filme sem a menor graça… (Aliás, 50% também foi vendido como comédia, apesar de parecer um dramalhão dos brabos).

No elenco, dá pena de ver um John Malkovich completamente desperdiçado. Atores têm que pagar as contas, né? Ainda no elenco, Nicholas Hoult, Teresa Palmer, Dave Franco, Rob Corddry e Analeigh Tipton.

Dispensável. Se quiser ver comédia com zumbis, veja Fido – O Mascote ou Todo Mundo Quase Morto.

Wolverine Imortal

Crítica – Wolverine Imortal

Quando Wolverine é convocado para ir ao Japão por um velho conhecido, ele é envolvido num conflito que o força a confrontar seus próprios demônios.

Em 2009, lançaram Wolverine – Origens, que desagradou os fãs e a crítica. Mas como se trata de um personagem famoso e importante, e como temos um ator que “veste” perfeitamente o personagem, logo trataram de esquecer este filme e criar um novo. Afinal, em breve teremos mais um filme dos X-Men com o personagem Wolverine

Wolverine Imortal segue a linha do recente Homem de Ferro 3 – um filme mais ligado ao homem do que ao heroi. Aqui, o Logan é mais importante que o Wolverine. Assim, temos um filme mais sério. O problema é que com isso, o filme ficou arrastado…

Não sei se a falha foi terem usado um diretor sem experiência na área. Gosto do James Mangold pelo seu suspense Identidade, de 2003; mas quando ele fez um filme de ação (Encontro Explosivo, de 2010), não foi lá grandes coisas. Outro problema de Wolverine Imortal é o vilão – no caso, a vilã Víbora. E aquele duelo final também não convenceu.

O elenco não tem muitos nomes conhecidos. Tá, Hugh Jackman hoje é super famoso, e ele “é” o Wolverine – já é o seu sexto filme com o personagem (cinco como protagonista; mais um numa ponta). Além dele, temos Famke Janssen de volta como Jean Grey, em cenas completamente desnecessárias (tire as cenas dela, nada muda no filme). Além dos dois, o elenco é desconhecido, pelo menos no cinema ocidental: Tao Okamoto, Rila Fukushima, Hiroyuki Sanada e Svetlana Khodchenkova.

No fim, Wolverine Imortal não chega a ser um filme ruim. Mas fica a sensação de que poderia ser bem melhor.

p.s.1: É Marvel. Então, não se esqueça, tem cena depois dos créditos!

p.s.2: Por que o nome “Wolverine Imortal”? De onde tiraram o nome nacional?

Invasão à Casa Branca

Crítica – Invasão à Casa Branca

Um ex-oficial do serviço secreto tem a chance de se redimir quando se torna a única esperança dos EUA contra terroristas coreanos que tomam o controle da residência oficial do presidente americano, a Casa Branca.

Confesso que não me empolguei muito com a estreia de Invasão à Casa Branca (Olympus Has Fallen, no original). Me parecia um exercício desnecessário de patriotada norte-americana. Bem, heu não estava errado, realmente é um exercício de patriotada. Mas se a gente relevar esse “detalhe”, o filme até que é legal. Bom ritmo, cenas empolgantes, efeitos especiais na dose certa, um vilão mau como um pica-pau e um mocinho que parece uma versão anabolizada do Jack Bauer da série 24 Horas – Invasão à Casa Branca é uma boa diversão para aqueles no clima certo.

Falei que tem que estar no clima certo, porque algumas coisas do roteiro soam forçadas demais. Nos Estados Unidos pós 11 de setembro, não acredito que seja tão fácil se aproximar da Casa Branca – por exemplo, um avião chega metralhando e consegue dar uma volta antes de ser abatido. Isso sem contar, claro, com várias situações previsíveis e muitos diálogos clichês.

Pelo menos quem aguenta isso tudo “ganha” um eficiente filme de ação. O diretor Antoine Fuqua (Dia de Treinamento, Rei Arthur) mostra boa mão nas cenas de ação e garante a atenção do espectador até o fim das duas horas de projeção.

O elenco está cheio de nomes conhecidos. O protagonista Gerard Butler às vezes soa caricato, mas funciona dentro do papel de exército de um homem só. Além dele, Invasão à Casa Branca conta com Aaron Eckhardt, Morgan Freeman, Angela Basset, Melissa Leo, Radha Mitchell, Dylan McDermot, Rick Yune, Cole Hauser e uma ponta de Ashley Judd.

Enfim, bom filme de ação. Mas é preciso aturar os defeitos.

Percy Jackson e o Mar de Monstros

Crítica – Percy Jackson e o Mar de Monstros

Novo filme do Percy Jackson!

Para restaurar a segurança do Acampamento Meio-Sangue, o filho de Poseidon e seus amigos embarcam em uma aventura até o Mar de Monstros para encontrar o lendário Velocino de Ouro, ao mesmo tempo que tentam impedir a ascenção de um antigo mal.

Gostei do primeiro filme, Percy Jackson e o Ladrão de Raios, mas, sei lá por quais motivos, ele não foi muito bem de bilheteria. Mesmo assim, me pareceu uma boa opção de franquia de aventura infanto-juvenil. A comparação óbvia seria com Harry Potter – ambos são adaptações de séries de livros de sucesso e que tratam de temas fantásticos, onde um jovem descobre que tem poderes e é levado para treinar entre pessoas como ele – mas enquanto os filmes do bruxinho são mais lentos e dramáticos, Percy Jackson é mais aventura com ritmo acelerado.

Este segundo filme segue a onda do primeiro. Como não precisamos mais apresentar personagens, tem mais espaço para a ação. Alguns efeitos especiais são muito bons – gostei do touro robô e de como Cronos foi mostrado. Também gostei da sequência que mostra um flashback em animação. Mas… Outros efeitos ficaram devendo. O barco descendo nas ondas na entrada do tal Mar dos Monstros é tão tosco que parece que voltamos aos anos 80…

Algumas coisas ficaram estranhas, como por exemplo Annabeth, que era morena no primeiro filme, agora está loura – parece que no livro ela sempre foi loura, mas a mudança aqui foi sem dar satisfações. Outra coisa que ficou mal explicada foi por que Luke atacou o acampamento, se o seu objetivo não tinha nada a ver com isso.

Sobre o elenco: os três atores principais – Logan Lerman, Alexandra Daddario e Brandon T Jackson – voltaram aos seus papeis. Leven Rambin aparece com um novo personagem importante na saga, que deve voltar nos próximos filmes (parece que sua personagem estava desde o primeiro livro, mas sei lá por que não entrou no filme). Mas, por outro lado, vários atores famosos que estavam no primeiro filme não voltaram. Se Percy Jackson e o Ladrão de Raios tinha Pierce Brosnam, Uma Thurman, Sean Bean, Rosario Dawson, Catherine Keener, Melina Kanakaredes, Joe Pantoliano e Kevin McKidd, Percy Jackson e o Mar de Monstros só tem Stanley Tucci e Nathan Fillion de nomes mais conhecidos. Pelo menos Fillion tem a mais divertida fala do filme, quando comenta que determinado seriado era muito bom “e não deveria ter sido cancelado” – até hoje os fãs reclamam do cancelamento da série Firefly, estrelada por Fillion.

A série de livros do Percy Jackson, escritos por Rick Riordan, tem cinco livros. Será que em breve teremos mais um Percy Jackson nos cinemas?

The Canyons

Crítica – The Canyons

Filme polêmico à vista! Lindsay Lohan nua, atuando ao lado de um ator pornô!

Quando um jovem produtor de cinema de família rica descobre que sua namorada tem um caso com o ator principal de seu novo filme, ele perde o controle e vira um homem violento.

The Canyons é exatamente o que falei no primeiro parágrafo. Um filme baseado na polêmica. Porque, se tirarmos os fatores “Lindsay Lohan nua” e “co-estrelado por James Deen, ator pornô em seu primeiro filme ‘sério'”, o filme parece um thriller erótico fraco, qualidade Super Cine.

O curioso é que temos um diretor e um roteirista com nomes conhecidos no mercado: Paul Schrader e Bret Easton Ellis. Tá, temos que reconhecer que ambos estão em baixa no momento, mas estamos falando do roteirista de Abaixo de Zero e Psicopata Americano e do diretor de Gigolô Americano e A Marca da Pantera (e que além disso escreveu os roteiros de Taxi Driver e Touro Indomável).  Não são nomes sem importância.

Schrader mostra talento em alguns planos interessantes. Mas é pouco, muito pouco. Ter Ellis no roteiro não acrescentou nada positivo ao filme. A história é fraca e sonolenta.

James Deen é um nome conhecido no pornô contemporâneo, li em algum lugar que ele já fez mais de 4 mil filmes. Ele até que combina com o papel, mas passa a sensação de ser um ator de poucos recursos dramáticos – Deen está o filme inteiro com a mesma cara antipática. E Lindsay faz o mesmo papel de Lindsay Lohan de sempre, com o agravante que em algumas cenas ela está com a maquiagem e/ou o figurino inapropriado para a cena.

E agora vamos à pergunta que deve estar na cabeça de boa parte dos leitores: e a nudez e o sexo, valem a pena? Bem, Lindsay aparece várias vezes com os seios de fora, mas a sua nudez se reduz a isso. Bem, pra quem tinha feito uma cena nua cobrindo tudo em Machete, até que estamos no lucro. Já Deen aparece mais “à vontade”, suas fãs podem apreciar sua nudez frontal. Mas, pra quem trabalha no pornô, até que a cena foi curta.

Ah, falei do figurino inapropriado, certo? Em uma determinada cena, dois casais vão para a cama. Enquanto os outros três estão completamente nus, Lindsay usa uma lingerie que podia ter sido de sua avó. Pô, não quer tirar a roupa, a gente entende. Mas pelo menos use uma lingerie coerente com a cena, né?

Por fim, recomendo o artigo de Stephen Rodrick, publicado no New York Times e traduzido pela revista Piauí. O texto está disponível neste link. É um texto longo pra caramba, contando os bastidores do filme, muito mais interessantes que o filme em si – inclusive, explica uma das maquiagens inapropriadas usadas por Lindsay.

Círculo de Fogo

Crítica – Círculo de Fogo

Planeta Terra, cidade Tóquio. Como em todas as metrópoles deste planet… Opa, é quase isso – só que não.

Quando o planeta é invadido por monstros vindos do mar, conhecidos como Kaijus, a solução para enfrentá-los é a construção de gigantescos robôs, os Jaegers. Mas, quando estes falham, a esperança da humanidade está nas mãos de um ex piloto, uma treinadora e um Jaeger obsoleto.

Trata-se do novo filme de Guillermo Del Toro, o mesmo de Labirinto do Fauno e dos dois Hellboy. Sabemos que Del Toro é talentoso com temas fantásticos, a grande dúvida é: será que ele vai funcionar fazendo um filme de robôs contra monstros?

Confesso que não me empolguei muito quando li do que se tratava. Um Power Rangers anabolizado? Blé. Mas, “in Guillermo Del Toro we trust”. E respondo logo: Círculo de Fogo (Pacific Rim, no original) não é um “clássico instantâneo” como Labirinto do Fauno; mas está vários degraus acima dos Transformers da vida – a inevitável comparação (pelos robôs gigantes).

Del Toro declarou que queria fazer uma homenagem aos seriados japoneses. E, nesse aspecto, não decepcionou. Os robôs e monstros gigantes são muito bem feitos, e as lutas são emocionantes. Ah, os efeitos especiais são impressionantes! Voltando à comparação óbvia: um dos piores problemas de Transformers é a “câmera com Parkinson” – a imagem treme tanto que mal conseguimos entender o que está acontecendo. Aqui não rola isso, vemos perfeitamente os detalhes de cada luta. E tem mais: a destruição de Hong Kong está no nível das destruições de metrópoles em Os Vingadores e Homem de Aço. O único senão é que não existe uma gota de sangue no meio do caos, deve ser por causa da censura.

Bem, o filme é muito bom, mas nem tudo funciona. Por exemplo, o papo da “conexão neural” é só pra dar dramaticidade à história, porque precisar de duas pessoas não faz o menor sentido. E, sem entrar nos spoilers, mas o fim do filme é completamente incoerente.

O elenco, liderado pelo pouco conhecido Charlie Hunnam (A Fuga), conta com Idris Elba, Rinko Kikuchi, Charlie Day, Burn Gorman, Robert Kazinsky, Max Martini e uma participação especial de Ron Perlman (o próprio Hellboy), num papel que é a cara dele.

Enfim, um bom filme pipoca. Mas espero que depois da diversão, Guillermo Del Toro volte a filmes mais sérios – se é que podemos chamar seus filmes de sérios…